25 най-велики късометражни филма, правени някога

Има много хора, които не могат да отделят от 90 до 120 минути на ден за гледане на филм. Те са заети и имат най-различни задачи, които да се притесняват за времето. Е, късите филми са перфектна резолюция за такива хора. Има хора, които обмислят алтернативи в различни форми на изкуството, но любителите на хардкор филмите трябва да имат визуално преживяване, подобно на филм, и аз, който съм в този край на спектъра, повярвайте ми, знам през какво преминават. Филмът или филмът е поредица от неподвижни изображения, когато се показват на екран, което създава илюзията за движещи се изображения и няма никакви ограничения във времето.

Като запален ученик, трябва да разберете, че всичко започва с късометражен филм, експеримент за измерване на собствения ви талант и забавление едновременно. Някои добри късометражни филми са повлияли и определили киното до степен, за която мнозина не знаят и обикновено улавят възвишено същността на разцъфналия режисьор. С ограниченията от ваша страна и кинематографичната липса, винаги имате възможност да изследвате късометражни филми и някои от най-великите филми са замислени след късите. В мрежата има хиляди късометражни филми, като не всички от тях непременно са качествени и задачата е да се търси с минималната информация, предоставена за тях, съвсем очевидно поради минималната експозиция.

Сега, като фен на филма на ужасите, аз винаги съм склонен да търся къси панталони, които ме дрънкат и служат не само за целта да ме изплашат, но трябва да се съгласите, че страхът от скокове е вълнуващ само по време на тяхната продължителност, но няма незабравим ефект. Психологическите или атмосферни филми на ужасите обикновено са най-добрите в партидата и въпреки сравнително ниския си бюджет са сложни, тъй като изискват финес чрез техника, докато техниката може да бъде на визуални образи или история или изпълнения.

С това казано, ето списъкът с най-добрите късометражни филми, които някога ще ви поразят. Можете да гледате някои от тези най-добри късометражни филми онлайн на Youtube, Netflix, Hulu или Amazon Prime.

25. Код 8

„Код 8“ е продуциран през 2016 г. от Стивън Амел (Стрела) и Роби Амел, режисиран от Джеф Чан, който също така прави „Операция Кинг риба“, предисторията на Call of Duty: Modern Warfare 2. Братята Амел и Чан направиха това кратко филм като тийзър за пълнометражен филм, който те бяха планирали и възнамеряваха да използват това видео, за да получат средства за проекта си. Решението да тръгнат по независимия път беше да упражнят пълен творчески контрол върху филма си, тъй като намесата на продуцентските къщи във филми нараства стръмно. Причината, поради която ми хареса, беше, че не се развива напълно със своите киберпънк елементи, той се намира някъде между нашия свят и този в „Blade Runner“, подобно на „Escape from New York“ на Carpenter. Филмът също има подобна концепция като „X-Men“ с малцинство от мутирали хора, изправени пред тежестта на изключително репресивното правителство.

24. Jiminy

Хората, запознати с характера на Пинокио, трябва да са наясно с Джимини Крикет и оттам филмът получава заглавието си. Сега историята на Пинокио ​​има две версии, оригиналната, която е мрачна и обезпокоителна, и тази на Дисни, омекотена за по-широката аудитория. ‘Jiminy’ е футуристично преосмисляне на свят, в който хората имат подобни на крикет контролни чипове, които им осигуряват алтернатива за изпълнение на всяка задача до съвършенство. Чиповете на повърхността изглеждат много полезни и подкрепящи като версията на Дисни, но докато продължаваме, ние схващаме степента на контрол, която те имат върху мисленето на хората, превръщайки ги в психически кухо състояние в своя дефицит.

