100-те най-добри филма за всички времена

Алехандро Ходоровски Прулански, известният чилийско-френски филмов режисьор, поет, драматург и музикален композитор, веднъж каза: Винаги съм смятал, че от всички изкуства киното е най-пълното изкуство. Съгласен съм. В повече от един начин, киното всъщност е обединение от всички други важни форми на изкуството: живопис, писане и музика. Не е случайно, че киното е и най-модерната форма на изкуство. В крайна сметка еволюцията на други форми на изкуство беше необходима, за да се появи киното. Фактът, че остава най-популярната форма на изкуство почти от момента, в който се появи, ви казва както силата, така и слабостта му: лесно е достъпна и следователно по-комерсиализирана.

Имайки това предвид, с вълнение ще ви представя списъка на The Cinemaholic 100-те най-добри филма за всички времена . Преди да продължите да изследвате нашия списък от 100 най-добри филма, правени някога, нека си напомним отново, че списъците по своето естество никога не са перфектни. Така че, ние не твърдим, че това е Светият Граал в списъка на най-добрите филми в света. Но това, което мога да ви уверя, е, че много изследвания са минали зад съставянето на този списък. Хиляди филмови заглавия бяха разгледани и всеки окончателен избор беше обсъден. Сигурен съм, че ще откриете, че много от любимите си филми липсват от списъка. Много от любимите ми също липсват! Но вместо да се разочаровате от това, използвайте тази възможност, за да видите филмите, които не сте гледали. Кой знае, може в крайна сметка да откриете новите си фаворити!

100. Шербурските чадъри (1964)

Жак Деми оцветява романтичната си опера с мека, необичайна изтънченост, която изглежда малко хипстърска. Но този цвят не е само този по стените, дрехите и чадърите. Също така е върху бузите на младо момиче, което е невъзможно да се влюби, докато пресича улицата, за да поздрави любовника си и липсата му, когато виждаме лицето във воал, младото момиче, сега булка на някой друг. Има цвят също и в начина, по който хората говорят или по-точно пеят един на друг. Но техните лирични разговори не се римват като повечето песни. Когато всичко от любовни професии до загриженост за парите е пронизано с неразличима страст, няма да ви помогне да ловите риба за рима или разум. Докато филмът и всичките му мелодични откровения, подкрепени от неземната музика на Мишел Легран, са сърцераздирателно романтични, всички решения, които нашите герои вземат, като всичко в живота, определено не са така.

За един толкова досадно известен сюжет, след като го видяхме в основата на безброй поп песни и сапунени опери, всеки кадър на „Шербурските чадъри“, избухнал от меланхолия, е примамливо свеж, дори непознат. Можете да отдадете това на това колко искрени са емоциите и колко искрено е тяхното изразяване. Работейки в толкова скромен мащаб, колкото и да, „Чадърите“ ви опустошават с най-малките отражения. Бях онемял колко съществено може да бъде въздействието на два празни стола, веднъж напълнени от двамата влюбени. В деликатесите на Деми, приготвени с нежност, маршируваме в карнавали, пълни с панделки и конфети, украсяваме елхи и си подаряваме подаръци, прибирайки всичките си чувства някъде в ъгълчетата на сърцата си, защото колкото и трудно да понасяме нечие отсъствие или миналото е да забравим, всичко, което можем да направим, е да живеем във фантазията на днешния ден.

99. Trainspotting (1996)

Малко е трудно да се обяснят на кинофилите като нас за фанатизма на „Trainspotting“. Това дойде някъде по времето, когато реалността на наркотиците току-що беше започнала да потъва. Човек би казал, че омагьосваше злоупотребата с наркотици и до известна степен това е вярно. Фактът, който излезе от това, беше опитът на Дани Бойл да покаже високите и ниските нива на злоупотребата с наркотици, без да взема страна. „Trainspotting“ е култов филм, който разказва история на четирима приятели и тяхното съжителство с пристрастяване. Възмутително и странно са единствените две думи, които го описват. Наркоман, който иска да се изчисти, само за да залита на всяка крачка поради най-дълбокото си желание да се надуе. Щедро предозиран с хумор, филмът се опитва да подчертае факт с пълна сериозност: Въпреки лукса, който животът предлага, младежите ги отричат ​​с много апломб. А причините? Няма причини. Кой има нужда от причини, когато имаш хероин?

98. Абитуриентът (1967)

Ах, дните на младостта! Безгрижен и радостен. Забавление, изпълнено с нищо притеснително. Без грижа за миналото, което е изоставено и без притеснение за бъдещето, което тепърва предстои. Бенджамин Брадок води този безгрижен живот, след като завършва колеж. И когато най-накрая се върна в родния си град, там срещна г-жа Робинсън. Пламъкът на една афера започва да гори. Животът се променя, когато младият Бен бърка секса за приятелство. Преобръща се, когато се влюбва в дъщеря й. Филм, който провокира размисъл, в облеклото на комедия, „Завършителят“ е един от най-забавните филми. С участието на Дъстин Хофман, той включва емблематичната реплика – „Г-жо Робинсън, опитвате ли се да ме съблазните?“

97. Двойният живот на Вероник (1991)

Може би никой друг режисьор не е разбирал жените до толкова дълбоки емоционални дълбочини, както Кшищоф Кесловски. Мъжът просто ги обичаше и го показваше с такава страст и интимност, че няма как да не се почувстваш влюбен от суровата му емоционална сила. „Двойният живот на Вероник“ може би просто е най-голямото му артистично постижение. Филмът е за жена, която започва да чувства, че не е сама и че има част от нейното живеене някъде по света в различна душа. Вероника и Вероника са двете идентични жени, които не се познават и все пак споделят мистериозно интимна емоционална връзка между тях. Силно стилизираната кинематография на Славомир Идзяк рисува филма с нежно меланхолично усещане, което ви обгръща и не успява да се откажете. Има чувства и емоции, които наистина ни е трудно да изразим с думи и филмът дава живот на онези необясними чувства на замислена тъга и самота. „Двойният живот на Вероник“ е зашеметяващо произведение на изкуството, което изобразява човешката душа във всичките й красиви слабости и нежност.

96. Cinema Paradiso (1988)

Много хора разглеждат киното като развлечение, дейност за свободното време, забавление, което няма никакви последствия в живота. Но аз, с армия от запалени кинофили, които пламенно ме подкрепят, мога да заявя с абсолютна убеденост, че киното е толкова необходимо за живота, колкото животът е за киното. И „Cinema Paradiso“ е красив, макар и ироничен начин да изразя мнението си. Успешният филмов режисьор Салваторе се завръща у дома един ден с новината, че Алфредо е починал, след което се връща в родния си град в Сицилия от 1950-те. Младият и палав Салваторе (по прякор Тото) открива трайна любов към филмите, която го примамва в селската кино къща Cinema Paradiso, където Алфредо е прожекционист. След като се влюби в момчето, старият момък се превръща в бащинска фигура за него, докато старателно учи Тото на уменията, които биха били стъпалото за успеха му в киното.

Да гледаш как Тото и Алфредо обсъждат киното с благоговение и да видиш как Алфредо дава житейски съвети чрез класически филмови цитати е истинска радост. Чрез историята на пълнолетието на Тото, „Cinema Paradiso“ хвърля светлина върху промените в италианското кино и умиращия занаят на традиционното производство на филми, монтаж и прожекция, докато изследва мечтата на младо момче да напусне малкия си град, за да нахлуе в света навън. Един от най-добрите „филми за филми“, съществувал някога.

95. Полет над кукувиче гнездо (1975)

Едно от онези редки филмови преживявания, които ви карат да почувствате изобилие от емоции наведнъж. Това е забавно на части, вдъхновяващо в някои и направо разбиващо сърцето в други. Това също е един от другите редки подвизи в опростеното, ефективно разказване на истории, разказващо за Рандъл Макмърфи, престъпник, който с надеждата да избегне затвора, фалшифицира, че е психично болен и се признава за невинен на основание лудост. След като пристига в психиатрично заведение, той се бунтува срещу авторитарната медицинска сестра Ратчед (изигран от стоманената Луиз Флетчър) в класически сценарий ред срещу хаос. Филмът установява, че наистина няма никой по-добър да играе герои с удар и чар в еднаква степен от самия Джак Никълсън, като му донесе заслужена печалба на Оскар за представянето му във филма. Това, което започва като траен и затоплящ сърцето филм, ескалира до трагичен, макар и обнадеждаващ край, след обезпокоителни сцени, включващи самоубийство и електроконвулсивна терапия на пациенти. Въпреки това филмът никога не изпуска вниманието и патоса на зрителя към героите на екрана, предизвиквайки неподправена емоция и радост за човешкия дух, който се излъчва дори в лицето на несподелената власт.

94. Pyaasa (1957)

Пълен с идеи за социална промяна и язвителни коментари за съществуващата злоба и стигми на обществото, „Pyaasa“ не само олицетворява златния век на индийското кино, но също така беше отражение на самата индийска буржоазия. Това е филм, който има фино качество за себе си, където всички нагли истини и сурови реалности на обществото тлеят под повърхността под повърхността и чакат да бъдат изследвани и екстраполирани от внимателната публика. „Pyaasa“ е вечна класика не без причини. Дори и след 60 години от издаването му, той остава актуален в съвремието, защото Индия продължава да бъде измъчвана от същите обществени проклятия – корупция, мизогиния, материализъм – към които „Pyaasa“ пряко или косвено се обръща.

93. Модерни времена (1936)

„Modern Times“ е хумористичен филм със силно послание. Пренасяйки запазената марка на Чаплин темите за надеждата и бедността, тази картина се фокусира върху неблагоприятните ефекти, които машините и други форми на технологичния напредък оказват върху обикновените хора, като привлича в светлината на прожекторите един фабричен работник, чийто живот преминава през много обрати, докато се опитва да да се справят с новия свят. Въпреки че фарсът е сълзливо забавен, всичко се съдържа в съд с тъга. „Modern Times“ използва интелигентни, фини елементи, за да задава важни философски въпроси от време на време. Кулминацията е една от най-трогателните досега, включваща тъжна форма на щастие и без реален отговор или решение. Този филм може да е най-добре написаната работа на Чаплин и е изненадващо колко уместни са идеите, представени тук, дори днес. След като несъмнено издържа изпитанието на времето, пътят, който Modern Times поема, за да сподели своите мисли, е може би най-добрият аспект на този кинематографичен триумф.

92. Тънката червена линия (1998)

Завръщането на Терънс Малик към филмовото производство след 20-годишна пауза беше белязано от тази великолепно зашеметяваща военна драма, която изследва не войната, а емоцията от войната. Филмът е наистина маликовски по природа с повече акцент върху визуалните елементи, отколкото върху историята, което ви позволява да се потопите в изживяването от него. Гениалността на филма се крие във визията на Малик да види красотата в нещо толкова тъмно и кърваво като войната. Необходим е абсолютен гений, за да превърнеш нещо толкова брутално и кърваво като войната в такова хипнотично преживяване, което надхвърля реалността на войната и вместо това ви позволява да се потопите в емоциите на нейните герои. Това е толкова завладяващо изживяване, което ви кара да почувствате човешките същества зад оръжия и бомби. Това са опустошени души като нас, които копнеят за деликатно докосване, пропускат топлината на дъха на своите любовници и съпруги, докато трябва да се справят с най-грозната реалност далеч от тях. „Тънката червена линия“ е просто преживяване като никое друго; такава, която трябва да бъде видяна, почувствана и отразена.

91. Blade Runner (1982)

Последната версия на „Blade Runner“ на Ридли Скот, вярвам, че е най-великият дистопичен филм, правен някога. Въпреки че Metropolis е спорен избор, трябва да се наблюдават неавтентичните визуализации, свързани с немското експресионистично кино. „Blade Runner“, от друга страна, е повече от перфектен в изграждането на свят, който страда от финансово неравенство, бум на населението, недостиг на нещо естествено, защото дори на плътта тук не може да се вярва. Искрящото осветление е контекстуално естествено, защото е електронен свят и Джордан Кроненвет го използва подобно на ежедневните осветяващи обекти във филм ноар. Въпреки че може да не поставя толкова далечни въпроси като „Комическа одисея“, но ни кара да се чудим дали андроидите наистина мечтаят за електрически овце.

90. Фарго (1996)

Насилствен, забавен, топъл и брутално интензивен, „Фарго“ е един от най-добрите американски филми от 90-те и една от най-великите криминални драми, правени някога. Филмът е за мъж, който наема двама мъже да отвличат жена му и да изнудват пари от богатия му тъст. Брилянтното използване на тъмен хумор от братя Коен прониква във филма с въздух на топлина, който придава много отличителен тон на филма. Именно тази майсторска смесица от комедия, драма и насилие прави „Фарго“ толкова запомнящо се кинематографично изживяване. Този великолепен начален кадър на изпълнена със сняг Минесота, красиво комплиментиран от завладяваща партитура, задава тон на филма и създава чувство на дълбока тъга, която се крие под насилието и хумора, с които филмът е пълен. Франсис Макдорманд очевидно е звездата на филма и открадва шоуто, изобразявайки бременна полицейска шефка, уловена в свят на злото и бруталности, но успява да намери светлина и надежда. „Фарго“ е емоционално сурово, брутално интензивно, невероятно забавно и болезнено реалистично парче от чисто занитващо кино.

