100 най-добри японски филма за всички времена

Първо, бих искал да отделя малко време на почетни споменавания и близки пропуски: Непривлекателните трудоемки плаващи облаци на Мико Нарусе, Когато една жена се изкачва по стълбите, Копнеж и по-прощаемият Звук на планината не успяха. Опитах се да оставя достатъчно време да се погрижа за работата му, но това непрекъснато не ме интересува, тъжно е да кажа. Тампопо, Замъкът от пясък, Човекът зад слънцето, Яйцето на Ангел, Беладона на тъгата и Вкусът на чай също за съжаление не отговаряха на кинематографичния ми палет. За да намаля приливния поток върху прекомерното изобилие от Акира Куросава и Ясуджиро Озу, не включих тяхното превъзходно бездомно куче, скандал или Кагемуша; нито очевидно плодотворната Ozu’s I Born But & hellip;, Ранно лято, Късна есен, Единственият син, Краят на лятото, Ароматът на зелен чай над ориз и Кокошка на вятъра съответно.

Имайте предвид, че този списък е за най-добрите филми: Така че никой от тези филми всъщност не го е вкарал на 100 място независимо. Просто исках да призная тяхното качество сред толкова много други скъпоценни камъни. Също така липсват солидните, но в крайна сметка незадоволителни прасета и бойни кораби на Шохей Имамура, Порнографите и Човекът изчезва, заедно с красивия преврат на Йошишиге Йошида и Wuthering Heights, скромният пожар на Кон Ичикава, Сърцето и десетте черни жени, както и Хироказу Кореда докосване след живота, като баща като син и никой не знае & hellip; всичко това ме развълнува да търся след бурята, когато това приключи. И накрая, бих искал да отделя малко време, за да поговоря за работата на Сион Соно: Въпреки разочарованата упоритост и отчаяна надежда - не мога да кажа, че нито едно негово парче, което опитах, си струваше усилията. Студената риба, племето Токио, Вината за романтика и изключително лошата любовна експозиция са глупости, не на последно място последното - което беше най-лошият филм, който видях по време на това пътешествие из японското кино. Непоносимо.

С това от пътя: Нека започнем. Ето списъка на най-добрите японски филми, правени някога.

100. Вратата на ада (1953)

Луксозно оборудван период от време, привлекателността на Gate of Hell се крие в разкошната си палитра от дизайни. Режисьор е Teinsuke Kinugasa, най-известен със своята забележителност от 1926 година Страница на лудостта , това е тясно привързана приказка, която отнема около два опита да бъде напълно оценена, особено за западните рецензии, които не са запознати с обвързания с честта кодекс на феодална Япония - но възнаграждава с богато изработен обрат и зловещи намеци за свръхестествената заплаха, за която се загатва заглавието.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972… 74)

Странен претендент за краля на франчайзите на комикси, Самотният вълк и Къб проследява екзекутор на изгнаник и малкия му син чрез поредица от седем части, които съставляват това място в списъка. Част III: Бебешка количка до Хадес и част VI: Бял рай в ада са най-силните в съзнанието ми - въпреки че всеки от тях е достоен за часовник и е наличен от колекцията Criterion от тази година. Това е селекция от топли фигури с вълнуващо действие и хумор, за да засенчи всякакви формалности в повествованието - всичко си заслужава да бъде гледано и повече от достойно да изкопае собственото си пространство тук.

98. Ичи убиецът (2001)

Скандално, извън скандално, безстрашното вълнение на стила на Miike подкопава всякаква нужда от вещество, централизирайки фокуса върху разврата и излишъка от думата и изпълнявайки обещанието си за болка и кръвопролитие до степен, която малко филми от правната страна на линията могат дори да разберат. Това е великолепно шантаво забавление с близане на тъмнина, толкова екстремно, че трябва да го приемете сериозно. Не мога да не уважа Ичи убиецът за това, че се чувства толкова удобно в собствената си абсурдност - и докато титулярният персонаж се оказва клиширана скука, Miike намира достатъчно инерция в ранните етапи, за да прокара до финала с мен объркан, объркан и напълно очарован от преживяването всеки път.