23. Дарт Мол: Чирак

Когато преживявах различни късометражни филми, това беше име, за което обикновено не бих избрал от милион години. Фен, създаден във филма „Междузвездни войни“ от 21-ви век, може да се очаква най-малкото от него. Но бях изненадан от качеството на филма и честно казано, това е едно от най-добрите произведения на живо на „Междузвездни войни“, които съм виждал. Като фен на „Междузвездни войни“, презрях отношението към Дарт Мол, което беше ограничено до стъпало за ужасното развитие на Анакин Скайуокър. Тук виждаме как умелият войн израства в ситски лорд, убивайки в процеса нещо, което прилича на неясна версия на Оби-уан и неговите ученици. Бойните сцени са много добре хореографирани и изпълнени с пъргавина, която се очаква от хората, посветили живота си на изкуството.

22. Кунг Фюри

Не знам какво ме остави по-освежен след гледането на „Kung Fury“, почитта, която отдава на ретро забавленията на 80-те с нейната груба синтезирана атмосфера или факта, че най-накрая намерих източника на мемовете „Hackerman“. Късометражният филм на Дейвид Сандбърг се впуска във фантазираното бъдеще и също пародира подобни филми от ретро ерата. Kung Fury, нашият герой е поразен от мълния, която го превръща в ненадминат воин на бойните изкуства и следващото е следващо, в което ще повярвате само ако го проверите. Филмът е най-добре да се играе с разделителна способност 240p, така че да се оставите погълнати от VHS носталгията и ако това не е достатъчно, Knight Rider Дейвид Хаселхоф също прави камея.

21. Frankenweenie

За съжаление гледах тази 30-минутна класика от Тим ​​Бъртън отпреди 21-ви век, след като седях 90 минути през изтръгнатата версия на „Corpse Bride“. Това беше времето, когато Бъртън не пълнеше всеки възможен инч екран с палитра, вдъхновена от ерата на експресионизма. Този късометражен филм уволни режисьора, защото Дисни го счете за неподходящ за целевата млада публика. Работи като модерно предаване на Франкенщайн с куче, възкресено от неговия съкрушен млад приятел. Кучето е било най-верният приятел на човека и човек може да попита възрастните колко значиха за тях техните домашни любимци от детството и дали биха направили нещо, за да го спасят. Въпреки че възрастните могат да се примирят със смъртта, но децата не могат и това дава много солидна основа за целта на филма.

20. Носталгистът

„Носталгистът“ наистина може да обсипва с носталгия феновете на „А.И. Стивън Спилбърг“ Изкуствен интелект “. Филмът се развива в дистопичен свят, където хората могат да използват модифицирани козирки, които представят виртуална реалност. Филмът представя връзката между баща и син и ме накара да се замисля как терминът 'баща-син' е много субективен. Всъщност единият може да обича и да се грижи за другия като баща, а другият може да отвърне на уважението, свързано със синовете. Въпреки че е дълъг 17 минути, заедно с последните научнофантастични филми, този пренебрегва това, което се счита за „предпоставка“ за връзка.

19. Аз съм тук

Прочетох „Даряващото дърво“ на Шел Силвърщайн, когато бях дете и макар да се натъкнах на различни негови версии, никой не е по-висок от късометражния филм на Спайк Джонзе. „Аз съм тук“ играе ролята на Андрю Гарфийлд като робот в свят, в който те се третират като по-нискостоящи, не са „злоупотребявани“, а се гледат отвисоко като на изроди. Garfield’s Sheldon е интроверт, който живее монотонен живот, наподобяващ Теодор от ‘Her’, който е създаден по модела на това. Шелдън се влюбва в безразсъдния робот Франческа, който е полярната противоположност на него, и филмът изследва безусловната му любов към нея. За разлика от историята, Франческа не е егоистка, тя в крайна сметка прави невинни грешки, които струват на двойката много.

18. Електронен лабиринт: THX 1138 4EB

Въпреки че Джордж Лукас е известен с това, че стартира франчайз „Междузвездни войни“, дебютният му филм „THX 1138“ остава най-добрата му работа и един от най-добрите научно-фантастични филми за всички времена. Освен че е смразяващо изображение на света на Оруел, филмът е помогнал за стартиране на категория филми, които смесват научно-фантастични и социални сатири. „Електронен лабиринт“ е в основата на функцията, а Лукас я направи за своя университетски филмов проект. Макар че може да му липсва качество поради нисък бюджет, Лукас получи достъп до ограничени военноморски квартали и следователно се чувства като проекция на далечен свят.