89. Eraserhead (1977)

„Eraserhead“ е учебник по атмосферен ужас. Разказвайки историята на мъж със странна коса, който се опитва сам да създаде своеобразно семейство, този филм се превръща все повече в сюрреалистичен кошмар с всяка изминала минута. Използвайки звук и близки планове, за да предложи усещане за клаустрофобичен страх и подравнявайки това със сюжет, който няма никакъв смисъл при първо гледане, дебютът на Дейвид Линч се оказва един от най-добрите на главния режисьор, което само по себе си е висока оценка. Това, което „Eraserhead“ прави, е да създава антиутопичен свят – осеян с грозни сгради и механични устройства, потопени в злобно черно-бяло – и хвърля в него герои, които са повече или по-малко объркани от заобикалящата ги среда. Въпреки че е почти невъзможно да се разбере значението на тази картина, човек трябва да осъзнае, че това никога не е намерението. „Eraserhead“ поставя в съзнанието на публиката си чувство на пълен дискомфорт, използвайки както визуалния, така и сюрреалистичния си стил, и намира начин да манипулира мислите им. Само шепа снимки са толкова красиво структурирани, но безспорно заплашителни като тази и това е нещо, което само някой като Линч може да направи.

88. Детство (2014)

„Момчеството“ е приятно напомняне за отминалите години на безпрепятствена радост, непоклатим оптимизъм и кипяща невинност. Той разчита на извличането на красота, радост и емоция от обикновения живот на хората, а не от някакъв засилен акт на драма (хляб с масло за повечето филми). Завладяващо е да видите как от сцена на сцена има не само промени във физичността на героите, но също така ще забележите трансформацията в тяхната мода, прическа, вкус към музиката и като цяло гледните точки за живота. „Момчеството“, по начин, по който много малко филми го правят, надхвърля границите на киното и се превръща в малка част от нашето собствено съществуване и опит. Линклейтър отново ни напомня защо е най-добрият в бизнеса, когато става дума за разказване на прости истории за обикновените хора.

87. Небесни дни (1978)

Еволюцията на Терънс Малик в напълно контролиран, авторитетен кинематографичен визионер е едно от най-великите неща, които някога са се случвали на американското кино. От ранните му творби става ясно, че той е отчаяно искал да скочи от конвенционалните граници на киното. Филми като „Badlands“ и „Days of Heaven“ имаха привидно ясни разкази, но това бяха филми, които се опитваха да бъдат нещо повече. Нещо повече от просто история. Опит. „Days of Heaven“ постига това по-брилянтно от „Badlands“. Много хора често критикуват филма за слабата му сюжетна линия. Не мога да кажа, че са напълно погрешни, но историята, така или иначе, не е най-важният аспект на филма. Това, което Малик прави тук, е да използва визуалността на киното, което поставя акцент върху настроението на историята, а не върху самата история. Неговите намерения не са да ви направи емоционални, използвайки тежкото положение на героите, а да ви позволи да ги наблюдавате, да усетите красотата на пейзажите и аромата на мястото му. И да създадеш такъв вид вътрешно движещо се преживяване не е нищо друго освен чудо.

86. Гробът на светулките (1988)

Трогателен, трогателен филм, който е равен във всеки аспект, за който можете да се сетите, с другите екшън филми на живо, подчертаващи плячката от войната. Този японски анимационен филм се съсредоточи върху ужасите на Втората световна война, като се фокусира върху живота на двойка братя и сестри, разби сърцето ми по начин, по който никой друг филм не е успял, и все още продължава да тъпче парчетата до самия край. Тъй като е военен филм, той също прави чудеса на човешкия фронт, прекрасно осъзнавайки и развивайки нежните отношения между Сейта и Сецуко в лицето на несгодите, които беше Втората световна война. Съобщението е силно и ясно. Никоя война не е наистина спечелена и цялата слава, която води до победи, също е придружена от плач на невинни животи, унищожени във войната. Бих аплодирал филма за това, че не е открито емоционално манипулативен, като ни кара да подкрепяме героите му; но не се заблуждавайте, неговата мощна и безкомпромисна гледна точка към войната и пародията, претърпяни от двойката братя и сестри, ще ви сведат до ридаеща каша. Толкова е тъжно. Като се има предвид това, няма друг начин да го имам. Това е съвършенство в най-сърцераздирателната му форма.

85. Манхатън (1979)

Романтиката във филмите на Уди Алън винаги се е чувствала болезнено правдива и депресиращо реалистична въпреки вкусно трогателното чувство за хумор, с което ги обгръща. Докато „Ани Хол“ остава най-смелият му филм, „Манхатън“ изглежда като по-зряла творба, артистично. Във филма Алън играе отегчен, объркан нюйоркчанин, наскоро разведен, излизащ с момиче от гимназията, но в крайна сметка се влюбва в любовницата на най-добрия си приятел. Алън леко смекчи хумора за този филм, за да ни позволи наистина да усетим тъгата, поглъщаща героите му, което го прави толкова емоционално изтощаващо преживяване. Това е просто дълбоко трогателен портрет на нестабилни взаимоотношения и опорочени човешки същества, борещи се със себе си и своето съществуване, отчаяно търсещи щастие, което никога няма да разпознаят и постигнат. И това е сладко деликатно, трогателно осъзнаване на човешкото състояние, което прави „Манхатън“ толкова мощен филм.

84. Маркета Лазарова (1967)

Безтелесният мечтан пейзаж на чешката икона Франтишек Влачил, Маркета Лазарова, е просто едно от най-невероятните произведения на изкуството, излязло от 20-те^тивек. Неговият авангарден подход към кинематографичния език едва се вписва в границите на този често укорителен обрат на фразата - защото той е нещо повече. Зашеметяващо сливане на гледка и звук, неоковано от конвенции, структура или каквото и да е писано правило, буйните киноизследователи са налагали филмовата форма през годините. За сравнение, всичко останало изглежда толкова строго контролирано – толкова неестествено и измислено в изпълнение. Marketa Lazarová е сурова, висцерална и изумително динамична. Накратко: така е Безплатно – истински връх на възможностите за изследване на всеки инч кинематографичен носител. Поради това той е сред най-великите филми, правени някога.

83. Singin’ In The Rain (1952)

Singin’ In The Rain е най-определящият мюзикъл от Златния век на Холивуд. Невъзможно е да забравим образа на Джийн Кели, танцуващ до уличната лампа, когато говорим за блестящите моменти в киното. Филмът не само празнува възхитително собствените си умения, но и преминаването на киното от визуална среда към резонираща и стимулираща. Монументално постижение в киното Technicolor, режисьорските усилия на Кели бяха забавно отхвърлени от критиците и публиката в началото. Вярвам, че уместността на тази класика става все по-силна с всеки изминал ден, тъй като пропастта между периодите от време, обхванати от филма (реален и макаров живот) и настоящето нараства все повече. Губим връзка с важна епоха и този филм ви гъмжи с носталгията си.

82. Не гледай сега (1973)

Много е трудно да се намери произведение на визуално изкуство, което да е толкова хипнотично, колкото „Не гледай сега“ на Николас Роуг. В много отношения този шедьовър е като отвратителното джудже в края. Той е красиво драпиран в екстатичен цвят, но крие най-лошата част от живота: смъртта. Без значение колко ефективен е персонажът на Съдърланд, вярвам, че това е филм, воден от емоции, тъй като Роуг поставя преследването на изгубената любов над една убедителна история. Готическата основа е много мощно средство, за да възкликне важността на връзките, на които разчита, тази на бащината и семейната любов, както и за придаване на неясна форма на призраците, които преследват главния герой. Някои места са като хората, други блестят, а други не.

81. Боен клуб (1999)

От време на време пристига произведение на изкуството, което определя психиката на едно поколение. Що се отнася до киното, 50-те имаха „Бунтовник без кауза“, 60-те имаха „Завършил“, а 70-те имаха „Американски графити“. И дори две десетилетия по-късно „Боен клуб“ пасва като ръкавица на мрачния, недоволен, анти-истаблишмент дух на нашето поколение. Подобно на толкова много страхотни филми, „Боен клуб“ е много разделителен и може да бъде философски интерпретиран по много различни начини – някои го намират за дефиниране на съвременната мъжественост, докато други смятат, че прославя насилието и нихилизма.

По същество трилър, филмът е разказан от POV на неназован главен герой, страдащ от безсъние и недоволен от монотонната си работа, който се пресича с нахален производител на сапун на име Тайлър Дърдън. Дърдън и главният герой скоро започват ъндърграунд „Боен клуб“ като начин недоволните членове на обществото да излеят гнева си. Но скоро плановете на Тайлър и отношенията на разказвача излизат извън неговия контрол, което води до експлозивна кулминация (буквално!)

Наред с отношението на дявола да не се грижи, което разпространява, „Боен клуб“ е и отличителен белег на някаква ас насока от съвременната легенда Дейвид Финчър. Мрачната цветова палитра, остри монтажи и лъскава операторска работа вдъхновиха орда от тъмни трилъри, следващи филма. Водоразделен филм от 90-те години.

80. Преди залез (2004)

Ето истината за човешката еволюция, която никой няма да ви каже: човечеството скоро ще загуби изкуството на разговора. Технологичният напредък има голям страничен ефект: хората стават все по-малко заинтересовани да водят истински разговор - защото имат технология, зад която да се крият. И точно това е причината Серията Преди да издържи десетилетия напред. Поредица от филми, които разказват за двама души, ангажирани в истински разговор, са рядкост дори за това поколение. В бъдеще такива филми изобщо няма да се правят. Ето защо бъдещите поколения ще поглеждат назад към трилогията Преди със страхопочитание и учудване. И няма да се изненадам, ако трилогията намери своето заслужено място не само в историята на филма, но и в библиотеката на всяко филмово училище.

Сред трите филма Преди, „Преди залез“ се откроява, защото е най-сърцераздирателно красивият. Филм, който по своята същност е за най-силното човешко желание: желанието да бъдеш с някого, с когото можеш да прекараш остатъка от живота си. Ако се вгледате внимателно, „Преди залеза“ в крайна сметка се превръща в огледало, като погледнете в което, можете да прецените собствените си взаимоотношения: Къде сбъркахте? Кой всъщност беше този за теб? Какви възможности пропуснахте? Какво можеше да бъде? Това е един от най-редките от редките филми, където собственият ви опит в живота ще обогати и подхрани преживяването ви с филма.

79. Матрицата (1999)

Гениална, умна идея, представена на екрана от Вачовски, което доведе до филм, който накара много зрители да станат предпазливи към реалността, в която са се озовали. Вярно е, че след като „Матрицата“ беше направена, нямаше връщане назад, тя се промени неща. Филмът не само разчупи донякъде нова основа в своята история, но и революционизира начина, по който научната фантастика и екшън филмите се замислиха след това. Успехът на „Матрицата“ като филм се крие и в това как той майсторски се занимава между теми, включително философия, екзистенциализъм и дори религия, като през цялото време носи маската на екшън и научнофантастичен филм. Способността на Нео да манипулира симулираната реалност за извършване на привидно невъзможни подвизи и използването на време за куршуми, екшън техника, която сега е нищо друго освен емблематична, допринася за изобретателността на филма. Жанрът може да е препълнен сега, но когато излезе за първи път, може да се каже, че публиката не е виждала нищо подобно.

78. Седмият континент (1989)

Наричането на „Седмият континент“ на Михаел Ханеке за филм на ужасите ми звучи много погрешно, но така го наричат ​​повечето хора, които са го гледали. Трудно е да се спори с тях, защото гледането на този филм кара човек да се чувства безнадежден, депресиран и уплашен. Имайки връзка със семейство, което мрази света и живота като цяло, тази класика от 1989 г. заема студена и дистанцирана позиция, за да изолира допълнително тримата играчи от останалата част от обществото, което бавно, но сигурно кара публиката да се чувства дълбоко за тях като свои съществуването взема тъмен обрат. Като един от най-обезпокояващите филми, изобразявали някога на сребърния екран, дебютното парче на Ханеке подиграва зрителя и никога не го пуска. Ако публиката го нарича филм на ужасите, тогава те го правят, като се позовават на страшен филм, който е различен от всеки друг. Покрити с неяснота и реализъм, Седмият континент е личен, интимен и ужасяващ преразказ на истинска история, която ви оставя в мълчание, защото поне няколко минути след края й не можете да произнесете нито една дума.

77. Зодиак (2007)

„Зодиак“ не е вашият конвенционален трилър; той е бавен и се фокусира повече върху настроението и героите, отколкото върху сюжета. Има аура, която Дейвид Финчър изгражда толкова много, че да усетите настроението на филма в костите си. Това не е филм, който ще ви остави щастлив, когато свърши. Това също е филм, в който лошият печели, добрите губят. И затова е толкова добър. Не просто добър, а модерен шедьовър. Когато един филм успее да ви потрепери за цели два часа и половина и да ви накара да мислите дни наред, трябва да има много неща, които не са правилни в рутинно правените трилъри. Според мен „Зодиак“ е най-добрият филм на Финчър, където той със своята дисциплина и набор от умения показва защо понякога по-малкото е повече.

76. Магнолия (1999)

„Магнолия“ несъмнено е най-личната творба на Пол Томас Андерсън. Истеричната атмосфера, която Андерсън вдъхва на филма, внася известна емоционална плавност в мелодрамата, която е толкова невероятно пристрастяваща и катарсична в своята енергия. Действието на филма се развива изцяло в долината Сан Фернандо с различни взаимосвързани герои, преминаващи през различни фази от живота си, борещи се да се справят със собствените си вътрешни демони и емоционални конфликти. Андерсън обича тези хора, той ги познава и разбира, но ги представя без извинение кои са; напълно голи човешки същества, сурови и чисти, изправящи се и преодоляващи най-дълбоките си страхове и слабости. Това, което прави „Магнолия“ толкова специална, е, че това е филм, който разказва толкова много за своя режисьор. Даден ни е да надникнем в живота на Андерсън, мястото, на което той принадлежи, и хората в живота му. Има толкова много от Андерсън във филма. Филм като „Магнолия“, ако беше режисиран от друг режисьор, би се чувствал остарял и изглеждаше като продукт на своето време, но с Андерсън това само добавя към привлекателността на филма.