97. Battle Royale (2000)

Кинджи Фукасаку, човекът зад престъпната антология Битки без чест или хуманност , е художник, който тук изразява всеобхватно качество, толкова прекрасно за по-широкото японско кино: Да не се страхуваш да прегърнеш жанровото кино. Кралска битка е уникално проектиран като невероятно глупава сатирична комедия и макар да удря хуманистични белези по пътя, реките от пръски и безупречен комедиен момент, който Фукасаку придава дори на най-болезнените ситуации, правят филма абсолютен взрив. Редът на Такеши Китано е особено забележителен, като премахва всички понятия за уважителност за цялостно нападение срещу остроумието и вкуса. Кралска битка е объркано, това е вярно, но начинът, по който толкова неуморно се прегрупира отново и отново за поредната атака срещу скептиците, е славен. Без колебание Фукасаку разбира тъп оръжие, което държи в ръцете си, и го размахва с пълна сила. Фактът, че това е последният му филм, придава определено достойнство на начинанията на мъжа - самоубийствена мисия, удряща в смешна кост, трябва да сте в кома, за да не почувствате боцкане поне веднъж или два пъти през цялото време. Основно забавление.

96. Годзила (1954)

Класически филм за чудовища, който да съперничи на подобен на Кинг Конг и който и да е от оригиналния състав на Universal, поне в мащаб. Годзила не притежава съвсем хуманността и остроумието на Невидимия човек или свирепия копнеж на Съществото от Черната лагуна - но е забавно. Гледането на едър мъж в смъртно труден костюм, който прекосява градска Япония, е завладяващо изживяване и до днес, главно заради неизбежния му скромен чар. Усещането е в момента и въпреки неговите ефекти на бързото запознанство е повече от добре дошло да останете там, тъй като реликвата на една епоха, отдавна загубена - и сега е по-добро време от всяко друго, за да се надяваме, че маскираният олово Харуо Накаджима почива в мир.

95. Луди плодове (1956)

Предшестващ основател на японската Нова вълна, Crazed Fruit’s фокусът върху пламъка на младостта си стъпва с проста история, която се простира далеч отвъд нейните скромни параметри: Прескачане на оградата на двама мъже, влюбени в една и съща жена, за да отрази впечатлението на следвоенното поколение като цяло. Тези хора са яростни, независими и отчаяни, за да докажат себе си - изплашени от многократното оскверняване на ценностите на нацията. Той намира ниша за разказване на истории, която рикошира чрез социален и политически контекст - и представлява широките първи стъпки на Новата вълна. Тъй като този списък продължава, ще видим, че дълголетното движение завинаги се е насочило навътре - или очаровано, или уплашено и по този начин намирайки разказ не за нациите - а за сексуалността, перверзията, насилието, алчността, свръхестествеността и психозата. Втората световна война все още може да се крие в тези истории - но ми се струва интригуващо, че борбата с нея е толкова открита, колкото Луди плодове did в крайна сметка беше посрещната с фокус, а не с експлозия на тема.

94. Животът на Охару (1952)

Първият ни удар от Кенджи Мизогучи, Животът на Охару доказва класическо проучване на характера, което прави главния герой отразяващ положението на жените в следвоенна Япония, нещо, което Мизогучи правеше възхитително през цялата си кариера. Експанзивна, сложна драматична пиеса, която използва времето, за да подчертае тежкото положение, което бързо се превръща в негов фокус, Мизогучи продуцира едно от най-добрите си произведения чисто за начина, по който той хуманистично се закопчава и разчупва заедно със самата Охару - режисьорката, трогната от несгодите, пред които е изправена. Именно тази връзка кърви направо през екрана, което позволява на филма да издигне драматизма си отвъд достоверността.

93. Мечти (1990)

Отписан от гърба на собственото си подсъзнание, Акира Куросава Мечти е живописно изображение на вътрешността на съзнанието на един човек: Сравнително свободно с Пасторален с изключение на липсата на чувствителност към Нова вълна в полза на по-премерено и спокойно изследване на нощните скитания на Куросава. Получената колекция от винетки разкрива нещо сурово и уникално за начина, по който животът се филтрира през обектива на нашето подсъзнание - и в това може би е най-честният филм, който Акира Куросава е правил някога. Ясен, прекрасен малък скъпоценен камък.

