10 най-добри сцени за диалог за всички времена
Докато има страхотни филми, великите сценаристи също са процъфтявали. Без солидната основа на скрипт за стоки дори най-големите режисьори могат да се разклатят при последното препятствие и затова писането, заедно с редактирането, са може би двата най-съществени (и меко казани) елемента на продукцията. По-долу се намират някои от най-фините парчета на сценария за сцена в една сцена, постигнати някога. Някои ви разсмиват, други ви разплакват, а някои ме карат да пълзя на топка и да пожелая на света за известно време - но всеки един от тях е белегът на фантастичен художник, работещ на върха на играта си. Наслаждавайте се, списъкът с най-добрите сцени за диалог с филми някога.
10. Гленгари Глен Рос - „Винаги се затваряй“
Малко сценаристи могат да се справят толкова умело с използването на ругатни като Дейвид Мамет и в звездната адаптация на собствената си пиеса той постигна своя абсолютен връх. Най-забележителната сред безкрайната гама от запомнящи се сривове е сцената между Ал Пачино, Кевин Спейси и Джак Лемън, в която бившият разпалва пламтяща скандал. Мамет поддържа съвършено чувство за темпо и свирепост, тъй като предимно тихият характер на Пачино експлодира, изчерпвайки конвенционалните си обиди и след това преминавайки към весел алтернативен арсенал от странни упадъци.
Докато Пачино излиза от сцената, Лемън прави мимолетен коментар на Спейси, който запалва поредната схватка, завършваща решително за трагичния характер на бившия - оставяйки го напълно обречен. Това е брилянтен начин да се ограничи непрекъснатият характер на движението, като се събере цялата инерция, натрупана до този момент, и се остави цялото му задържащо напрежение в безупречно контролиран водовъртеж на езиковата сила. Гениално писане.
9. Д-р Стрейнджлав - „Телефонно обаждане“
Голяма част от писането на Strangelove е комично злато и въпреки техническите си корени в монолога, никакво взаимодействие в претъпканите със закъснение на Стенли Кубрик 90 минути до полунощ не е толкова весело, колкото телефонното обаждане на американския президент с руския лидер „Димитри“. Сцената е кратка и въпреки това удря толкова силно във всеки отделен ред, че нямах проблем, включително тук като комедиен избор. Бързострелният остроумие на „Duck Soup“ и славната „Blazing Saddles“ са подгласници, но нищо не превъзхожда компактния и все по-ефективен ритъм на тази сцена.
8. Истински романс - „сицилианци”
От всички фантастични сценографични сцени, които Куентин Тарантино някога е писал, малцина са изпълнени с толкова прекрасни процъфтявания на думи, както конфронтацията между Кристофър Уокън и Денис Хопър по средата през „Истинският роман“ на Тони Скот. От безсмъртните начални реплики на Уокън до пациента и вълнуващия монолог, който Хопър предоставя, след като приеме съдбата си, има малко по-добри битки с думи на страницата или на екрана.
Част от похвалата трябва да бъде връчена на самия Скот, като режисира сцената с ефективно отразяване и на двете страни и остави обширно напрежение от класическа музика, за да подкрепи окончателното предизвикателство на Хопър в точния момент. Докато последователността на мазето от „Безславни копелета“ или който и да е от великолепно написаните моменти в „Джаки Браун“ се бореше за това място, не може да се отрече изключителното умение, което Тарантино прояви при представянето на това майсторско писане на целулоза.
7. Капитанът - “Обработка”
Пол Томас Андерсън е крал на занижени и често за съжаление пренебрегвани сценарии. Забележителната тънкост на „Ще има кръв“ и разбиването на топката, която е последната третина на „Магнолия“, са близки секунди, но въпреки откъсването на цялостното парче не мога да не бъда погълнат от ожесточената интимност на „The Master's Сцена за обработка.