75. Бебето на Розмари (1968)

„Бебето на Розмари“ е мрачно, усукано произведение на изкуството, което си играе с невинност, за да изгради чувство за ужас. Имайки отношение към жена, която изпитва усложнения по време на бременност, филмът поема по напълно нов път със своя сюжет, като позволява на ритуалните елементи да играят основна роля. Има толкова много неща в този филм, който да обичате, като се започне от добре написаните герои чак до далечната мрачна среда, която заобикаля всеки инцидент, който се случва. Винаги има усещане за напрежение в цялата картина и това отчасти се дължи на тихата, продължителна кинематография, изпълнена със стегнатия режисьорски стил на Полански. Миа Фароу представя най-доброто в кариерата си представяне като Розмари Уудхаус, жена, която става по-слаба, докато се бори с болките, които идват заедно с носенето на дете. Като цяло атмосферата, уловена от този филм, се съчетава с няколко други, а начинът, по който се просмуква в кожата ви, е наистина нещо друго.

74. Добрият, лошият и грозният (1966)

Очарователни герои, изиграни от легендарни актьори, необуздан, брутален екшън, закачлива музика и интензивна кинематография – третата част от трилогията „Доларите“, за която се казва, че е раждането на спагети уестърните, е снизходително, завладяващо и забавно кино в най-добрия си вид. Blondie or No Name (The Good), професионален стрелец, и Tuco (The Ugly), издирван престъпник, образуват неохотна вярност, когато всеки от тях научава важна подробност за скривалище злато, скрито от беглец съдружник. който Angel Eyes (The Bad), убиец, е нает да убие. Пътешествието на тройката формира същността на завладяващ сюжет, който завършва с поглед надолу в класически западен стил. Клинт Истууд като Блонди е образът на мачизма, Лий Ван Клийф като Ангелските очи е олицетворено злото, а Ели Уолах като Туко добавя сложност на характера на импулс и ярост към по-простите, но по-ефектни действия Good Vs Evil на двете по-големи звезди. Но юздите са завинаги режисьор в ръцете на Серджо Леоне – той използва разпръснати дълги кадри и интензивна кинематография отблизо, както е необходимо, за да създаде напрежение в процедурите. Филм, определящ жанра, Куентин Тарантино, един от най-големите представители на съвременния уестърн, някога наричан Най-добре режисираният филм в света.

73. Пътуващите играчи (1975)

Твърде дълго интимният, деликатно сглобен епос на Тео Ангелопулос беше известен на малцина филмови ентусиасти и може би оценен от още по-малко. Неговото величествено, постепенно издигане на кинематографичен паметник на нашата езотерична, загадъчна връзка с времето е разбираемо, не е за всеки. Но за любопитните сред нас е известно, че осигурява утеха, дава мъдрост и дарява възприятие, което помага при намирането на константи, за които да се придържат в този универсален и жестоко динамичен свят. Сред многото неща, които този филм е правилен, е неговото девствено разбиране на откровенията в приказката за „Орест“. Митологията, свързана с трагичната фигура, е уловена с умопомрачително смирение и въпреки това филмът успява да ни пренесе през гъвкавата си визия до меланхолична, продължителна гледка към Гърция от средата на 20-ти век. Неговата временна елегантност оправдава разглеждането на историята, като стоите до трупата: отвън навътре. Склонни сте едновременно да усещате нейната суровост и да размишлявате върху нейното създаване. Това е рядък урок по антифашистка история, защото никога не ни казва какво да мислим. То само ни показва какво да чувстваме. Ангелопулос и операторът Георгиос Арванитис ни поставят в спиращи сърцето места и ги измиват с опустошителната порочност на периода. „Пътуващите играчи“ е скромен, рядък скъпоценен камък, който се чувства сякаш е спасен от натоварени с бунтове улици и оцелял чрез глад. По-просто казано, ние не го заслужаваме.

72. Кеш (2005)

Михаел Ханеке често е обвиняван, че винаги се занимава с мрачни разкази. Тази характеристика е напълно несправедлива, защото това, което той по същество прави, е да предостави хуманни прозрения за тъмнината, която обгръща всички ни, как нашите погрешни възприятия водят до агонизираща изолация и как нашите заблуди намаляват шансовете ни да преодолеем споменатата изолация. „Caché“ е не само масивен, изпепеляващ документ, който насочва към порочността на клането на река Сена от 1961 г. и нашата безчовечност като общество, но и поетично универсално изследване на характера. Жорж, нашият герой, възприема живота и присъствието му като социално същество в изкривено чувство на радост. Той бяга от комфорта на доверието и общуването с другите. Той се наслаждава на своето отчуждение, точно както отчуждава толкова много, които го държат толкова скъп. С това Ханеке се подиграва на поколението, което иска да остане само. Камерата му понякога е необичайно отдалечена, точно както много от нас са по отношение на заобикалящата ни среда. Но под контрола му, ние трябва да се изправим срещу нашата неприличност, нашата невнимателност, нашата реалност. Едно от най-предизвикателните филми, които някога ще видите.

71. Духът на пчелния кошер (1973)

Испанският майстор Виктор Ериче направи само три игрални филма, преди да се пенсионира. Все още живи днес, неговите филми като El Sur, Quince „Tree of the Sun“ и особено Spirit of the Beehive, неговият неопределим дебют, ни карат всички да искаме той все още да прави филми. Парабалична приказка за две деца, едното изследва своето съществуване с невинно, често объркващо очарование, а другото е обсебено от филма „Франкенщайн“, който се играе в местния театър. Неговият мистифициращ портрет на испанското сърце е оставен в примамлива двусмисленост от характерната неутрална посока на Ериче – рядко се впуска в кинематографичния метод в полза на безмълвното наблюдение. Получената работа е объркваща, завладяваща и ще ви накара да се чудите за присъщата загадка на самия живот: неговите въпроси без отговор, неговите големи мистерии и тяхната объркваща непристъпност. За да ви остави напълно опустошени или несравнимо развълнувани, няма съмнение, че и за двете крайности „Духът на пчелния кошер“ ще бъде важно преживяване.

70. Всички президентски мъже (1976)

Уотъргейт. Една дума, която свали завесите върху президентството на Ричард Никсън и накара хората да разберат, че дори човек с ръст на президента може да се наведе до най-ниската възможна степен, за да свърши нещата. Докато приближените на президента бяха заети с почистването на бъркотията, която той създаде, имаше двама репортери, които усетиха полъха на това. Въпреки задаващите се заплахи, те работеха неуморно, преследваха дори най-малките улики и на моменти нанасяха опасност върху себе си в процеса, за да предадат фактите на хората. Въз основа на едноименната книга, написана от репортери Боб Удуърд и Карл Бърнстейн, „Всички мъже на президента“ е проницателно наблюдение за това какво трябва да бъде истинската журналистика. Режисьор е Алън Джей Пакула, номиниран за осем награди на академията, като в крайна сметка спечели три и случайно загуби най-добрата картина от „Роки“.

69. Армия на сенките (1969)

Мисля, че отлична точка за сравнение за новодошлите в работата на Жан-Пиер Мелвил е тази на Стенли Кубрик. И двамата практикуват изключителна техническа прецизност и излъчват абсолютна увереност във всяка работа, която излагат през дълги и творчески доходоносни кариери. Като се има предвид това, евтино, но предизвикателно оплакване, което всеки може да отправи към американския режисьор, е неговата „бездушност“. Празно място за човешки израз. Такъв не е случаят с Мелвил. В „Армията на сенките“ героите на Мелвил горят с горчива искра, подхранвана от отчаяние, която кара всяко тяхно действие да излива човечност. В смъртоносния свят на движението Wartime Resistance, един фалшив ход може да доведе до пълно унищожение и именно с гореспоменатата грация и виртуозен контрол върху своето кино Мелвил зашива семената на един напълно правдоподобен, убедително мъртъв свят. „Армията на сенките“ е едно от най-тихите, интригуващи и монументално въздействащи произведения, излизащи от френското кино – и да пропуснете такава престъпно пренебрегвана класика би означавало да си направите тежка меча услуга.

68. Сиянието (1980)

Със своята адаптация на класиката на Стивън Кинг, Стенли Кубрик създава през 1980 г. филм, който предефинира жанра на ужасите. Тук не само историята или героите се страхуват. Околната среда и начинът, по който е заснет, помагат чудесно да позволят на сковаващото ума напрежение да проникне в умовете на публиката. Филмът проследява Джак Торънс, новоназначен пазач в хотел The Overlook, и семейството му, докато прекарват период на пълна изолация в мистериозната сграда. Чрез зашеметяващи изпълнения и отлична операторска работа Кубрик гарантира, че съдържанието на филма потъва дълбоко в нашето подсъзнание. Начинът, по който той манипулира звука и атмосферата, е абсолютно невероятен и създава за незабравими, както и смразяващи гръбнака два часа и половина. Светът на „Сиянието“ е красиво тъмен, стиска ви здраво за яката по време на цялото си спиращо дъха трето действие.

67. Чайнатаун ​​(1974)

Има филм ноар и нео-ноар и точно между тях седи Джейк Гитес, облечен спретнато с хрупкава федора, за да допълни тази усмивка на лицето му. Въпреки че е голям почитател на Поланки, винаги има нещо, което не съвпада с крайния продукт на неговите филми. Освен Чайнатаун. Този основен шедьовър не само създаде идентичност за себе си, но винаги е разглеждан от режисьори, които заимстват стила му, за да създадат идентичност за своя филм. Полански е магьосник на работа, който ни подмамва с различими водещи роли, както и с класически ноар темп и настройка. Но тогава идва последният акт на Чайнатаун, който толкова бързо разрушава всяка конвенция, която първоначално е била свързана с подобни мистериозни филми, че оставате с непреодолимо чувство на шок и отчаяние. Неуспехът му да победи Godfather II все още ме озадачава, но след половин век хората забравиха Сицилия, но никога Чайнатаун.

66. Тангото на Сатаната (1994)

Признание номер едно: Почти никога не съм виждал разтегнатия, невероятен шедьовър на Бела Тар. Човек би предположил, че статусът му на фаворит на всички времена на кинофила и изключителната репутация, която е натрупала сред американските арт хаус кръгове и сред някои от най-информираните филмови критици по целия свят, биха ме заинтригували. Но самата огромна продължителност на неговата продължителност (около 432 минути) и темпото, подобно на лориса, което толкова се наслаждавах в „Werckmeister Harmonies“ на Тар, изглеждаха обезсърчаващи. Признание номер две: Видях „Sátántangó“, за първи път, наведнъж. Бях хипнотизиран от прагматичното му усещане за реалния свят и неговото търпеливо, разумно усещане за кино. То наблюдаваше повече, отколкото отразяваше и обмисляше повече, отколкото изнасяше спретнато оформени изявления. Неговият митичен, мрачен реализъм беше твърде добър, за да бъде истински, и твърде брутален, за да бъде реализиран с такова око за красота.

Всичко, което исках да направя до края, беше да затворя всичките си прозорци и да се обгърна в мрака, защото филмът за мен беше като онзи луд в църквата и виенето му имаше твърде много смисъл. Признание номер три: Щастлив съм да съобщя, че прозорливите социални и политически размисли на „Sátántangó“ започнаха да ми стават ясни, тъй като се връщах към тях многократно. Едно лято, прекарано в поглъщане на романа на Ласло Краснахоркай, който действа като изходен материал за филма, беше особено запомнящо се. Всичко, което мога да направя сега, е да се надявам да продължа да жъна дивидентите от този щастлив инцидент.

65. Екзорсистът (1973)

„Екзорцистът“ на Уилям Фридкин е перфектно режисиран. Мъжът е печално известен с нередовния си кариерен път, който вижда как класиката се сблъсква с шлок (и често двете групи се пресичат за някои завладяващи изследвания на кинематографичното безсрамие). С най-добрия си филм Фридкин реши да заснеме драма, която случайно се отнася до демонично обладаване: шиене на патос за своите сложни герои и вътрешен превод на текста на оригиналния автор Уилям Питър Блати, хванат в капан между вярата и осакатяващото съмнение. Крайният резултат от двама прекрасни артисти, работещи на върха на играта си, за да представят блестяща класика на американското кино: такъв, който засенчва почти всеки филм в своя жанр (като може би безсъзнателно ужасяващия „Wake in Fright“ или случайното турне на Тоуб Хупър -сила Тексаското клане с верижен трион ). Просто зашеметяващо.

64. Суспирия (1977)

Защото в мечтите си ние влизаме в свят, който е изцяло наш собствен - J.K.Rowling. И какво, ако един от най-изкривените умове на киното реши да напръска подсъзнанието си върху парче филм. Смята се, че Suspiria на Дарио Ардженто се противопоставя на кинематографичната логика със своята странно структурирана история. Но вярвам, че това е нео-експресионистичен шедьовър, който улавя истинската същност на киното, която е да ни накара да се чувстваме наистина, наистина живи. Ардженто разбира стойността на пространството и следователно показва по-голямо внимание към кинематографията и сценографията, които са доминиращите обитатели на неговия филм. „Suspiria“ не само представя стила на Ардженто, но и целия италиански ужас, жанр, възбуден от естетиката на изкуството.

63. Избягал мъж (1956)

Безупречно прецизен и вдъхновяващо икономичен, о, толкова рядкото око на Робърт Бресон беше поразено с „Човек избяга“ от 1956 г. Върхът на живите сили на човека като режисьор, той следва опитите на френския агент от съпротивата Фонтейн да избяга от все по-опасен нацистки затвор и намира смисъл във всеки един кадър. От зашеметяващо човешко представяне на главната роля от неактьор Франсоа Летерие, чиито хлътнали бузи и избухнали очи толкова убедително изразяваха съкрушителната тежест на живота във военно време, до минимализма на Бресон, който успява да култивира изпепеляваща интимност между публиката и каза, че отчаяният мъж: От чести POV и елегантни композиции, които не прекаляват с техники, заобикалящата работа на Бресон понякога се удавя. Не бих отрязал нито един кадър - и по този начин движението служи като абсолютно жизненоважен начин на обучение за начинаещи режисьори: Да рисувам нещо толкова живо и плътно, без изобщо да се чувства властно.