92. Погребален парад на розите (1969)

Широко отвореният поглед на Едип Рекс на режисьора Тошио Мацумото (може би най-доброто кино, което може да предложи), Погребален парад на розите бележи решаващ вододел за алтернативна сексуалност и предизвикателни за пола образи в японското кино - и се продава без границите, които трансформираха движението днес. Това е едновременно тържество и критика на човешкия израз, разбиране на объркването, пред което са изправени героите му, както и възприемане на собствените им решения с смирение и радост. Това критично предположение за конфликт е това, което определя Погребален парад на розите Успехът и макар да не мисля, че това е коронното постижение на скъпо починалия Мацумото, начинът, по който той защитава своите субекти по такъв честно опорочен начин, е нещо, от което всички бихме могли да се научим днес.

91. Червен пипер (2008)

Прегледът на Сатоши Кон от 2008 г. често е сравнен с този на Крис Нолан Начало - и двете базирани на концепции за нашествие на сънища и принуда. Мисля, че ключовата разлика, която оставя феновете да се разделят на барикада, е фактът, че опитът на Нолан притежава по-голям емоционален резонанс и фокус на характера - но всичко това се затъва в досадна структура. Kon пише в продължение на 85 минути и изпълва всеки кадър с опияняващ разцвет на енергия и оцветяване между слоевете с такава свобода и гъвкавост при разказването на истории, че по-плътната работа на Нолан просто не може да се справи. В крайна сметка и двамата стоят като солидни примери за занаят и изобретателност - но по отношение на това, което бих предпочел да сложа в края на тежък ден, няма състезание. И да откриете огромния набор от творчески сили Червен пипер държи в арсенала си, преди това просто да е забавен вкус на Inception - трябва само да вземете Blu Ray и да натиснете игра.

90. Екстазът на ангелите (1972)

Като движение в цялата индустрия, чувствам, че преобладаващите точки на японската Нова вълна се въртят на основата на секса и насилието. И двете са присъщи на живота и изкуството - елементи, които продължават да покриват киното в световен мащаб - но чувствам, че малко филми се занимават с тях ангажирано. Екстазът на ангелите разбира собствената си вулгарност. Продължаващите отношения на режисьора Коджи Вакамацу с такава екстремна тема му дават възможност да усъвършенства изобразяване на брутално насилствени личности - и резултатът е лудо изследване на Сид и Нанси в анархична загуба на себе си, както и горчив оттенък на романтика, хвърлен в блендера. Независимо от гледката ви в края, това е диво каране.

89. Декоративна фиби (1941)

От всички предвоенни художници, чиято памет се абстрахира от времето, Хироши Шимидзу е може би главен сред онези, които се нуждаят от преоткриване. Въпреки щедрото издание на Eclipse от колекцията Criterion (болка да се хванеш и свириш навсякъде извън Америка), той изглежда неспоменат сред най-важните режисьори от периода и аз абсолютно държа на убеждението, че той трябва да бъде отстояван сред най-добрите от тях. Декоративна фиби е освободен, докато Япония е въвлякъл Америка във Втората световна война и въпреки това е обвързан с обнадежденост и простота, която се вписва в по-цивилизована епоха - или поне говори за пацифизма, от който Шимицу може да е живял от ден на ден - игнорирайки конфликт той смята за варварство и предизвикателство към външния образ на Япония по онова време. Без да замъгляваме това описание в твърде много политики, Декоративна фиби се крие сред най-добрите черти, създадени от Шимизу, и именно неговият траен минимализъм осигурява неговия красиво занижен резонанс.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Не се съмнявам да се срещна с широко разпространен витриол за поставянето на такава универсално възхищавана класика толкова ниско - но трябва да се каже, че сред безброй хиляди Ugetsu Monogatari все още се нарежда сред 100-те най-добри японски филма, правени някога. Изразявам неприязън към изповядваната майсторска работа на Мизогучи: Дълготрайна рана с понякога прекалено проста посока, която често разрушава толкова често съвършеното му изкуство и съсипва всички предишни ефекти. Като се има предвид това, щях да излъжа, ако не споменавам колко очарователно беше този филм за мен, когато бях по-млад, и въпреки разочароващата поредица от повторни гледания в последно време, вълшебните моменти, когато всичко си идва на мястото и чудото на Мицогучи, завладяващо кино и в крайна сметка човешкото привличане се промъкна обратно във вените ми. Ugetsu Monogatari изплъзва се в списъка отчасти, защото това е основна работа, което е жалко, защото се гордея с това, че поставям лични предпочитания пред статуса: Но същността на въпроса е, че искам да го обичам. Някой ден привързаността може да се появи отново и майсторството на Мизогучи ще се издигне още по-високо. Времето ще покаже.