Поставяйки Филип Сиймор Хофман срещу Хоакин Финикс на малка маса - двойката се включва в лабиринтна игра на думи, която се извива навътре и навън от различни нишки на разпит и бавно се отлепва все повече и повече за манталитета и миналото на плътно навития характер на Феникс. Това е изключително завладяващо и едно от най-ловко рисуваните писмени текстове в последния спомен.
6. 12 ядосани мъже - „игнорирани“
Комбинация от безумно квалифицираното писане на сценарии, фината, но ефективна режисура на Сидли Лумет и изключителната работа на всеки участващ актьор - точката в „12 Angry Men“, в която съдебните заседатели започват да напускат масата си, за да отделят и победят злонамерен член на тяхната партия е един от най-мощните моменти във филма. Освен това: Това е възвишено писание, което поема силата далеч от думите, които досега са управлявали напредващия разказ на филма. Вместо това е тишината, която позволява на сюжета да расте и, в този случай, един от героите да се свие. Задвижваният от диалог често може да бъде обсебен от намирането на гениални начини за използване на думи, за да придаде характер (а-ла на Lumet, фантастичното „Убийство в Ориент Експрес“) - и уникалното подриване на сценариста на тази често прекалено усложняваща черта от алтернатива събличането на всичко е невероятно за гледане. Върхът на антидиалога.
5. Третият човек - „харчене на пари“
Късното влизане на Орсън Уелс в „Третият човек“ на режисьора Карол Рийд ни благославя с един от най-харизматичните злодеи в киното и никъде, където този гнусен, но очарователен скелетен пръст на Хари Лайм ни привлича по-убедително, отколкото на върха на виенско колело.
Там той говори за това колко хора е готов да „похарчи“, без усилия обезценява човешкия живот чрез сравнения с малки малки спецификации в далечината и прави малък монолог, закотвен от истински предизвикателен морален въпрос. Рийд позволява на актьорите си да свършат цялата работа, играейки със сценария с органичен поток, който прави смъртоносната капка от пътуването все по-натискаща, докато напрежението започва да нараства. Това е професионално обработено кино, което печели точки за това колко красноречиво отсъстващият характер на Лайм се изразява като човек за толкова кратко време.
4. Психо - 'Частни капани'
От над 50 филма Алфред Хичкок никога не е написал нито един сценарий. Изглежда, че човекът е бил по-скоро майстор на режисура и монтаж, отколкото всичко останало, чрез невероятния си контрол над актьорите в тази ключова сцена от „Психо“ показва, че създаването на сценарий не е необходимост, за да може да ги разбере и ефективно да ги преведе.
Тук взаимодействието между Leigh’s Marion Crane и Perkins ’Norman Bates майсторски възприема текущата тема на филма и ясно го озвучава в безсмъртен обмен, който никога не излиза толкова откровено символично за това колко превъзходно изпълнен и внимателно написан. Постоянният обмен на информация, както емоционален, така и изложен, го поставя като жизненоважна част от пъзела на Психо и колко вкоренен е всеки ред с режимите на изразяване на двамата герои, превръщат това, което би могло да бъде детско очевидно устройство, в една от най-добрите сцени за диалог, за които знам .
3. Лице - 'Изповеди'
Втори по рода си монолог, макар че ако разделяме космите, ако случаят е такъв, тогава най-добрият монолог, писан някога, може лесно да бъде ВСИЧКИ от „Персоната“ на Ингмар Бергман и просто казано: Има няколко писмени творби, които толкова силно завладяват публиката като този блестящ зенит попадна в шедьовъра на мъжа от 1966 година. Биби Андерсон (давайки най-добрата си работа като актьор) се спира все повече и повече в спомен от миналото си - последователността поглъща с непосилна езикова чувственост, която се прокрадва далеч по-дълбоко от обикновения монтаж, представящ нейната скандална среща. Самото взаимодействие се ражда от пациентската посока на Бергман и мълчаливото, но изразително изслушване на историята на спътника си на Лив Улман, поставяйки атмосферата още по-плътна за едно преживяване, което ви пренася, без да ви премества никъде изобщо.