62. Да убиеш присмехулник (1962)

Във времена като тези няма по-добър филм от „Да убиеш присмехулник“, който да обясни на неонацистите истинското значение на каста, вяра и раса. Разположен в хронологията на расово разделена Америка, афро-американец е обвинен в нарушаване на скромността на бяла жена. В разгара на расовите несправедливости, когато съд, пълен с бели хора, плащат за кръвта му, се свежда до един човек да се бори срещу неговия случай. Един бял човек, на име Атикус Финч. Той се бори храбро, за да изтъкне факта, че всички хора са създадени равни в съда, независимо дали е цветнокож или не. Усилията му се оказват напразни, тъй като съдът обявява мъжа за виновен. Но това, което остава зад зрителя, е урокът, който Атикус Финч внушава на децата си. Тоест „никога наистина не разбираш човек, докато не разгледаш нещата от неговата гледна точка“. Базиран на едноименния бестселър на Харпър Лий, „Да убиеш присмехулник“ е един от най-великите филми на всички времена.

61. Задно стъкло (1957)

Това, което отличава шедьовърския трилър филм от обикновената канализация, която ни се трупа редовно, е, че при последния обратите пристигат мигновено, почивайки повече на нашия шок, отколкото на истинността на обрата, за да окажат въздействие. Но във филми като „Прозорец отзад“, дребни неща, очевидни от пътувания в инвалидна количка професионален фотограф Л.Б. Джеф Джефрис гледа през задното си стъкло, като се натрупват капка по капка, докато се наводнят, което кара безобидния Джеф да подозира, че мъж, живеещ от другата страна на двора, е извършил убийство. Хичкок използва камерата си майсторски като инструментите на илюзионист, за да държи зрителите си напрегнати, заблудени и да гадаят, докато удивителното разкриване. Чрез натрапчивото дебнене на Джеф по темата, която го интересува, Хичкок коментира заблудите на воайорството, колко примамливо може да бъде то и мрачността на самотния градски начин на живот, който води до него. Още по-невероятно е, че е толкова коментар за воайорството на зрителя, колкото и този на Джеф; тъй като сме пленени от пленението на Джеф. Да гледаш, когато не те гледат, е лоша радост; Хичкок го знае, възхищава му се и ни привлича с него.

60. 4 месеца, 3 седмици и 2 дни (2007)

Някои филми ви вълнуват; някои ви карат да се смеете; някои разбиват сърцето ти. „4 месеца, 3 седмици и 2 дни“ принадлежат към специална категория филми: тези, които ви карат да се тревожите и изнервяте. Както бихте предположили, подобни филми вероятно са най-редките от рядката порода. Филмът проследява двама приятели, които се опитват да уредят аборт в бруталния комунистически режим на Чаушеску в Румъния. Висцерален и безкомпромисен, филмът ви грабва за шията и никога не ви пуска. Гледането на този филм е като да изпитате изтръпващото усещане, което изпитвате, когато нервно чакате някой от вашите близки да излезе от операционна зала след операция. Това не е просто реалистично кино в най-добрия му вид; това е и един от най-променящите живота филми, които някога ще гледате.

59. Миналата година в Мариенбад (1961)

Филмът на Алън Рене от 1961 г. „Последната година в Мариенбад“ е най-близкото до визуализирането на сън и е направено по възможно най-странен начин. Музиката, която заема фона за по-голямата част от времето на изпълнение, действа като успокоително, което поставя публиката в сънливо състояние. Въпреки това е почти невъзможно да държим очите си от екрана, защото има толкова много неща, които се случват в цялата картина, въпреки че е показано само малко. Харесва ми да мисля за „Миналата година в Мариенбад“ като филм, измислен от подсъзнанието, поради неговата повтаряща се и объркваща природа. Героите също са объркани от странния свят, в който са били поставени. Това е зряло и изтънчено парче и намирам основния сюжет – включващ мъж и връзката му с непозната жена, която той ясно си спомня, че е срещнала предишната година, въпреки че тя не си спомня същото за него – много потапящ, оригинален, страстен, романтичен, мечтателен и, разбира се, брилянтен.

58. Горски ягоди (1957)

Били ли сте някога на пътешествие, където нямате нищо по-добро от това да погледнете през прозореца? За известно време се взирате в гледката отвън, преди мислите ви да се втурнат и това, което е отвън, сега е просто шаблон – той вече не задържа вниманието ви. Така се случва и с Исак Борг, главният герой на класическото настроение на Бергман, което е намерило своето място в безброй списъци с най-добри филми за всички времена, включително един, съставен от Стенли Кубрик през 1963 г. Той пътува със снаха си, за да получи степента на доктор Джубиларис от неговата алма матер. Тя не го харесва и смята да напусне сина му. Но нашият професор, изигран от брилянтния Виктор Сьострьом, не се интересува много от бъдещето. Неговите мисли и като следствие, филмът, катапултиран от многото хора, на които се натъква на своето пътуване, хвърлят светлина само върху миналото му. Погледнати през прощаващия и уверен обектив на Бергман, спомените му са прости, познати и човешки. Те не прославят живота му или отхвърлят постиженията му. Те са разхвърляни, като повечето наши и умишлено изкривени. Когато най-накрая пристига на мястото, където да му бъде предоставена честта, разбираме, че никога не е имал нужда от награда. Той вече го получи в онези ягоди, които събра с любимата си от детството, търговеца, който го помни, проблемните отношения с жена му, доброто и лошото, изкупителното и непростимото. Както и ние, под формата на този мистериозен, необяснимо движещ се филм.

57. Правилата на играта (1939)

Гениалната, хаплива комедия на маниерите на Жан Реноар успява да се задържи изненадващо добре след всичките тези години, като същевременно остава толкова игрива и преследваща, както винаги. Той беше избягван по време на излизането му както от критиците, така и от публиката, което доведе до това, че Реноар изряза значителна част от филма след катастрофалната премиера – част, която включваше предимно героя на Октав, който беше изигран от самия Реноар. Едва ли е изненадващо растежът му оттогава. Филмът, в хитрото си, авторитетно жонглиране с герои, теми, тонове и обстановка, винаги е деликатно забавен, но никога по-малко старателен или по-малко разкошно изработен от най-доброто от световното кино от този период. Неговите стриктно изковани визуални елементи пулсират с изтънченост, но усилията никога не се виждат и филмът ви оставя да се чудите колко дълбоко сте били заплетени в неговата умело изградена атмосфера. Операторът Жан Бачелет и Реноар играят с камерата по начин, който придава въздушност на филма, но техният безмилостен контрол е това, което го прави постоянно интригуващо начинание. Ако всичко това не е достатъчно, трябва да знаете, че Ален Рене веднъж каза, че филмът е единственото най-поразително преживяване, което някога е имал в киното. Би било трудно да се намери по-ярка препоръка.

56. Третият човек (1949)

Film-noir е жанр, свързан с филми, които изобилстват от тъмни улички, потайни, съблазнителни герои, усещане за мистерия и кремаво черно-бяло, което покрива всичко. Въпреки че много от тези снимки са интригуващи и предлагат добро прекарване, малцина опитват нещо иновативно и различно. Третият човек е един от най-великите филми ноар, правени някога, защото разказва удивителната си история изключително добре, използвайки впечатляващи холандски наклони, поразителна светлина и красива музика. Филмът е свързан с мъж и неговото самостоятелно разследване на убийството на неговия финансово заможен приятел. Сюжетът на Третият човек е изпълнен с романтика, черен хумор, обрати и напрежение. В основата си филмът може да се нарече сладка любовна история, но с всичко останало добавено, това увлечение остава под съмнение. Изпълнявайки майсторски написан сценарий, магнумният опус на Карол Рийд е този, който ви държи на ръба на мястото си по целия път от скромното, лекомислено първо действие до края, който може да се окаже най-умният финал на всяка ваша картина. някога ще видя.

55. Викове и шепот (1972)

Трагичната семейна драма на Ингмар Бергман се занимава с тъга, която е едновременно безупречно отчаяна и трескаво неотложна. Не е търпеливо изградена сцена по сцена и доставена на поднос до края. Принудени сте да го вдишате от самото начало на филма, който представя главните играчи и тяхната втвърдена, горима скръб с великолепни близки планове, които правят задушаващия им дискомфорт ярко очевиден. Всичко това е покрито с неумолимо изобилие от червено, под формата на пурпурно, с което са изрисувани стените на къщата, в която се развива историята. Бергман ни кара да осъзнаем смрадта на смъртта, която заобикаля жените с такава внушителна посока, че действителната смърт не е причина за тревога. Присъщият насилствен копнеж на жените направи всичко във филма преследващ, напоен с кръв спомен в съзнанието ми. Постоянно завладяващата визуализация на Свен Нюквист е смекчена от финото писане на Бергман и майсторски изпълнените изпълнения на актьорите. Светещата Лив Улман изглежда озадачава и очарова всеки път, когато камерата е насочена към нея, докато недоверчивите Ингрид Тулин и Хариет Андерсън са толкова неопетнени в работата си, че е натрапчиво да влезете в контакт с чувствата им. Бергман не ни дава ясни идеи, които да отнесем у дома, но ни отказва от всички други усещания освен тези, които изпитват неговите герои. Чудим се докъде стига достъпът му до нашите емоции и той го разширява на всяка крачка. В крайна сметка на „Викове и шепоти“ не трябва да се вярва, трябва да се живее.

54. Имало едно време на Запад (1968)

Може би това е завладяващата партитура на Мориконе или може би визията на Дели Коли, която е толкова обширна като Запада, или може би непоколебимата песъчинка, кипяща в очите на Бронсън и Фонда и може би това е кулминацията на всички тези аспекти в почти всеки кадър от маестрото Серджо Леоне . Ако имате нужда от уестърн, който притежава както красотата на Джон Форд, така и неумолимата дивост на Сам Пекинпа, тогава просто няма никой близък до Леоне. В своя магнум опус той постига това, което му отне 3 филма по-рано, за да създаде мистичен свят насред нищото. Въпреки че може да няма нищо духовно на повърхността, филмът има богове. Богове спортни корони, пълни с 10 галона барут и песъчинки, които поглъщат с вода. Освен това изборът на Хенри Фонда като антагонист вероятно беше решението на това десетилетие, тъй като неговите леденосини очи не приличаха на нищо, на което Западът някога е бил свидетел.

53. Ани Хол (1977)

Никой не може да твърди, че разбира объркващата, всепоглъщаща загадка, която е любовта като Уди Алън. И нито един филм на Уди Алън не се доближава до това да го покаже в неговата истинска, странна слава от тази приказка за Алви Сингър, невротичен, нихилистичен комик в Ню Йорк, който се влюбва в „повече от любов“ с шеметната, летяща, весела Ани Хол и след това изпада от него. Филмът също така изследва различията между половете в сексуалността чрез връзката на Алви и Ани „Ин и Ян“. В крайна сметка дори Алви приема любовта като ирационална, луда и абсурдна, но необходима в живота. Използването на множество иновативни техники на разказване, като импровизирано счупване на четвъртата стена, бързо редуване на миналото и настоящето чрез плавни разфасовки, показване в субтитри как се чувстват Алви или Ани, докато всъщност говорят нещо съвсем различно, и добавяне на ' история в една история“ като кулминация, издигнете вече ангажиращата история. „Ани Хол“ е може би първият истински модернистичен роман на целулоида и е вдъхновил поколение романтични комедии вместо него. Никой обаче не е толкова очарователен, колкото този, на когото се стремят да имитират.

52. М (1931)

Появата на технологията за запис на глас, явление, за което топката означаваше „The Jazz Singer“ от 1927 г., доведе до абсурдно насищане на диалозите във филмите. Технологията беше приета за даденост като директен ъпгрейд, а не като инструмент, който да се използва във връзка с установения кинематографичен език. Фриц Ланг, човек, който започва кариерата си в нямото кино с поредица от майсторски произведения, включително Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen и изключителният Metropolis. Миграцията му към звук достига своя връх през 1931 г. „M“ – филм, който противно на всички околни източници е премахнал почти всички околни шумове. Резултатът е безшумно токи с изключително безжизнена атмосфера: такова, което толкова ефективно е в основата на неговия разказ. Въпросната история насочва вниманието към детеубиец и некомпетентността на германското управление да го хване – създават собствен съд за кенгуру, за да накажат убиеца. Това, което Ланг съобщава тук, е с невероятна зрялост в посланието: Справедливостта, която заслужава да бъде отслужена, е напълно подкопана от политическия контекст на времето - със записаната политика на Националсоциалистическата партия на евтаназия и все по-насилствените идеали, проявяващи се като порочен тумор върху обвиненията на хората . Изпълнението на Питър Лоре, наситено с патос и измъчен хуманизъм, помага да се избие дълбоката измама на „M“ – този, който остава неизмеримо движещ се дори и до днес.

51. 12 ядосани мъже (1957)

Отговорът дали момчето е било виновно или не, никога няма да разберем. Но едно нещо, което 12 Angry Men твърдят, е, че логиката винаги ще надделее над интуицията, ако има един разумен човек сред свят на глупаци. И глупостта е болест или просто страничен продукт на невежеството? Драмата на Сидни Лумет не ви моли да използвате мозъка си над сърцето, а се стремите да стигнете до точка, в която можете да вземете решение, като и двете работят в тандем. Заедно със завладяващия си сценарий, който седи гордо в учебната програма на всяко филмово училище по света, операторската работа и постановката са направо от японската класика на новата вълна. С незабравимо изпълнение на актьорския състав на ансамбъла, 12 Angry Men е паметник на американското кино.