87. Адът на първата любов (1968)

Проследяването на паралелите в концепцията му се връща обратно към подобни Без дъх и медитативното приятелство на Ерик Рохем през Моята нощ в Мод от текущата Nouvelle Vague, Адът на първата любов е тихо, красиво поглъщащо наблюдение на двойка, която прави първите си стъпки заедно, и привлекателния, страстен, нацупен, студен, често празен въздух, който се мотае около тях, докато се опитват да използват връзката, която заглавието на филма толкова смело обещава на публиката си. Това е произведение на изкуството с ниска поддръжка, което възнаграждава зрителите на пациента с движещо се човешко взаимодействие.

86. Cure (1997)

Редактирането в Излекувайте е смъртоносно. Той прогресира до точка, в която искате да погледнете настрана, Куросава изпълва публиката с неявно разбиране за безмилостността на филма му по начина, по който той пресича домашната рутина и изпръсканите с кръв трупове толкова естествено, колкото дишането; и именно това изключително студено, почти психотично приемане на смъртта в живота ме кара да поставя под въпрос нейния водещ офицер, Такабе, и колко адска е ситуацията, свързана с насилието в Япония, дотолкова свикнала с жестоки убийства. Докато се движи с бавно пълзене, което започва да подкопава задъханото напрежение, Кийоши Куросава е успял да вдъхне в парчето, Излекувайте все още е повече от достойно допълнение към неговия силен кинематографичен канон.

85. Лошият сън добре (1960)

Най-слабата адаптация на Шекспир на Акира Куросава остава един от най-силните му филми, проследявайки свободно историята на Хамлет с крила на корпоративна критика, която чака в крилата. Задържан срещу други версии, въпреки че е допирателен, BSW изглежда като слабо предаване на почитаната пиеса, чийто диалог, натоварен с композиция, не успява да улови ширината и тежестта на драмата на Шекспир - въпреки че култивира уникален Kurosawan стил на разказване на истории, който добавя допълнително измерение към изходния материал и създава вкусно завладяващ разказ. Като цяло по-модерен и напрегнат от вдъхновението си, The Bad Sleep Well е задължително за феновете на Куросава, жадуващи за уменията и тънкостта на неговите съвременни усилия.

84. Тецуо: Железният човек (1989)

Справяне Тецуо със слаб стомах е като да вземеш куршум без жилетка. Разбъркано заедно с бъркотия от скрап реквизит, разхвърляни комплекти и болезнени специални ефекти - има бодрост да Tetsuo: Железният човек преследване на неприятното, което го прави възхитителен. Уважавам евтиността, с която създателите му се занимаваха, за да постигнат възможно най-измъчващото изживяване: Шокираща с ударите си със звуков микс и мрачни едноцветни визуални изображения, които прехвърлят това, което знаем, в сферата на загадката. Черно и бяло рисува дори най-разпознаваемите обекти, които съставляват Тецуо света като ужасяващи бастиони на непознатото, пълзящи под пукнатини и се закрепват върху нас, за да започне метаморфоза на мутация, както силна, така и неизбежно отвратителна. Това е част от работата, която е загрижена за деликатната чувствителност на аудиторията си - и точно това трябва да бъде добрият ужас на тялото. Tetsuo: Железният човек е без съмнение един от най-добрите.