2. М - „Пробен период“
Истински специалното „M“ на Fritz Lang се затваря с един от най-разтърсващите моменти в кинематографичната история. Тези, които гледат на по-стари филми като на присъщи дати, трябва само да погледнат този филм от 1931 г. за дете-убиец и възможен педофил и колко смело се е сблъскал с политическия си подтекст в момент, в който Германия преживява безспорно най-ужасяващата революция от 20-тетивек. В тази последна сцена филмът на Ланг поставя убиеца срещу съд-кенгуру, състоящ се от жертвите на неговите действия - наскърбени родители и ужасени граждани, заклети да унищожат тази заплаха. Във всеки друг филм е напълно ясно, че хората са прави и този демон трябва да бъде осъден на смърт, но Ланг е далеч по-малко черно-бял от това.
Обърнете внимание на Германия през 1931 г.: Националсоциалистическата партия се развихри с намерението да поеме властта. Желанието на широката общественост за екстремно решение на проблемите, предизвикани от катастрофата на Уолстрийт върху тяхната нация. По-късно имунизация на психично нестабилни. В края на „М“ Фриц Ланг взема най-лесното решение в света и го прави едно от най-дълбоко трагичните предизвикателства, поставяни някога на екран. Убиваме ли виновния човек, който моли за помощ, която би могла да го реабилитира, и да спестим още една безполезна загуба на човешки живот, независимо от „отмъщението“, с което уличното правосъдие може да изпълни тези хора? Присъединяваме ли се към тях, като се има предвид, че тези хора ще станат тези, които подкрепят възхода на нацистката партия и започват да практикуват нейната политика на игнориране на виковете за помощ и вместо това да вземат лесния вариант да потушат този писък с градушка от куршуми и смъртоносни игли? „М“ проповядва „Когато човек е болен, вие го изпращате на лекар, а не на палач“ и само в „М“ в точното време, когато е направена, тази сцена ще работи. Вдъхновено, непостижимо смело и вечно предвиждащо кино.
1. Висока и ниска - „Резолюция“
Има нещо ужасяващо в нищото, нали? Филми като „Синекдоха, Ню Йорк“ директно ни предизвикват с идеята, че смъртта идва, но там, където писането на Акира Куросава се различава от изтощителния порой от идеи, с които обикновено ни бомбардира фантастичният Кауфман, е, че е фин. Той загатва, по-скоро и заявява. Дебне и се бави, вместо директно да атакува. Както Джон и Крис Нолан веднъж писаха, „Това е бавният нож, който реже най-дълбоко“. Не мога да подчертая достатъчно, че ако не сте гледали най-добрия филм на Куросава, „Високо и ниско“ от 1963 г., тогава трябва да го направите, преди да прочетете това.
Ето един филм, който прекарва два часа в търпеливо унищожаване на живота на няколко души. Непоправимо белези малко дете. Изтръгва душата от някога процъфтяващо семейство. Това позволява на бизнесмените с големи перуки да спечелят, докато героят се разхожда в избледняващите фрагменти от предишното си състояние. Всичко това никога не получава пряка вина. На чудовищния злодей зад безкрайните трагедии на High & Low липсва лице - на нас, публиката, е позволено да възлагаме вината върху хората, които сме избрали с надеждата, че г-н Гондо може да живее отново щастлив живот.
И тогава след всичко това Акира Куросава ни сяда във финалната сцена на своя върховен шедьовър и ни изправя пред онзи неразказан ужас, онази неизбежна сянка, която ни ноктите отвъд гроба: Нищо. Няма да заявя директно нищо за неизтриваемото кино, което покрива филма, само отново моля да го потърсите възможно най-скоро. Думите не успяват да опишат усещането, което обхожда всеки кадър от последните моменти на филма.