50. Светлините на града (1931)

Не много от ранните режисьори имат признание и популярност в днешната култура, на която се радва Чаплин. Това може да се дължи на много причини. Филмите му говорят на всеки човек и са умопомрачително забавни, но повече от това, историите му разглеждат меланхоличните ситуации в хумористична светлина. Такъв е случаят с вероятно най-личната му снимка „Светлините на града“, която разказва историята за скитник и усилията му да впечатли, както и да помогне на бедна сляпа цветарка. Той прави това под фасада, преструвайки се на богат мъж, за да привлече вниманието й, но се сблъсква с неприятности при това. Когато един филм продължава да бъде също толкова забавен и трогателен в днешно време, както беше преди повече от 75 години, това обикновено означава, че има нещо, което прави правилно. „City Lights“ остави своя отпечатък в света с изобразяването на бедността и живота през тежките години на депресията, което е толкова добре изпълнено и усещано, че никога не пропуска да трогне публиката, като през цялото време им дава надежда за по-добро утре.

49. Ела и виж (1985)

Втората половина от един невероятно опитен филмов екип, режисьорът Елем Килмов беше женен за Лариса Шепитко – блестящият виртуоз зад „Крила“ и „Изкачването“. Когато толкова тъжно загина при автомобилна катастрофа, Килмов приключи работата по своя изключителен недовършен проект „Сбогом“ (който можеше лесно да заеме това място) – и мисля, че това, което прави целия този контекст толкова мощен, е начинът, по който мъката на мъжа кърви в всеки кадър от работата му. Киното на Килмов кипи от неизразен гняв и отчаяние: Хълба в собствената си огромна тежест на емоциите - и малко филми, правени някога, са пулсирали с толкова силно чувство, колкото Ела да видиш . Може да се каже, че най-добрият военен филм, правен някога, неговото адско изобразяване на инвазията на Вермахта в Белорусия отеква с оглушителни експлозии, кошмарни визуализации и свят, който бавно се източва от живот - сцените му са заснети в прекрасна, куха светлина. И все пак в цялата тази мъка Килмов намира пътя към разбирането в трансцендентално зрялото му заключение. Може би, в ангажимента си да съзерцава непреходността на живота, той най-накрая намира сили да погребе костите на покойната си съпруга. Човек може само да се надява.

48. Седмият печат (1957)

Още от първите изображения на емблематичния документ на Бергман за вярата, страха и задоволството, върху вас е направено заклинание. Суровият, зърнест поглед към морето, брега и върху него смел рицар и съдбоносната му среща с олицетворението на смъртта определя яснотата на целта на филма, дори ако оставя поле за постоянно присъстваща съблазнителна, почти ужасяваща неяснота. Възползвайки се от магнетично изпълнение на несравнимия Макс фон Сидов и група актьори, които издигат удивителния материал на Бергман, базиран на неговата пиеса, Дървена живопис, до неочаквани нива, „Седмият печат“ в своите оскъдни 90 минути има влиянието на стар басня, предавана през поколенията, която задвижва въображението много по-разширено, отколкото то самото може да се надява да съдържа. Искрящото, свежо черно-бяло на Гунар Фишер гарантира, че мъчителният интензитет пълзи под кожата ни. Поточната плавност е резултат от разказ, разгърнат с възвишена увереност и осезаема уравновесеност. Може да е напълно проста история, която въпреки това крие ценни идеи в пазвата си, но е ушита с толкова сложен и смел плат, че няма как да не я гледате отново и отново, за да се превърне в траен спомен.

47. La Dolce Vita (1960)

Предпазливият, търпелив и поетично омекотен виртуоз на Фелини е напълно показан в неговия носител на Златна палма, който в своя душевен и сенчест блясък улавя начин на живот, който изглежда твърде неуловим и в някои отношения твърде реален. Темпото му подчертава чувството на безцел на главния герой и ни принуждава да се къпем в симфоничната аранжировка на жизнеността на живота и колко мимолетно е всичко. Този герой се играе от най-добрия в кариерата Марчело Мастрояни, който използва този дар от време, за да напълни очите си с неустоима световна умора. Да поставите под съмнение значението на определени части от „La Dolce Vita“, които може да изглеждат лишени от философско значение или уместност на повествованието, е да отхвърлите възможността да оставите пикантните детайли да ви измият и след това да обмислите последствията. Докато небесната партитура на Нино Рота ни пренася в шеметния свят на Рим, видян през илюзорното око на Фелини, вие виждате само това, което той иска да видите и то бързо се превръща в това, което искате да видите и вие.

46. ​​Психо (1960)

Човешките същества в най-добрия случай могат да бъдат описани като особени. Човешкият ум, който е способен на много удивителни неща, също е способен да се дегенерира до отвъд разбирането. „Психо“ на Алфред Хичкок не се нуждае от представяне, тъй като вдига глава в средата на вечните кина. Освен че е класика, това е и тъжен коментар за пропадащия морал на човешките същества. И това не е Норман Бейтс! Язвителната хватка на г-жа Бейтс, която постави живота на Норман в упадък през детството му и в крайна сметка зряла възраст, е напомняне за това как любовта може да бъде задушаваща. Известно е, че г-н Хичкок прие странни политики за „Психо“, които включват недопускане на закъснели участници във филма. Той беше приет, за да осигури пълна справедливост на пулсиращата кулминационна сцена на филма. Трилър в най-истинската си форма, „Психо“ е история за син, майка му и тяхната нездравословна връзка на притежание. Хичкок беше толкова яростно пазен за финала, че промотира филма с тази фраза – Не давайте края – Той е единственият, който имаме!

45. Соларис (1972)

„Соларис“ на Тарковски е доста като феномените, изобразени във филма. От това да ме озадачава с дълбоко вкоренената си концепция, до еволюцията в образувание, с което не мога да се разделя, това е преживяване, което ме кара да се чудя за забравената природа на всяка молекула, която съставлява Вселената. Може би сме наясно с научните измерения, но може ли някой инструмент да изчисли количеството любов или мъка, които човек държи в нанограм на сърцето? Може ли нещо да намери мозъчната клетка, в която се намира незабравим спомен? От завладяващата музика на Бах в началната последователност до вечната сцена на магистрала, използването на времето от Тарковски, за да откъсне зрителя от функционирането на един нормален свят, е майсторски. Solaris е царство, в което емоциите ви изпращат да се завъртите с лудост, но кой не би изпитвал емоции, когато лудостта е красива за докосване и достатъчно висцерална, за да ви освободи от собственото ви аз.

44. Списъкът на Шиндлер (1993)

Важен филм, който има голяма полза от усета на Спилбърг към драматичното, той е също толкова тревожно и чувствително преживяване само по себе си. Филмът, както много други в този списък, е майсторски клас по нещо, което обичам да наричам опростено, въздействащо разказване на истории. Разказът проследява Оскар Шиндлер, немски бизнесмен, който спаси живота на повече от хиляда евреи, като ги назначи в своите фабрики по време на Холокоста. И трите главни роли, Лиъм Нийсън като Оскар Шиндлер, Ралф Файнс като Амон Гот и Бен Кингсли като Ицхак Стърн са в страхотна форма, превръщайки се в най-искрените изпълнения. Една сцена, по-специално към края на филма, където Шиндлер се разпада, като се има предвид колко още животи би могъл да спаси, е дълбоко вълнуваща и остава запечатана в съзнанието ми като една от по-мощните, изобразяващи сърцето сцени в киното. Това, че филмът е заснет в черно-бяло, с рядка, случайна употреба на цвят за символизиране или подчертаване на важен елемент, засилва изживяването. Лесно, най-добрият филм на Спилбърг, той остава основно изживяване при гледане на филми.

43. Лорънс от Арабия (1962)

Киното като медия става все по-велико. С авангардни технологии на тяхно разположение, днешните режисьори ни предлагат някои висцерални кинематографични преживявания. Но има някои филми, направени преди CGI да е на мода, чийто чист и монументален мащаб не е намерил себеподобни. Епичната историческа драма на Дейвид Лийн, базирана на живота на Т. Е. Лорънс , една от най-известните британски фигури, е един такъв филм. В него участва Патър О’Тул като Лорънс и хроника приключенията му на Арабския полуостров по време на Първата световна война. Още от самото начало Дейвид Лийн рисува великолепна движеща се картина на безкрайната пустиня в целия й блясък, подпомогнат от оператора Фреди Йънг и завладяваща партитура на Морис Жар. Но по никакъв начин не жертва емоциите за екстравагантност. В основата си „Лорънс от Арабия“ е зашеметяващо изследване на характера на Лорънс – неговите емоционални борби с личното насилие, присъщо на войната, неговата собствена идентичност и неговата разделена вярност между родната Великобритания и нейната армия и новооткритите му другари вътре арабските пустинни племена. Това здравословно качество прави „Лорънс от Арабия“ един от най-влиятелните филми, съществували някога.

42. Търсачите (1956)

Може би най-великият уестърн, правен някога, най-добрият филм в голямата кариера на Джон Форд, „Търсачите“ е американска класика, сред най-добрите филми, излезли от петдесетте. Въпреки че се възхищаваше и уважаваше по онова време, неговата разкъсваща, зашеметяваща сила не беше призната за няколко години, но до началото на седемдесетте той беше приветстван като класика на жанра и може би най-добрият уестърн, правен някога. Разбира се, времето е ерозирало част от силата на филма, но не онова извисяващо се, бушуващо изпълнение на Уейн, нито расизма във филма, който подхранва гнева и яростта. Движещият разказ на филма, Итън и неговото търсене е вечен, толкова мощен днес, колкото и тогава, може би повече, защото толкова много от фините моменти на историята вече са ясни.

41. Отец Панчали (1955)

Филмът, който донесе индийското кино на света и даде на киното един от най-добрите автори, Сатяджит Рей. Базиран на романа на Бибхутибхусан Бандопадхай, „Отец Панчали“ разказва историята на обедняло семейство, което се опитва да процъфтява през много трудности в живота. Може да се твърди, че романтизира бедността, тъй като зрителят става свидетел на многото изпитания, пред които е изправено семейството, изкарвайки прехраната си. Въпреки това, моментите, препръснати с музиката на маестро Рави Шанкар, остават за зрителя. Нежната връзка между Апу и нейната сестра Дурга, поредицата от влака, която е един от акцентите във филма, извежда филма на съвсем различно ниво. „Отец Панчали“ през годините се превърна в един от култовите филми и се включва редовно в списъците с най-великите филми на всички времена и заслужено.

40. Казабланка (1942)

Типичният американски класически филм. Може би има нещо толкова заразително в очарованието му, че все още се влюбвате в него, дори през всичките тези години. Освен огромния му фактор за повторно гледане, неговата запомняща се партитура (С течение на времето!) и изключително цитираният диалог са силен аргумент. Просто казано, удоволствие е, когато всички елементи на страхотно кинематографично изживяване присъстват в точните количества!

Сюжетът е меко казано прост, на моменти почти граничи с банален. Циничен мъж с разбито сърце, който управлява най-известния нощен клуб в Казабланка, се оказва на кръстопът, когато дамата, която е обичал, се появява със съпруга си. Сюжетните устройства тук са прочутите транзитни писма, но историята е направо за двамата влюбени на фона на ранните етапи на Втората световна война и трудното решение, пред което е изправен героят на Богарт, да се задържи или да пусне. Въпреки това, както при много филми от този жанр, изпълнението върши работа, превръщайки „Казабланка“ в една от най-завладяващите романтични драми на всички времена, която също е невероятно добре изиграна; Хъмфри Богарт и Ингрид Бергман са първокласни и са умело подкрепяни от играчи като Пол Хенрейд, Клод Рейнс и Конрад Вейд.

39. Бари Линдън (1975)

Когато гледате на киното като форма на изкуство, не може да се отрече съвършенството на Бари Линдън, от красива кинематография, хипнотизиращи сцени, изключителна музика до мощна режисура. Като история, тя разказва за живота на млад мъж в Европа от 18-ти век, докато той се изкачва по стъпалата към аристокрацията, само за да бъде върнат надолу от злата си съдба. Картината съдържа в себе си някои от най-великите сцени, заснети някога, използвайки умопомрачително светлина, цветове, физически характеристики и т.н. Няма по-добър начин да обобщите живота на човек от това да го погледнете обективно и това е, което този филм е направен с помощта на ненадежден разказвач. Той е студен и дистанциран, рядко дава възможност на публиката да усети главния герой. От тази гледна точка, Бари Линдън е пищно изследване на персонажите, с богати герои, реалистично докосване и поетичен начин за предаване на емоциите. Това просто е кино в най-добрия му вид.

38. Генералът

Едно от най-старите заглавия в списъка, „Генералът“ служи като напомняне, че много модерни екшън шедьовър се намират в много дълга сянка от не друг, а от гения на нямата комедия Бъстър Кийтън. Похвалвайки се с творчество, толкова впечатляващо, колкото дори Чарли Чаплин, симпатичният скитник на последния художник разменя места с кавалкада от възхитително шантави герои в случая на Кийтън; всички заобиколени от настръхваща кинематографична любознателност, която разтяга границите на медиума в филми като Шерлок-младши и Операторът. Всичко това, без дори да се споменава неговият магнум опус, „Генералът“ от 1927 г.: Следвайки инженер от Конфедерацията, бързащ да предупреди своята страна за настъпващите войски на Съюза по време на Гражданската война в САЩ. Разказът му формира шаблон за скорошния „Mad Max: Fury Road“ на Джордж Милър и почти всеки филм за котка и мишка, създаден някога, издържащ със своята весела комедия, впечатляващи специални ефекти и бравадни каскади, които виждат, че Кийтън излага живота си на опасност още повече повече от веднъж за възхищението на любящата му публика. „Генералът“ остава един от, ако не и най-добрите екшън филми, правени някога – този, който се забавлява с всяка грам от своето същество и успява да призове колкото се може повече превъзходно обработени моменти от епичен мащаб, за да съперничи на всяка CG-натоварена игра, правена днес.