17. Пътуване до Луната

Изминаха 115 години от пътуването до Луната, отделете малко време и оставете това да потъне. Джордж Мелиес изобрази космическото пътуване през 1902 г., десетилетия преди първата ракета, способна да покрие дълги разстояния, и повече от половин век, преди някой изобщо да измисли дизайна, който може да изпрати човека в космоса. Ако това не беше достатъчно, той дори изобрази Марсиан, приличащ на извънземни на екрана. Мелиес е бил истински визионер и работата му показва ранния сюрреализъм и магическия реализъм, а увлечението му по геометрия е почти хипнотизиращо. Предлага се в черно-бяла и цветна версия в YouTube и бих посъветвал първия, тъй като вторият се чувства лишен от автентичност поради вечния процес на възстановяване.

16. The Jetee

Предположих ситуация, да предположим, че Крис Маркър е видял Ла Джети един местен театър един ден като дете и години по-късно, ако е бил върнат навреме и е разбрал, че е създателят, ще промени ли начина, по който е филмът направен? Чух, че не е могъл да си позволи видеокамера и затова избра да компилира кадрите, които според мен се синхронизират много добре с рязкостта на потока от време от гледна точка на главния герой. Интересното е, че според собственото му творение той не би могъл, защото колкото и да е неясно и метафизично пътуването във времето във филма, просто няма как да избягаме от настоящето. Вашият план на съществуване се ограничава до настоящето, което е може би единственото, което има значение, защото е единственото, което може да ви въздейства. La Jetee е експериментален, едва ли има нещо реалистично във филма; предпоставката, процесът, любовта, всичко е просто упражнение в измама.

15. Алексия

Започвайки с „Алексия“, аржентински шорт с доминиращ сюжет в социалните медии и кибер хорър. Той се отличава със свръхестествено описание на събитията, на което липсва вярност, но компенсира недостатъците си с голямо внимание към детайлите. Алексия беше момиче, което се самоуби, след като приятелят й (водещият) се раздели с нея и го виждаме да минава през нейния профил, знак за вина и обич, който вероятно се крие вътре. След разговор с настоящата си приятелка онлайн, той решава да се раздели с Алексия, в резултат на което компютърът му се разминава и съобщения от мъртвата Алексия, включително изображение, изтръгнато от „Ringu“.

Камерата и монтажа са феноменални с близките планове, улавящи пълното объркване в очите на водещия и нарастващото му безпокойство през пръстите и забавеното движение на курсора. Ъглите на камерата и превключването са леко прекалени, но те изискват точното внимание и успяват да създадат объркващо настроение. Технически филмът е много здрав, с VFX, въпреки че бюджетът му не заблуждава интелекта на публиката, призракът и изстрелът на ириса са хубави постижения. Алексия се оказва нещо повече от просто вирус, който обърква компютъра и перспективата в края е ужасяваща и ви кара да се замислите над съдбата на водещия. Сценарият не е нищо страхотно и разчита на страховитите, но истинското въздействие на филма се осъществява само когато го свържете на по-обикновено ниво, мислейки за него, без да се накланяте към свръхестествения аспект.

14. Усмихнатият човек

‘Усмихнатият мъж’ изправя дете срещу дявола и то не притежава суперсили или способности, характерни за холивудски филм. Не. Хлапето е създадено да се противопоставя на чистото зло и раждането на ужас, защото думата „страх“ се ограничава до духове и вещици през детството и всичко това се случва в разгара на смъртта. Нямам намерение да обсъждам сюжета, защото няма възможен начин да се съсредоточа върху важни сюжетни точки в неговото 7-минутно изпълнение, тъй като това би развалило изживяването напълно.