83. Черен дъжд (1989)

Странен филм, който го разглежда като съчетан със собствения трактат на Исао Такахата за човешките жертви на ядрените бомби, хвърлени в кулминацията на Втората световна война, и се занимава с подобни теми, Black Rain’s малоценност пред прекрасното Гробът на светулките по никакъв начин не означава, че трябва да се пренебрегне. Ако не друго, легионите почитатели, които с право се събират около работата на Такахата, също трябва да се стичат тук. Първият филм на Шохей Имамура в този списък, Черен дъжд поема дълбоко трагичен, старателен личен поглед върху тежестта на ядрения взрив: справяне с вината на оцелелия, отчуждаването, скръбта, загубата и приемането на събитието и неговите тежки последици в тактично прав и стилен характер, характерен за Имамура, това е неговият собствен начин точно толкова поразително и непосредствено, колкото Хирошима любов моя мечтателна яснота.

82. Човечеството и хартиените балони (1937)

Класическа формалистка в същата сфера като почитаната работа на Кенджи Мицогучи, с изключение на това, че тук еднакво почитаният режисьор Садао Яманака се държи със смирение, от което всеки, който планира да влезе в света на киното, може да се поучи. Другата му известна снимка, Милионът Ryo Pot , е сравнително спокойна, трезво съставена и експертно драматизирана приказка - макар че мисля, че ръбът е у дома Човечност и хартиени балони защото успява да направи по-широко изявление за същността на ежедневието. Комфортът на закачливото му амбициозно заглавие отеква във всеки кадър и макар да не е движение, което намерих силно завладяващо или дори търпеливо движещо се - тук има нещо, което изисква часовник.

81. Мълчание (1971)

Адаптирано от същия роман, за който наскоро се занимаваше Мартин Скорсезе, Масахиро Шинода Тишина служи като завладяващ прожектор за разликите между западния и източния кинематографичен стил. Външно стоичният, суров тон на Скорсезе се сгъва в полза на далеч по-скромен поглед под усърдната ръка на Шинода, позволявайки косъм от разкаяние и сантименталност в иначе завладяващо натуралистично, събличано възприемане на книгата. Сцена, която подчертава майсторството на Шинода в създаването на светска атмосфера за неговата религиозна приказка без нужда от манипулация, идва под формата на възрастна жена, която пее в стая, пълна с хора: Едва изречена дума резонира с разказа, нито има по-нататъшното характеризиране е предадено - и все пак то напоява останалата част от филма с неизбежна жизненост, която толкова вълнуващо се извива под тежестта на мъката и отчаянието, пред които са изправени свещениците и техните ученици. Подценявано и примамливо, смирението му е на върха на легендарното италианско-американско режисьорско произведение за мен всеки ден.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Веднага затруднявайки нещата, Отиди Отиди втори път Дева удря 65-минутното си изпълнение с една от няколкото неудобни сцени на изнасилване. Оформянето на разказ от безразличната връзка на страдащото младо момиче с също толкова младежки, обезпокоен убиец, който наблюдаваше отдалеч краткия, но жизненоважен опус на режисьора Коджи Вакамацу, се определя, като никога не прикачва конвенцията на разказа към сдвояването. Оставен на собствените си намерения, откровения и разговори, филмът използва изненадващо своя изключително нисък бюджет с често ефективен състав в характера на японската Нова вълна, както и конфронтационно изображение на сексуално насилие, много по-ангажиращо, плътно и предсказуемо от Нагиса Скандалната художествена грешка от 1976 г. на Ошима (и това щедро се изразява) В царството на сетивата .

79. Грешниците на ада (1960)

Отбелязан от по-малко интуитивен сценарий и неясен сюжет, Грешниците на ада все още успява да определи мястото си в този списък заради иначе изключителния си контрол върху изкуството. Всяка рамка е потопена в тъмно осветление и оцветена с мътна цветна палитра, от време на време прекъсвана от пронизващи червени пробождания, които служат като фин напомняне за агонията, която предстои. Ще видиш, Джигоку е игра на изчакване: Филм, който определя времето си в монотонния реален свят, преди да се потопи в Ада. Отличната начална сцена дава на зрителите полъх на кръв, който колебливо се мъчи във всяка друга сцена, докато най-накрая ни е позволено да изживеем Тартар за себе си: Кавалкада от зашеметяващи декори, великолепни цветове, прекомерни екстри и истинска паника, тъй като героите получават време да съзерцават последиците от своите действия. Макар и досадно, изплащането ни го възнаграждава с гледане на варанти Грешниците на ада поне веднъж - за малко в киното съвпада със своята вътрешно конфликтна, зловещо безжизнена визия за подземния свят.