37. Blow Up (1966)

Времето ? Люлеещите се шейсетте. Мястото? Лондон. Градът, който заслепява и озари. Живи и бляскави. Секс, наркотици и рокендрол. Като цяло, един ден от живота на Томас, моден фотограф, живеещ живот на, да кажем, съмнителен морал. В ден, пълен със събития, докато разглежда снимките на двойка, които е заснел доста тайно в парк, той открива мъртво тяло в него. Той отива на същото място и открива, че тялото е мъжът от двойката. Уплашен, той се връща в студиото си, за да го намери разграбено, но с една останала снимка, тази на мъртвото тяло. На следващия ден тялото изчезва. Кой го уби? И защо тялото изчезна? Защо Томас почувства, че го следват? „Blow Up“ е класната игра на режисьора Микеланджело Антониони, която вдъхновява много режисьори през годините, включително Браян Де Палма и Франсис Форд Копола.

36. Вечно слънце на чистия ум (2003)

Замайващото, сюрреалистично прозрение на любовта и разбито сърце никога не е било изследвано по начина и степента на успех, с които „Вечно слънце на чистия ум“ прави. Изобилни с красиви изображения и изобретателна партитура, подобна на саундтрака в стила на безмълвната епоха, невъзможно е да се обясни всичко за „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“. Без съмнение филмът е наситен с труден за следване разказ – макар че всъщност е прост, след като започнете да го следвате – това е един от онези филми, които са богато възнаграждаващи, просто защото не можете да се спрете да не се припаднете от силно обмислената концепция и дълбоко трогателно филм, че е. Но истинската звезда на шоуто е неговият писател, Чарли Кауфман , който под формата на „Вечно слънце на чистия ум“ може би е написал най-брилянтния сценарий в историята на киното. Филм, който е не само уникален по свой начин, но и безкрайно многократно гледан с нещо ново, което може да се намери при всяко гледане.

35. Таксиметров шофьор (1976)

В „Шофьор на такси“ Мартин Скорсезе ни дава един от най-обезпокоените, малко вероятни, но причудливи протагонисти на нашето време в Травис Бикъл. Филмът го проследява, докато става таксиметров шофьор, за да се справи с безсънието си, и го наблюдава как бавно се преодолява от цялата лудост в града около него. Истинският начин, по който „Шофьор на такси“ печели като филм, е как успява да пълзи до вас, бавно да си проправя път през мръсотията и ужаса, които изглежда обиждат Травис Бикъл. С това той с право печели отличието си като психологически трилър повече от драма, често работещ на повече нива от просто двете. Филмът може да е смущаващ гледане за някои, поради тъмната си тема, още по-мрачно третиране и шепа насилие, но за зрителите, желаещи да погледнат отвъд него, това не е нищо друго освен брилянтен опит да разберат частта от човешката психика, която най-често се поражда под формата на бдителен. Искам да кажа, кой не мисли за това да се изправим срещу неправилността на нашето време и да го върнем? Това е онази дълбоко вкоренена фантазия за изпълнение на желанията, с която „Шофьор на такси“ се заиграва по изключително ефективен начин. Сега филмът се счита за един от най-важните филми, правени някога и запозна света със силата, която беше Скорсезе.

34. Пътеките на славата (1957)

Преди Стенли Кубрик да продължи, за да изследва необяснимите аспекти на обществото, които не само надхвърлят времето, но и очакванията на зрителите от самите тях, той направи това завладяващо военно произведение, което нареждам до „Ела и виж“. За разлика от последния, Paths of Glory извлича сърцераздирателното си представяне на WW от същата плиткост на човечеството, която доминира в последните произведения на Кубрик. В света на Кубрик демоните не са покрити с кръв и кал, а с медали и гордост, а адът се рови в най-свещеното място, в съда. Във време, когато индустрията е възприела атрактивната 3 лента, монохромът на Кубрик рисува войната с един нюанс. Телата, парцалите, казармата, димът, пепелта, всичко, замаскирано с общата гледка на мъчителна агония.

33. Три цвята: червено (1994)

Най-тъжната част от смъртта на един художник е, когато си мислиш, че последната им работа е най-великата им досега. Такъв беше случаят с полския автор Кшищоф Кесловски и последния му филм „Червено“. Кишльовски вече беше обявил оттеглянето си от кинопроизводството след премиерата на филма в Кан през 1994 г., но трагичната му кончина почти две години след като обяви пенсионирането си го прави още по-дълбоко тъжен. „Червено“ е последната част от неговата високо оценена трилогия „Три цвята“ и е за млада жена, която се натъква на възрастен мъж, след като случайно блъсна кучето му с колата си. Старецът е пенсиониран съдия, откъснат от живота и всякакви емоции и прекарва времето си в шпиониране на други хора. Между двамата се развива малко вероятна връзка с фини романтични нюанси. „Червеното“ е за шансове и съвпадения, които ни връхлитат всеки ден и неуспеха ни да разпознаем красотата и значението му. Има необяснимо чувство на меланхолия, което минава през целия филм за трагедията на човешката съдба и време и как всички ние като хора по света сме свързани по един или друг начин. „Червено“ е удивителен подвиг в създаването на филми и е просто един от най-великите филми, правени някога.

32. Съкровището на Сиера Мадре (1948)

Както подсказва името, често свързваме лов на съкровища с пулсиращото приключение и прилива на адреналин, свързан с него. Но има много малко истории, които говорят за емоциите, които хората изпитват, докато тръгват на пътешествие, за да получат това злато. Често се казва, че несгодите разкриват истинския ви характер. „Съкровището на Сиера Мадре“ разказва история, в която жаждата за злато носи неприятни промени в героите, което в крайна сметка води до тяхното индивидуално опустошение. Докато фокусът е върху алчността, покваряваща съвестта, изучаването на човешкия характер в неблагоприятни ситуации остава със зрителя. Трагична история за алчност и предателство, този филм спечели наградата на Академията за най-добър режисьор, най-добър адаптиран сценарий и най-добър поддържащ актьор. С годините това се превърна в култова класика за любителите на киното по целия свят.

31. Криминална литература (1994)

Криминална литература, термин, който се обозначава за списания или книги, които изтъкват най-важното насилие, секс и престъпност. Тези елементи накараха списанията да се продават като горещи палачинки. Тарантино взе тези елементи, смеси ги около три истории и създаде разказ, който беше не по-малко от кинематографичен гений. Един от най-уникалните филми за поп културата, които са правени, зрителят се запознава със света на мафиотския убиец Винсент Вега, неговия партньор в престъпността и моторист Джулс Уинфийлд, съпругата на гангстера Миа Уолъс, боксьорът Бъч Кулидж и се издува от стилното му третиране на престъпността и насилието. Един от най-важните аспекти на филма, който допринесе за успеха му, беше изпълнението на Самюъл Л. Джаксън. Като убиецът Джулс Уинфийлд, който цитира библейски стихове като ударни линии, той беше феноменален. Един от най-великите филми на тази епоха, „Pulp Fiction“ се превърна в учебник за амбициозни режисьори по целия свят.

30. Битката при Алжир (1966)

Малко филми са носители на тежестта на политиката по начин, който обогатява техния кинематографичен ефект, но оставят на лъскавия подпалителен италиански маестро Джило Понтекорво да вземе все още кипящата възпламенителна точка на френското колониално потисничество от края на 50-те години на алжирския народ и да го превърне в нещо напълно завладяващо. Все още прозорливите паралели, които Понтекорво прави възхитително неутралното наблюдение на терора и тероризма, извършени от двете страни днес, прави преживяването на „Битката при Алжир“ завладяващо интелектуално предизвикателство за нашето разбиране за черно-бялата война, подобно на пронизващата студенина на Миклош Незаличимата филмография на Янчо. Освен това, техниките му за редактиране на кинохроника са забележителност във филмовата комуникация и според мен използваха много по-силно техниките на неистовото изрязване на Nouvelle Vague, отколкото много от неговите изследователски мастиди. Веднъж видян, никога забравен – „Битката при Алжир“ е просто емблематична част от световното кино.

29. Добри момчета (1990)

Мечтата на режисьора е да създаде филмова епоха за периода, в който е създаден. Но за Мартин Скорсезе това е навик. За всяко десетилетие, в което е бил A-Lister, той е направил филм, считан за един от най-великите за периода. Той направи „Taxi Driver“ през 70-те години на миналия век, „Raging Bull“ през 1980-те, „Goodfellas“ през 1990-те, „The Departed“ през 2000-те и „The Wolf Of Wall Street“ през 2010-те. И това е гангстерската драма от 1990 г., базирана на истинската история на съдружника на мафиот Хенри Хил, която се превърна в един от еталоните в жанра. Филмът, разказан от първо лице от Хил, описва възхода и падението му като част от нюйоркската мафия от 1955 до 1980 г. За разлика от цялата гангстерска екстравагантност в „Кръстникът“ или „Лицето с белега“, „Добрите момчета“ се занимава с автентични подробности от ежедневния гангстерски живот, като се фокусира върху връзката на Хил със съпругата му Карън, както и върху подвизите му с неговите съдружници. Но Скорсезе използва всички стрели в своя колчан от трикове, за да направи тази афера примамлива, като този легендарен дълъг кадър за проследяване , някои запомнящи се диалоги и експлозивна постъпка на Джо Пеши в ролята на Томи Де Вито, бурния сътрудник на Хил. Що се отнася до криминалния жанр, „Goodfellas“ е толкова добър, колкото става.

28. Разяреният бик (1980)

Мартин Скорсезе е известен с това, че изобразява истории за счупени, дефектни, често саморазрушителни герои във филмите си. И той често претърсва аналите на историята, за да намери своите паднали герои в истински истории. „Разяреният бик“ е житейската история на легендарния боксьор Джейк ЛаМота, чиято саморазрушителна и обсебваща ярост, сексуална ревност и животински апетит, които го направиха шампион на ринга, разрушиха връзката му със съпругата и семейството му. Филмът е заснет изцяло в черно-бяло, за да изобрази вярно ерата, в която е създаден, и мрачното, депресиращо настроение, което определя. Скорсезе очакваше, че това ще бъде последният му проект. По този начин той беше старателно взискателен при създаването на филми. Също толкова отдаден беше Робърт де Ниро, който играе главната роля. Той качи 60 паунда и всъщност тренира като боксьор. Той попива късите маниери на LaMotta с пламенно съвършенство, докато напълно се потапя в характера. Получи заслужено за неволите си. Това е най-големият триумф на Скорсезе-де Ниро. Интензивен, мощен магнум опус.

27. Кръстникът: Част II (1974)

В историята на вторите части е известно за малко филми, които отговарят на славата на първата, да оставим сами да ги надминат в някои аспекти. Ако бъде направен списък, включващ такива филми, „Кръстникът: Част II“ ще бъде неговото бижу. Да живееш в съответствие с наследството на първия беше огромна задача сама по себе си, но това продължение на сагата „Кръстникът“ не само успя в това, но също така разшири наследството си, за да стане част от най-великата американска история за организираната престъпност, разказвана някога. Филмът представя два паралелни разказа; едната се занимава с Майкъл Корлеоне като новия ръководител на „семеен бизнес“ на Корлеоне, а втората показва отличния Робърт де Ниро като млад Вито Корлеоне и неговото издигане на власт. Двете истории са умело изплетени, осигурявайки примамлив разказ, който не разхлабва хватката си върху зрителя веднъж. Ал Пачино прави някои от най-добрите си работи тук, като новооткритият му поглед на практика дъвче пейзажа всеки път, когато се появява на екрана. Един от онези почти перфектни филми, които могат да се гледат независимо от времето, мястото и последното ви гледане, и все пак в крайна сметка сте в пълно подчинение и страхопочитание от него. Ако част I е светият олтар, част II е хлябът и виното.

26. Портокал с часовников механизъм (1971)

Първото нещо, което вероятно идва на ум, когато бъдете помолени да опише този филм с една дума, е „смущаващо“. Единственият филм в списъка, който се осмелявам да прегледам отново, хванах се, че трепвам няколко пъти, докато гледах този филм. „Портокал с часовников механизъм“ е социален коментар в най-безкомпромисния му вид, предоставящ ясни образи, от които човек може никога да не се възстанови. Тъмно е, изкривено е и не осигурява изкупление за тези, които го търсят във филм с вероятно най-мрачното предаване на антиутопия в обществен смисъл. И в това, според мен, се крие успехът на филма в изпращането на тревожно послание у дома. Неконвенционално по какъвто и да е начин, който можете да си представите, той ни предоставя протагонисти, които са злобни до сърцевината си и се отдават на актове на ултравиолетово насилие и изнасилване; той коментира социално-политическото състояние на нещата по най-суровия начин, който можете да си представите, поставя ви в състояние на объркване, тъй като Алекс ДеЛардж (изигран от харизматичния Малкълм Макдауъл) е подложен на нечовешки начини за възстановяване и завършва оставяйки публиката в много от всички неща, които това тревожно преживяване те кара да се почувстваш наведнъж. Наистина, произведение с кубрикски размери.