Натрапването е рутинна тема за филмите на ужасите и това, което отличава някои от тях, е начинът, по който са заснети. Още от самото начало ви се създава впечатление за присъствието на свръхестествена сила, но това, което откривате, е физическо въплъщение на нея, а не газообразно създание или невидимо присъствие. Той използва всеки трик в „Книга за клоуни“, за да примами детето към най-злощастното събитие и това лечение може да не предизвиква страховита, но ви безпокои, а филмът на ужасите работи само когато остане в съзнанието ви, след като сте готови с то. Този филм не е предписан за лица, които са склонни да бъдат неуредени в компанията на клоуни.

13. Той свали кожата си заради мен

Да го поставим само под ужас би било жалко. Това е частта от списъка, където ще оставим износения конвенционален ужас настрана и ще се съсредоточим върху ужаса, предизвикан от материята и нейните реалистични качества. 12-минутният късометражен филм спазва заглавието си и се фокусира върху мъж, който сваля кожата си, за да докаже любовта си към приятелката си. Подсилен от някакъв фантастичен грим и нулево използване на CGI, главният герой без кожа е гледка (по отношение на техниката за публиката и емоционално за неговата приятелка, която не може да изрази реакцията си на поразителната му красота). Човекът без кожа наистина ви влиза под кожата (предназначен за игра на думи), но това бавно се източва от приемането на двойката към ситуацията, която работи наистина добре като тъмна комедия. По-нататък във филма има нарастващо напрежение и прищявката започва да се износва, оставяйки следи от него навсякъде, следи, които те не искат да усещат, тъй като вече не се чувстват комфортно с него.

Филмът е прекрасен с безупречно писане, актьорско майсторство и операторска работа (сцената отблизо с пържено месо и дългите снимки на отпечатъци в цялата къща са много хитри) и може да се тълкува като метафора за прозрачност. Като сваля кожата си, оловото оголва всичко и остава честен към връзката им, като се отваря, въпреки че партньорът му не отвръща. В началото те стават по-интимни с истината, издигаща връзката им, но с течение на времето забелязваме самодоволство в него, тъй като партньорът му само помага за разрешаването на въпросите му, но никога не го следва, до точката, в която има очевидно напрежение между тях, което води до шокираща последна сцена.

12. Канис

Canis е кратък филм на ужасите със стоп движение, който се върти около момче, заклещено в къща, заобиколена от кучета, които биха били идеалните домашни любимци за духовете в „Нощта на живите мъртви“. Той е мрачен, сърцераздирателен и е голямо НЕ за хората, които не могат да понесат насилието поради немислимото изследване на кръвта, но това не трябва да ви позволява да ви отвлича вниманието от шедьовъра, който е. Обстановката се чувства пост-апокалиптична поради сюрвейстистките сюжетни точки като опазване на храна, руини на цивилизацията, раждане на човек, буйни животни и избледнелия монохром.

Героите са направени от тел, плат и дърво и са оживени (много грубо изявление) чрез техники за спиране на движението от Анна Соланас и Марк Риба. Въпреки техния нихилистичен тон, той има завършек, който по право класифицира това като приказка, като „приказната“ част е доминираща като щипка кръв в океана. История за навършване на пълнолетие, която ще получи „R!“ рейтинг, занимаващ се с изнасилване, видова дисфория, убийство на любим човек, човекоядци и отсечени части на тялото, това е всичко друго, но не и филм за деца. Технически това може да бъде подобрено само от избора №1 в този списък с безупречни подробности за продукцията и звуковия дизайн, всеки белег е прорязан с идеалното количество лудост и един поглед може да предаде историята зад него.

Преминавайки към сюжета, Тео оцелява заедно с кучето си и един старец (който може да е негов дядо) и е трудно да се примири с гравитацията на ситуацията, в която са затънали. Всичко се променя, когато грешка доведе до неговата смъртта на пазителя в челюстите на дивите кучета и той трябва да се засили, за да защити него и кучето му, като убие натрапници. Той е изнасилен от жена, която се облича като куче, за да оцелее и трябва да прибегне до ядене на кучешко месо, докато ние виждаме, че кучето му става все по-неспокойно и диво поради неблагополучията и единственото нещо, което го разделя и останалите човекоядци е само външен вид. Историята се развива в една дори гротескна и тревожна фаза, която най-накрая показва завършването на трансформацията на Тео в човек, готов да поеме света.