25. Световъртеж (1958)

Историята на „Вертиго“ върви по следния начин – бившият детектив Скоти (Джеймс Стюарт) страда от акрофобия поради инцидент, случил се при изпълнение на служебните си задължения. Към него се приближава стар приятел, за да държи под око съпругата си Мадлен, за която смята, че е обладана. Първоначално скептична, Скоти скоро става саморазрушително обсебена от хубавата дама, която изглежда е много повече, отколкото си позволява. Блясъкът на Алфред Хичкок се крие във факта, че неговите най-велики филми, вълнуващи за гледане за първи път, сякаш отварят нов слой на разбиране за зрителя при всеки следващ поглед. Разбира се, при бегъл поглед „Вертиго; е добре измислена мистерия за психологическо убийство. Но докато го гледате отново и отново, темите му за мъжката агресия и за изграждането на женски образ в съзнанието на мъжа започват да се разгръщат като кутия за безкрайност и да ви поглъщат. Вероятно най-фино остаряващият филм, създаван някога, бавното горящ блясък на Vertigo се свидетелства от факта, че след отваряне към смесени отзиви, филмът е широко считан за един от най-великите филми, правени някога. Шедьовър от майстора на трилъра.

24. Хирошима, любов моя (1959)

Роден от съзнанието на френския визионер от левия бряг Ален Рене, „Hiroshima mon amour“ е филм, който плаче с трансцендентална сила. Неговата история за времето, преплетена с паметта и белезите и на двете, които се случиха в Хирошима по време на Втората световна война, разказана чрез двама души – един французин, един японец – докато се опитват да съберат преобладаващото послание на причиненото там опустошение. Само дето няма какво да спечелим, интелектуално или емоционално, от такава глупост. Това е произведение, потопено в международна скръб - достига по-далеч от самия конфликт и до истините и репресиите, които преследват човешките същества всеки ден. Чрез отзвука на атомния взрив ние откриваме малка част от това, което не е наред със самите нас. Фактът, че Resnais просто разбира това недосегаемо объркване, вместо да се опитва да го поправи, е това, което прави „Hiroshima mon amour“ един от големите шедьоври на киното.

23. На случаен принцип Балтазар (1966)

Пустият шедьовър на Робърт Бресон е упражнение за чувство. Той се отклонява от дефинирането на ясен протагонист или централна тема, освен ако не преброите чудотворната сила на природата, която е Балтазар, и ако приемете филма по номинална стойност, не го правите. Но ако му позволите да бъде вашата точка за достъп до емоционалния и тематичен пейзаж на филма, е трудно да се върнете от него невъзнаграден. Необичайният, слаб и хладен визуален стил на Балтазар изглежда почти бляскав в ретроспекция; спокойната му крехкост, обвита с примирено, изключително мъдро чувство за контрол. Дори осезаемата му честност крие проучено усилие да се сдържа малко, да подхрани в своята простота на обстановка и характер богатство, оставено на публиката да открие и в някои спиращи дъха случаи да си представи. Тъй като актьорите говорят толкова малко за своето затруднение, ние преживяваме случайните, неразумни прояви на жестокост и чувстваме задушаваща тъга за тях. Във форма, в която дори и най-завършените художници целят само да засилят сетивата на зрителите, като се съобразяват с изпитаните, образите на Бресон ми предоставиха лирически шаблон, върху който да базирам величината на моето състрадание, дори да преценя колко съзнателно е това състрадание .

Всичко това ме връща към първоначалната ми мисъл. Приписването на значение на всеки момент в „Балтазар“ не зависи от това дали приемаме съдържанието му за алегории от социален или дори политически характер, а от начина, по който те ни правят Усещам като се наслаждават на тяхната сложност и спокойствие, вместо да разчитат на безсмислената експозиция, към която прибягват повечето филми. Следователно е напълно логично главният герой да бъде едноименното магаре.

22. Андрей Рубльов (1966)

Вярвам, че „Андрей Рубльов“ е най-големият пример за концепцията на руския автор Андрей Тарковски за скулптура във времето. Голяма част от последната му работа беше абстрактна, тъй като той се занимаваше с невероятно лични теми и визуализация, която беше разпръсната през периоди от време. С „Андрей Рубльов“ Тарковски улови самото време и след това го погали с най-дълбоките нюанси на душата на художника. Тарковски е може би единственият режисьор, който може да постигне най-високото постижение в изобразяването на репресиите на художник. Той изследва потисническите режими в Русия, които са толкова коренни за страната, колкото и нейната дълбока литература, която изненадващо поставя под въпрос най-убедителните въпроси относно духовното и метафизичното. Много от по-късните черти на Тарковски, включително заснемането на потока на природата, могат да се наблюдават в пътуването на Андрей Рубльов. Това е филм, който ви филмира, разбива ви и ви кара да мислите – както по време на филма, така и дълго след като титрите са изтекли.

21. Приключението (1960)

Какво мислите за една неразрешена мистерия? Или незавършена история? Търсите ли приключване, като отчаяно го търсите? Или приемате фактите и след това продължавате напред? Не е ли това животът? Компромис и продължаване напред? Филмът, който донесе на Микеланджело Антониони признание в целия свят, „L’Avventura“ е историята на млада жена, която изчезва по време на пътуване с яхта през крайбрежието на Сицилия. Търсенето й събира бившия й любовник и най-добър приятел и започва смущаваща връзка. Докато историята е изтъкана около търсенето на изчезнала жена, истинската й цел е да изгради разказ, без да се концентрира около голямо събитие и все пак да може да завладее публиката. Истинските мотиви на централните герои никога не се обясняват напълно и след края на филма зрителят е принуден да приеме, че някои събития остават неразгадани, точно както го прави животът. Безспорен шедьовър!

20. Без дъх (1960)

Много преди Куентин Тарантино да си проправи път към американската инди сцена със своя диво независим подход към създаването на филми, който засили фокуса върху стила над съдържанието, имаше този човек на име Жан Люк-Годар, който безстрашно пое традиционните кинематографични граматики и безразсъдно ги наруши надолу, предефиниране и оформяне на филми по начина, по който го виждаме днес с филм, наречен „Breathless“. Може би никой друг филм не е успял да улови мимолетната лудост на младостта по начин, по който „Breathless“ го прави с безразсъдната си енергия и опияняваща атмосфера. Странното използване на скачащи съкращения въодушевява присъщата лудост на предпоставката, докато Годар яростно ви отдалечава с лакти от героите си, като ви моли да се съсредоточите върху фрагментираните аспекти на сюжета, вместо върху историята като цяло. „Без дъх“ е един от най-важните филмови дебюти в историята на киното и въпреки че продължава да поляризира кинофилите и критиците, не може да се отрече влиянието, което има върху съвременното кино.

19. Седемте самураи (1958)

Акира Куросава е един от най-оригиналните, влиятелни и реферирани режисьори, живяли някога. Роджър Ебърт веднъж каза за Куросава Може да се твърди, че този най-велик режисьор е дал работа на екшън герои през следващите петдесет години и не би могъл да бъде по-верен. „A Fistful Of Dollars“ на Серджо Леоне, за който се твърди, че е родил жанра на спагети уестърн, е вдъхновен от „Йоймбо“ на Куросава. Настоящото ни вписване също е технически и творчески вододел и вдъхнови безброй директни преразкази, както и много визуален елемент в съвременното кино . Епичната драма описва историята на седмината ронин (самураи без господар), които вдигат оръжие, за да защитават бедна цивилизация, която вече няма място за тях от нападения на бандити в Япония от 16-ти век, което завършва с ожесточена кулминационна битка. Но блясъкът на „Седемте самураи“ се крие във факта, че той разказва множество добре изработени истории, вариращи в различни жанрове в рамките на основната драма. Във филма има елементи на екшън, приключение, романтика и пълнолетие. Състои се също от герои, богато развити като рядка пържола, която по-късно ще се превърне в основен продукт в множество жанрове. Наистина вдъхновяващо произведение на изкуството.

18. Дървото на живота (2010)

„Дървото на живота“ е най-висшата форма на киното: то просто не разказва история, а има за цел да промени живота ви. Това е филм, който ще отнеме време, за да ви порасне, а когато стане, ще ви е трудно да не мислите постоянно за него. Кинематографична поема с изключителен размах и амбиция, „Дървото на живота“ не просто моли публиката си да наблюдава, но и да отразява и усеща. Най-просто, това е история за пътуването на намирането на себе си. В най-сложния си вид това е медитация върху човешкия живот и нашето място в голямата схема на нещата. Няма значение в каква вяра вярвате или дали изобщо вярвате във висша същност. Истинското чувство на учудване във филма възниква от магията, която е самият живот. Най-красивият аспект на филма е, че той става все по-добър с времето, като хубаво вино.

17. Отблизо (1990)

Покойният велик ирански автор Абас Киаростами често вижда красота и поезия в най-абсурдните светски епизоди от човешкия живот. С измамно прости сюжети и натуралистични настройки Киаростами изследва универсални теми, които безпроблемно надхвърлят културните бариери поради вида на човечността, в която по своята същност е обгърнато неговото кино. „Отблизо“ е може би най-завършената му работа и една от най-оригиналните, изобретателни произведения на кинематографичното изкуство, произвеждано някога. Филмът приема формата на документална измислица, за да разкаже реалния житейски процес срещу човек, който се представя за иранския филмов режисьор Мохсен Махмалбаф. Актьорският състав включва хора, които всъщност са участвали в процеса, играейки себе си във филма. „Отблизо“ е удивително изследване на човешката идентичност, видяна през очите на обикновен човек, който се бори да се справи със себе си и живота си и от отчаяна тъга и истинска любов към изкуството на киното, той стъпва в обувките на своя идол, за да знае какво е да си наистина жив, да се възхищаваш и уважаваш. Това е филмово производство от най-висок клас.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brussels (1975)

Този френски авангарден филм с Делфин Сейриг като главен герой не е просто кинематографично преживяване. По-близо е до упражнение – тест и ви влияе по начини, които малко други филми са правили преди или след това. Независимото парче се фокусира върху три дни от живота на самотна, проблемна домакиня, докато тя преминава през строгия си график, изпълнен със светски домакински задължения. Тя е майка и вдовица, която извършва секс работа за господата вечер, за да си изкарва прехраната. Проблеми възникват, когато на втория ден рутината й е леко нарушена, което води до нещо като домино ефект, който се отразява в часовете след него. Жана Дилман привлича човек в своя бавен и медитативен свят с отличителния режисьорски подпис на Акерман, включващ диегетична атмосфера и хипнотична аура, предизвикана от спокойната, фина и търпелива личност на шедьовъра, която е болезнено тържество на монотонността на съществуването.

15. Рашомон (1950)

Едно от най-нестандартните и експериментални филми за времето си, „Рашомон“ наблюдава работата на майстора, излагайки се на всичкото от своите умения за разказване на истории. Казано по-просто, това е разказ за инцидент, възникнал чрез четири силно различни гледни точки – тези на обвиняемите, жертвите и тези, които твърдят, че са очевидци. Той се откроява по всички технически основания с почти безупречен монтаж и майсторска режисура, но филмът осигурява победите си по тематичните въпроси, с които се занимава; въпросите за съществуването на абсолютна истина. Наистина ли истината е толкова обективна и несправедлива, колкото я представят, или има някаква субективност, свързана с нея? Обикновено тя е обективна или поне е широко смятана за такава, като привидно няма други версии за нея. Този филм го поставя под въпрос по начин, по който самият зрител остава раздразнен от въпроси, като също така често коментира как хората понякога не са напълно честни дори пред себе си. Това е толкова сложно тематично, колкото става, но привидно толкова просто, колкото искате да бъде.

14. Сталкер (1979)

Като държим на разстояние по-малките му потомци, които включват изключително успешния телевизионен сериал „Westworld“, колосалното влияние на „Stalker“ върху визуалното разказване на истории не може да бъде надценено. Идеите – философски, духовни и научни – както и тяхното ловко, славно кинематографично изследване в „Сталкер“ са намерили своите впечатления върху много научна фантастика, която ще дойде след него. Не толкова плъзгащите се, предизвикващи транс и на моменти, абстрактните темпове или вълнуващата употреба на монохроматична сепия извън зоната и отпечатващите цветове на местата в Естония, са отразени в работата на режисьори като Терънс Малик и Лав Диас, за да назовем само няколко, но трайното търпение и смирение. Предавайки до голяма степен философското царство на публиката, Тарковски оставя толкова много място на зрителите да открият сами множество метафизични аспекти на филма, че дори неговата ненадмината буквална и визуална поезия изглежда колкото плод на нашата измислица, толкова и на неговата и неговите сътрудници. И все пак филмът остава настрана, насочва ни към неразгадаемите мистерии на ума и сърцето и ние никога не успяваме да ги разгадаем, защото правият път никога не е правилният.

13. Фани и Александър (1982)

Близо 35 години след първоначалното му пускане, последният режисьорски филм на Бергман е също толкова завладяващ за дисекция, колкото и за критиците по целия свят по онова време, които сякаш всички се борят да гарантират, че мнението им за него е чуто. Тези мнения бяха много по-раздвоени, отколкото днес, но мястото на филма във филмографията на Бергман все още изглежда трудно да се определи. По тон, структура и абсолютна величина е различно от всичко, което Бергман е направил до този момент. Но също така е несъмнено сливане на всичките му тематични и визуални инстинкти, кръстосани в този животоутвърждаващ гоблен на семейство от началото на 1900-те в Швеция. Неговото живописно изобилие сякаш привлича цялото ви внимание при първо гледане със своите дълбоко потапящи вариации на червени, зелени и меки, топли жълти, които образуват толкова опияняваща цветова палитра, че отсъствието му – когато всичко е обвито в бяло, черно и сурово синьо – изглежда наказателно. Прецизно изработените хроники на Бергман излъчват ентусиазъм на семеен пикник и притежават познаването на човешките връзки, държани заедно в продължение на десетилетия от истинска, крехка обич. В това щедро монтирано представяне на живота, раждането и смъртта са случайни. В малкия свят тези герои, както повечето от нас, обитават, окръжните радости са всичко, на което човек може да се надява и те са достатъчни за тях, както би трябвало да бъдат за нас. Дали всичко е илюзия? Гледайки този гигантски ансамбъл, който прави такива чудеса, човек може да си помисли така. Ако е така, повярвайте ми, не искате да бъде разбито.