11. МАХАЙ

‘FUCKKKYOUU’ е обезпокоителен сюрреалистичен филм и свидетелство за влиянието на линчийския ужас. Заснет в зърнест монохромен цвят с размазани визии и партитурата от Летящия лотос, изпълняващ симфониите на „Eraserhead“, това е филм, с който Линч би се гордял. Филмът започва с ориентация, напомняща на ужасите от 30-40-те години и обезобразено същество, наподобяващо „Човекът слон“. Трудно ми беше да изградя теория, обясняваща събитията и мозъчните ми клетки бяха напълно привлечени от Елемента на изненадата и трябваше да се позова на виртуални източници. Филмът основно се върти около хуманоидно същество, което се бори със своята идентичност и пол, когато се сблъсква с отхвърляне, което се случва през обменни периоди от време, като миналото е пропадане на реалността, след като е било обърнато от инжекцията, която ни показва в началото.

Филмът е изпълнен с пищяща болка и виещо отчаяние, с бездушната музика, която наистина е в състояние да обезпокои всички здрави хора. Заглавието на филма е вътрешна шега и се появи по време на сесия, където Flying Lotus изхвърляше мелодии на случаен принцип и една от тях звучеше като „F * ck you“. Може да се тълкува и като последния вик на мутиралото същество, подходящ отговор на онези растения, които се разкъсват през него. Като се губя с думи, мога само да поискам да го проверите сами, защото опитът е заковаващ и макар че в крайна сметка може да не направите нищо от това, това ще ви взриви мозъка. Повярвайте ми на думата!

10. Режещи моменти

Бих сложил „Cutting Moments“ малко по-високо в списъка поради силно обезпокоителните визия и тематика, но „The Big Shave“ като основно вдъхновение за това имаше по-голямо въздействие в момент, когато само Peckinpah се осмели да използва цвят червен повече от това, което се счита за нормално. Cutting Moments се върти около американско семейство, което изглежда нормално отвън; мъж, съпругата и синът им, но страда от проблеми, които тормозят значително количество семейства в западното общество, което води до заглавия, които ви карат да треперите.

Сара и Патрик живеят с потиснати емоции и предпочитат изолацията, като Патрик напълно отрича съществуването на Сара. Студенината между тях е както на физическо, така и на емоционално ниво, като Патрик отклонява сексуалните си пориви към сина си по време на събитие, което е неясно представено. Сара се опитва да се облече по еротичен начин, за да угоди на Патрик, но когато този опит се провали, това прави и психическата й стабилност. В напълно разбито състояние тя се отдава на тежко саморазправа в краен случай, което е последвано от събития, които са просто немислими и биха повлияли до известна степен на „Антрихист“ на Ларс фон Триер.

9. Голямото бръснене

Първият късометражен филм на Мартин Скорсезе е идеалният предговор към кариерата му. Разположен с неговата запазена марка католически екстремистки подтекст на греха, физическото умъртвяване и вътрешната битка между вярата и реалността, припокрити от теми за насилие, напрегнатост и напрежение. Целият филм е разположен в баня и в неговото 5-минутно изпълнение „Голямото бръснене“ включва мъж, който два пъти измива лицето си, веднъж с намерение да се отърве от космите по лицето и следващия път с намерението да се отърве от себе си. Той е експериментален и има твърде много кадри отблизо, отколкото Скорсезе обикновено би използвал, но той го прави правилно, балансирайки между прякото (огледалото) и индиректното (бръснещото острие) представяне на акта, придавайки му идентичност, различна от наперен хипи филм .