12. Апокалипсис сега (1979)

Има военни филми, които показват тънкостите на войната (като „Enemy At The Gates“), някои други, които укоряват и отвращават представата за нея (като „Пианистът“), а след това има и дръзкият „Апокалипсис сега“, който не предлага мнение или заключение, но вместо това разкрива графично изобразяване на ужасите на войната, като прославя войниците, които участват в нея. И до днес се води дебат дали „Апокалипсис сега“ е провоенен или антивоенен. Обичайте го или го мразете; сигурното е, че ще го запомните. Една от най-проблемните продукции в историята на Холивуд, финалната версия на сценариста и режисьора Франсис Форд Копола завърши с най-брилянтната му работа. Голата предпоставка е проста – капитан Уилард трябва да прекрати с изключителни предразсъдъци полковник Курц, който е навлязъл в територия на врага и се е оттеглил. Но изтощителното пътуване на Уилард из мъчителни бойни полета на Виетнам (издигнато от спиращата дъха кинематография на Виторио Стораро) остава запечатано в умовете далеч след като се появиха кредити. С участието на една запомняща се сцена след друга и окончателни изпълнения на Мартин Шийн като Уилард, Марлон Брандо като Курц и Робърт Дювал като „ентусиаст на напалм“ подполковник Килгор, „Апокалипсис сега“, както Копола правилно заяви, не е за Виетнам. Това е Виетнам.

11. 400-те удара (1959)

„400-те удара“ на Франсоа Трюфо е истинско произведение на изкуството, произтичащо от истинска болка. Една наистина искрена и дълбоко лична творба, Трюфо посвети филма на своя духовен баща и международно признатия филмов теоретик Андре Базен. Отчетливо автобиографично по природа, детството на Трюфо беше смутно и това е много ясно отразено във филма. Отвън филмът е за младежката и юношеската престъпност, която често е водена от обществено и родителско пренебрежение. Погледнете малко по-дълбоко и ще намерите филм за надеждата; надявам се, че това е едновременно интензивно и терапевтично. Антоан Дойнел, главният герой, е някак ярко представяне на самото общество, общество, което крие собствените си провали зад правила, наказания и присъди. Филмът тече като река и отвежда публиката в пътешествие на надежда, отчаяние, съпричастност и дори чист гняв. Ако някога сте искали да видите как изглежда шедьовър, не търсете повече от „400-те удара“.

10. Мълхоланд Драйв (2001)

Дейвид Линч не е режисьор. Мъжът е мечтател. А „Мълхоланд Драйв“ е най-голямата мечта, която някога е мечтал. Мечта, която капсулира всяка емоция, която обхваща човешкото съществуване. Трудно е да се обясни или опише филм като „Мълхоланд Драйв“, защото това е филм за преживяването и това, което взимате от него, а не за сюжет, основан на конвенционален разказ, който ви подхранва с отговори, с които с радост можете да се приберете у дома. Линч често е заявявал, че визията му за филм е основно изградена върху множество идеи и чувства. И това се превръща в врата към разбирането на толкова сложен и многопластов филм като „Mulholland Drive“. Това е лабиринт от мечти, амбиции, желания и кошмари. Линч знае какво ни ужасява най-много и какво ни довежда до пълна лудост. И именно това обезпокоително интимно отражение на човешкото подсъзнание прави „Mulholland Drive“ толкова дълбоко мъчително произведение на изкуството. Такъв, който ви обгръща с усещане за топлина и нежност, преди да прореже черепа ви.

9. Крадци на велосипеди (1948)

Простотата е върховната изтънченост – Леонардо да Винчи. Една от най-трудните задачи в създаването на филми е да разберете кога да приключите филма си. Краят в Bicycle Thieves е толкова тонално в синхрон с началото, тъй като започваме от Антонио, ежедневен човек, излизащ от тълпата, до Антонио, обикновен човек, разсейващ се в тълпата. Животът в следвоенния Рим се беше превърнал в ежедневие в борба и едва ли имаше някой, който да се измъкне от това блато на мизерията. Има много малко филми, които предоставят дълбока интроспекция като „Крадците на велосипеди“. Това е филм, който ще разбие сърцето ви на парчета и същевременно ще ви вдъхнови да живеете пълноценно. Рядко филм, толкова прост в своята предпоставка, е толкова брилянтно ефективен в посланието си. На практика е невъзможно да забравите филма, след като сте го гледали. Въпреки че най-голямото постижение на филма е в това колко независими режисьори е вдъхновил, които и до днес цитират „Крадци на велосипеди“ като свое вдъхновение.

8. Токийска история (1953)

„Tokyo Story“ е това, към което се стреми всеки режисьор, който иска да разкаже смислена история. Очевидно е, че всички те не успяват! Няма по-добър пример за филм, който представя епична история по толкова прост, но майсторски, ефективен и незабравим начин. С „Tokyo Story“ Ясуджиро Озу постигна нещо, което е мечтата на всеки жив режисьор: да остане завинаги в сърцето и ума на публиката. Всеки, който е гледал „Tokyo Story“, ще разбере за какво говоря. Филмът разказва историята на една застаряваща традиционна японска двойка, която посещава децата си в Токио, само за да стигне до грубото осъзнаване, че децата им са твърде заети с живота си, за да се грижат за тях и са се отдалечили изключително от тях, културно и емоционално . Това, което е толкова страхотно във филма, е неговата универсална тема, с която всеки и навсякъде може да се свърже. Стилът на създаване на филми на Ozu също така гарантира, че сте погълнати от приказка, която предлага задълбочени прозрения за променящата се човешка психика с променящите се времена. Просто брилянтно!

7. В настроение за любов (2000)

„In the Mood For Love“ е просто най-великата любовна история, снимана някога. Месечен цикъл. Толкова лесно можеше да бъде пиеса или дори поезия. С красиви, завладяващи изображения и изящна, пронизваща душата музика, „In The Mood For Love“ разказва сложната история на двама прости личности. Двама души, които преминават през страха и примамката от влюбването; и веднъж влюбен, чистата болка да го оставиш непълен. „В настроение за любов“ изобразява любовта в нейната най-уязвима форма. И по този начин разкрива собствените ни уязвимости и колко безпомощни сме пред любовта. Рядко филм, толкова занижен и толкова запазен, има такова въздействие след гледане.

Не съм сигурен дали режисьорът Wong-Kar-Wai е възнамерявал да направи филма, който направи, като се има предвид, че той е заснел филма предимно без сценарий. Ако погледнете историята, най-определящите произведения на изкуството са щастливите инциденти. Бройте сред тях „В настроение за любов“.

6. 8 1/2 (1963)

Номер осем и половина във филмографията на италианския маестро, тази знойна, пищна епопея от фантазии, кошмари и твърде замъглена реалност е като бискоти – решително абсурдни във формата си и изпечени по начин, който не позволява да се погълне изцяло в едно движение. Неговата ужасяваща, неспокойна операторска работа допълва съзнателната визия на Фелини за режисьор, който се опитва да канализира многото променящи се преживявания, които е имал по време на заплетения си живот в новия си филм. Колкото и да е полуавтобиографичен, „8 1/2“ преминава покрай публиката си с цялата си възхитителна сложност, непокътната с толкова радикално темпо, че се опитвам да деконструирам неговите проницателно композирани образи с цел да намеря своето място в Извисяващата се специфика на Фелини, но никога не успя да стъпи здраво на земята.

Използвайки сенчестата гравитация на Марчело Мастрояни, чистото електричество на Фелини може да бъде поразително. Задържате възприятието си за конкретен момент и разпознавате неговото знойно богатство, само за да откриете, че режисьорът е преминал към друга трептяща, възхитително уравновесена последователност. Неговите идеи за художниците и тяхната объркваща, нелепа мания по себе си може да изглеждат остарели – или по-лошо, неуместни – но дързостта на тяхното изграждане и изразяване никога не се губи от нас. То ни омагьосва и омайва, никога не ни позволява да откъснем очи от него и след това се изплъзва между пръстите ни, когато ни просветва, че никога не сме го имали в ръцете си. Фелини не се различава много от ясновидката Мая във филма, която изглежда знае какво си мислят всички: умение, приписвано от нейния асистент на телепатията. Когато нашият герой, Гуидо, разпитва асистентката как го прави, той ясно отбелязва: Това е отчасти трик, а отчасти реално. не знам, но се случва. Няма думи, с които да опиша филма.

5. Личност (1966)

Мисля, че е безопасно да се каже, че „Persona“ сама разби киното. Като филм на ужасите на повърхността, класиката на Ингмар Бергман от 1966 г. е по-скоро изследване на индивидуалната идентичност, отколкото всичко друго. Използвайки иновативни техники за монтаж, остри ъгли на камерата, студени изражения, потапящи диалози и прекрасна режисура, този филм разказва по възможно най-съвършено двусмислен начин историята на известна актриса, която губи гласа си, и медицинската сестра, която се грижи за нея в уединен дом, където техните отличителни личности бавно започват да се сливат един с друг. Като най-кинематографичното начинание на режисьора, „Persona“ се уверява, че изкривява всяко конвенционално правило на създаването на филми, за да се опита да създаде свежо и завладяващо преживяване. С някои от най-великите актьори, поставяни някога върху целулоид, атмосферата на филма ни помага да оценим въпросите, които имаме за него, като интелигентно преместваме фокуса си върху занаята, който се въвежда в игра. Просто не съществува нищо подобно на „Персона“ и това може да е факт.

4. Кръстникът (1972)

Вероятно най-влиятелният филм, правен някога. Една от най-редките адаптации, която всъщност е по-добра от изходния материал – в случая едноименният роман на Марио Пузо – филмът е издържал през вековете и е класика в истинския смисъл на думата, която просто продължава да се подобрява с всеки гледане. Филмът описва мафиотско семейство при Дон Вито Корлеоне и се фокусира върху прехода на сина му, докато той поема семейния бизнес след смъртта на патриарха. Без съмнение, изпълненията са една от основните силни страни на този филм, като величия, включително Марлон Брандо като Вито Корлеоне и Ал Пачино като Майкъл Корлеоне, предефинират актьорските стандарти със своите изпълнения. Всичко останало, особено сценарият и кинематографията и партитурата, които задават настроението, се очаква да определят рейтинга и жанра. С право, не съществува кинофил, който да не е гледал този шедьовър на филма. Това е олтарът, където отиваме да се молим.

3. Гражданин Кейн (1941)

Светият Граал на американското кино. „Гражданинът Кейн“ дефинира почти всеки аспект, който обхваща изкуството на киното. Филм, който наруши безброй конвенции за създаване на филми само за да създаде нови. Още от революционните си технически характеристики, включително осветлението, звука и визуализацията, до изключително иновативния си стил на разказване на истории, „Citizen Kane“ промени начина, по който са правени филмите. Филмът е дълбоко задълбочено изследване на героите, което приема формата на мистериозна драма в разкриването на истините от живота на загадъчен издателски магнат, чиято последна дума предизвика интереса на репортер. Той тръгва на пътешествие, изследвайки човешко същество, което някога е започнало живота си със сурови амбиции и желания, но скоро ще се поддаде на съблазнителните сили на алчността и властта. „Гражданинът Кейн“ е изключително мощно произведение на изкуството, което обхваща своето изследване на дълбоки теми и улавя безкрайно сложните емоционални аспекти на живота като човешко същество.

2. Огледалото (1975)

Може ли изкуството да бъде толкова лично, че човек да не може да го различи от неговия създател? Това е въпрос, който ме хрумна, когато за първи път видях „Огледалото“ на Андрей Тарковски. Това е произведение на изкуството, при което художникът се отдава изцяло на работата си, че не успявате да различите между него и работата, която върши. Почти сякаш Тарковски е дишал целия филм. Авторите са направили своите шедьоври, променяйки и оформяйки киното по начина, по който го виждаме днес, но Тарковски направи крачка отвъд това и постигна непостижимото; дава живот на изкуството си. „Огледалото“ е просто дишащо кино. Можеше да видиш Тарковски, семейството му, културата, в която е израснал. Всъщност, можеш да успееш да видиш себе си в нея, майка си и това усещане за Дежа вю, което ви връхлита, гледайки тези места. Почти сякаш сте били там, може би в живота или в сън, изгубен някъде. А за един художник да изработи нещо лично и интимно е нещо наистина отвъд думите. Това е филм, който потвърждава това, което винаги сме знаели: киното е най-великата форма на изкуство.

1. 2001: Космическа одисея (1967)

Както всеки друг запис в този списък, „2001“ също е урок по създаване на филми. Няколко режисьори, включително Кристофър Нолан и Дени Вилньов, разказаха как филмът им е вдъхновение. Така че, да, филмът е техническо чудо. Но не това е причината филмът да оглави този списък с толкова много страхотни филми. Той седи на върха, защото това е филм, който се осмелява да отиде на място, където никой филм не е минавал преди. По дяволите, никой дори не знаеше, че има такова място, където киното може да се стреми. И ако някога изкуството на киното е изисквало причина или доказателство, за да потвърди, че целта му на съществуване е много повече от просто забавление, то ето го: напълно завладяващият и изключително митичен „2001: Космическа одисея“.

Стенли Кубрик разшири хоризонтите на киното с почти всичките си филми. С „2001: Космическа одисея“ той също даде нов смисъл на това, което може да постигне киното. Повечето режисьори използват киното като средство за разказване на история. Но Кубрик използва киното, за да поставя под въпрос. Какво питаше? Всичко, от Бог до целта на нашето съществуване. Докато „2001: Космическа одисея“ е изключително интелигентен научнофантастичен филм сам по себе си, той е и много повече. Вярвам, че това е филм, който е по-скоро философско търсене, за да се определи дали Бог съществува. Говорете за високото прицелване!