Сега ще обсъждам сюжета, тъй като той работи като метафора, скрита в алтернативното си заглавие ‘Viet 67’, показана по време на крайните титри. Viet 67 е препратка към войната във Виетнам, силно критикуван въпрос по времето, когато това беше заснето с ясна картина на войната и президента Джонсън, който беше разкрит в страната. Саморазправата отразява саморазрушителното участие на САЩ във войната, която доведе до загуба на 1 милион американски живота, мъже, които бяха нормални хора като публиката и имаха минимални знания за събитията, с които трябваше да се изправят.

8. Тайнствена мелодрама

Абсолютно отвратително и подло парче кино. „Мелодрама Сакраментал“ е 17-минутен запис на едноименната пиеса на Алехандро Йодоровски с неговата театрална група „Движението на паниката“. Групата може да се счита за култ и мотивът им беше да постигнат това, което Бунюел и Дали направиха през 20-те години, като шокираха публиката и съживиха сюрреализма, превърнал се в дребна буржоазия. В него главно участваше Джодоровски, облечен като мотоциклетист, и го представяше как прерязва гърлото на две гъски, залепва две змии на гърдите си и се съблича и бичува. Други сцени включват голи жени, покрити с мед, разпънато пиле, инсценирано убийство на равин, гигантска вагина, хвърляне на живи костенурки в публиката и консервирани кайсии.

Под прикритието на оригиналността, този къс включва жестокост към животни и сексуална абстракция, но за разлика от произведенията на Бунюел в крайна сметка е толкова суров, той нито шокира, нито дава своя сюрреалистичен патос на художествената форма. Работи като „Човешка стоножка“ или „Сръбски филм“, за да се използва безсмислен физически ужас, за да не се постигне нищо и това е много смазващо доказателство за необичайно великолепната визия на Йодоровски, предадена чрез „Ел Топо“ и „Светата планина“. Не ми харесва, цитирам Рик Блейн „Ако го помислих, вероятно бих го направил“.

7. Шест мъже се разболяват, шест пъти

Дейвид Линч Първият филм, заснет с бюджет от $ 200, е анимационен късометражен филм, който му носи Мемориална награда на конкурса за експериментална живопис и скулптура на филмовото училище. Филмът се състои от анимационна картина, изобразяваща шест дисморфични фигури, отстъпващи в последователност със звука на сирена на фона. Критиците го описват като полезна парадигма за разказния смисъл на Линч, като много от тях посочват приликите, които споделя с „Eraserhead“.

Действителният сюжет (за улеснение) тече за минута със състоянието на фигурите, претърпяващи трансформации, вътрешните им органи стават видими и стомасите им се пълнят с ярко оцветено вещество, което се движи до главите им, което ги кара да повръщат , и това се играе 4 пъти, за да се отчете неговото 4-минутно изпълнение. Забележете необичайните изяви, намерението за отвращение (повръщане), използването на физически ужас (изобразяване на вътрешни органи), динамичния звуков дизайн, който присъства в по-ранните му филми и забавната част е, че някои зрители могат да се почувстват зле или дезориентирани след гледане това и хората, които са напълно добре с него, така или иначе шегата е с вас и вие представлявате шестимата болни хора.

6. Любовта съществува

Въпреки че е майстор на киното сам по себе си, Морис Пиала се изплъзва на широка известност точно толкова, колкото и на съществуващите кинематографични правила. И все пак запознатите с работата му ще оценят колко категорично е влиянието му върху безброй съвременни филми. Трудно е да се включи Пиалат в конкретна категория, тъй като филмите му са вкоренени в реализъм, толкова несентиментален и емоционално плътен, че изглежда формалистичен. Една от най-ранните му творби е 20-минутният документален филм „L’Amour Existe“, който е неговият коментар за разрастването на градовете в следвоенна Франция и свързания с нея класов конфликт. Той изгражда кадър по кадър разказ за мрачната реалност на парижкото развитие с предградията, които се разлагат в пренебрежение, с глас над Жан-Лу Рейнолд. Пиалат подчертава със сложно търпение колко мрачен е бил животът в предградията в следвоенната ера, когато рекламата завладява реалността и хората прегръщат материалистичен и скучен живот.

L’amour Existe също така посочва как парижката средна и висша класа се радва на по-добро образование не само в академично, но и в културно отношение, докато децата от предградията нямат достъп до театри или концертни зали. Пиалат описва новите жилищни сгради, възникнали бързо като „концентрационни лагери“ с малки хоризонтални прозорци, от които няма какво да се гледа. Този късометражен филм печели награди на филмовия фестивал във Венеция и Prix Lumieres. Морис Пиала продължи да прави много брилянтни филми като A Nos Amours и Sous le Soleil de Satan, които спечелиха Златната палма в Кан.

5. Цигари и кафе

Въпреки че Cigarettes & Coffee беше само P.T. Андерсън За втори път зад камерата, по никакъв начин не се чувства като аматьорска работа. Филмът се развива почти изцяло в закусвалня и ние процедурно се запознаваме с пет героя, техните истории и бележка от 20 долара, която ги свързва. Има напрегнат и нервен мъж, който разказва историята си, търсейки помощ от по-съобразен стар приятел, който е особено внимателен в изчакването, докато кафето се налее и цигарите запалят, иначе разговорът няма да има реално значение. В другата кабина има двойка на медения им месец, която е загубила всичките си пари, след като съпругата ги издухва на хазарт. Малко по-късно в закусвалнята влиза сенчест мъж, който на пръв поглед не е свързан с останалите. Въпреки това, тъй като банкнота от 20 долара си проправя път от един от героите до другия, ние разбираме, че те могат да бъдат свързани помежду си.

Този 23-минутен къс има достатъчно история за филм преди него и друг след него. Диалогът, рамкирането и операторската работа във филма показват, че той е направен от някой, който знае точно какво иска. Най-отличителната черта на този филм е използването на проследяващия кадър за прекъсвания на сцената. Актьорската игра в този филм също е особено добра. По-късно Андерсън адаптира и разширява този късометражен филм в пълнометражен пълнометражен филм „Hard Eight“ - следващото му начинание.

4. Шест стрелец

Мартин Макдона, който е режисирал „В Брюж и седем психопати“, първоначално започва снимането на 27-минутен черен комедиен филм в Ирландия, наречен „Шест стрелец“, който печели Оскар и е един от най-известните късометражни филми на всички време. Почти изненадващо е как филм, толкова натоварен със смърт и лична загуба, успява да бъде толкова забавен и изразителен едновременно. Късометражът е изключително добре направен и интелигентен, така че хуморът се чувства различен както от американските, така и от британските марки черна комедия. Следва застаряващ мъж, Донели, който току-що е загубил жена си и на влака обратно от болницата се оказва седнал с развълнувано тийнейджърче, чиято майка току-що е починала. До тях седят мрачна двойка, която току-що е загубила новороденото си дете.

Тази на пръв поглед мрачна обстановка скоро се превръща в по-тъмен обрат и нещата стават едновременно по-смешни и забавни, с разкрития за убийства, самоубийства, битки с оръжие с полицията, експлодиращи крави и смърт на домашни любимци. Всеки, запознат с другите филми на Макдона, няма да има нужда от допълнителни причини да гледа този шедьовър. Този филм обаче формира съществено гледане за всеки, който се радва на интелигентна черна комедия, което просто означава всички.

3. Кокетна жена

Вероятно най-плодовитият от всички режисьори от Нова вълна, Жан-Люк Годар прави филми от 50-те години на миналия век със същата изобретателност, както винаги. Досега той е режисирал над сто филма, включително презрение, Без дъх и Банда на аутсайдери. Но Годар започва режисьорското си пътешествие с по-малко известния късометражен филм Une Femme Coquette през 1955 г. Въз основа на разказ на Мопасан, 9-минутният черно-бял късометражен филм следва омъжена жена, тъй като тя изведнъж се изкушава да флиртува с непознат, след като е видял проститутка грациозно да привлича от прозореца над улицата мъже, които поддържат. Тя е изключително впечатлена от грациозния начин, по който жената привлича непознати - с непринудена, но привлекателна усмивка, която толкова лесно би могла да означава „Какъв красив ден!“.

След като стана свидетел на това, тя импулсивно решава да се усмихне флиртуващо на следващия мъж, когото вижда. Une Femme Coquette напомня на други ранни творби на Годар - с оптимистичен саундтрак, задвижван от артикулиран диалог, широкоъгълни кадри и донякъде бърз монтаж. Смяташе се, че филмът е изгубен дълго време доскоро, когато се появи в YouTube. В късометражното представено е и камео на 24-годишен Годар, което би трябвало да е достатъчна причина за кинефилите да го проверят. (Внимавай тук )

2. Трамвай

Кшищоф Киесловски направи Tramwaj, един от най-добрите късометражни филми, докато още беше студент във филмовата школа. В този 5-минутен филм следваме млад мъж през зимната нощ, докато се качва на трамвай, в който забелязва красиво младо момиче, което седи само. Погледите им се срещат, първоначално момичето изглежда неспокойно, но бавно се затопля до неговото присъствие, докато той затваря вратата на трамвая, виждайки как въздухът я охлажда и след това по детски започва да дъвче кубче захар. Но преди нещо да може да се случи, трамваят стига до спирката на мъжа и той се качва на борда му. Той незабавно съжалява, че е пропуснал такъв подходящ момент и е обзет от желанието да се приближи до момичето, затова тича зад трамвая с надеждата да я хване. В самото начало бяхме виждали мъжа да стои сам в клуб, където всички танцуват, и изглежда не се забавлява добре. Вероятно няма голям късмет с дамите, поради което трябва да е изпитвал тежко чувство на оплакване и оттам импулсивното му бягане.

Почти всеки един от потребителите поне веднъж е изпитвал подобна топлина, когато е видял случаен непознат, някой различен от останалите, някой толкова привлекателен, че искаме да ги опознаем. Същото затруднение беше изразено и от г-н Бърнстейн в Citizen Kane, когато той разказва как все още си спомня момиче, което е видял само за секунда, когато е бил млад, облечено в бяла рокля на ферибот. Освен сюжета, това, което прави късометражката интересна, е майсторската сила на Киесловски зад камерата и големият му талант за разказване на истории. Оттогава Киесловски се превърна в едно от най-големите имена в артхаус киното и направи страхотни творби като „Декалогът“ и трилогията „Троа Кулеърс“.

1. Андалузско куче

Кучето Андалусия е порода с произход от Испания, родното място на Луис Бунюел и Салвадор Дали, двамата създатели на този монументален късометражен филм. На Иберийския полуостров има пещерни рисунки, представящи кучета със силно сходство с тази порода и честно казано, елементът на мъглявата реалност от пещерните рисунки е единственото нещо, което филмът заема от съществуването на кучето андалусийско. Въпреки че сюрреалистичното движение вече е започнало през 20-те години, то не успява да привлече вниманието в световен мащаб и Бунюел-Дали постига това, шокирайки публиката с визуализации, които символизират нищо друго освен потискане на творчеството.

Още от началния изстрел отблизо, в който участва самият Бунюел, разрязвайки окото на жена с разлятия стъкловиден хумор, разбъркващ мозъка ви до последното изображение на мъртва двойка, заровена в пясъка на плажа, филмът никога не намалява интензивността си веднъж и макар че биха могли да спорят за абсурдния модел на сцените, помагащи на тази причина, важно е да забележите как те са подредени по начин, който им дава благоприятна приемственост. Техниките и образите на телесния ужас в повечето сцени са проучени и приложени в безброй други филми, изградени върху сънища или теми на ужаса. Най-забележителните примери са ‘Oldboy’, ‘Spellbound’, ‘Quills’ и ‘The Blood of a Poet’. Въпреки че безброй критики са възприели различни теории, за да обяснят събитията от филма, те се ограничават до думата „теория“, като Бунюел се смее на всяко правдоподобно обяснение към нея.