78. Двадесет и четири очи (1954)

Следвайки матриархалното място на млада жена начело на клас ученици и неговите последици за околното общество, Twenty-Four Eyes е феминистки текст, в който липсва трансценденталната полова неутралност на нещо толкова майсторско като Jeanne Dielman, но запазва мястото си като важно работа за силно централно представяне от Хидеко Такамине и разказната писта на Тиасос, която се провежда от 1928 до 1946 г. в широко проучване на вътрешната политика и напредъка на възприятието през годините от мир до военно време.

77. Г-н Thankyou (1936)

Тактичната медитация на Хироши Шимизу върху нашето взаимодействие, Г-н Благодарности следва група хора в автобус и изследва всякакъв емоционален характер по време на едночасовото пътуване до тяхната дестинация (за щастие се отклонява от автобусното шофиране, което би завършило далеч по-малко гладко малко по-късно в този списък). Това е очарователен портрет на поезията в ежедневието, който се издига над толкова много повърхностно амбициозни филми в този списък заради способността му да седи и да говори малко повече от 60 минути, без да пропусне нито един ритъм. Малко малко съкровище.

76. Улицата на срама (1956)

Разхождайки се на ръба на опус, Kenji Mizoguchi’s Улица на срама е една от най-големите лебедови песни - тази, която черпи от целия кинематографичен опит на човека до момента в кариерата му и го сглобява в своевременна, характерно внимателна и забележително човешка работа. Живеейки в блудница по време на здрача на законността на проституцията в Япония, Мизогучи изгражда красиво движещ се гоблен на конфликт и очевидна „аморалност“, като се има предвид истинското му лице, което пронизва възприятието и ни позволява да видим предразсъдъци от миналото. В днешно време публиката често се наслаждава на явно антигеройски или криминално несъстоятелни герои благодарение на наперен блясък на Добри момчета и други лъвски, често весели садистични изображения на морално несъстоятелни персонажи. През 1956 г., особено по време на правен преход - такъв филм трябва да е бил нечуван. Жените на Улица на срама просто се опитват да живеят - и това е, което прави тежестта им още по-сърцераздирателна.

75. Плаващи плевели (1959)

С право се смята за едно от най-големите постижения на Озу като художник, 1959-те Плаващи плевели проследява пътуваща трупа от изпълнители и семейните проблеми, с които се сблъскват по време на пътуванията си - особено събирането на предварително разделени партии, което заплашва да освободи доходната театрална компания. Той е също толкова мощен, колкото и най-добрите филми на Озу, но тук се споря с известна степен на разказване на истории, по-специално структурата. Провеждан срещу някои от по-късните филми за Озу, които ще срещнем тук, той не може да им държи свещ, но най-малкото е мярка за това колко умел художник е бил, че Плаващи плевели все още успява да пробие топ 75 в светещо тиха, съзерцателна форма. Все още основен.

74. Пасторал: Да умреш на село (1974)

Шуджи Тераяма Пасторален е възвишено упражнение за странност. Би било наивно някой да дублира този конкретен клон на причудливия „сюрреалистичен“, защото Пасторален е далеч по-малко фин от това: Опаковането на краткото му изпълнение, изпълнено с абсурдистка комедия и фантастични образи, които се вписват в паметта, която режисьорът е преживял в бъдещето си. Неразбираемото от подобно вдъхновение е малко в лицето на неговия сюжет и идеи - макар че, както при по-ранната му работа, разпуснатостта на сюжета на Тераяма по никакъв начин не намалява опита, който той се опитва да предостави - и ако неговият магнум опус се опитва да изрази гневът и страстта на разочарован младеж, това е неговото по-лично проследяване: Изследване на увлекателния ум, великолепно фотографиран и топло осъзнат. Лесно е да направите филм странен, но за да подчертаете въздействието, визуалната виртуозност с личността, техниката и режисьорските способности е нещо, което човекът постига тук. Наистина е нещо, което трябва да се види.

73. Perfect Blue (1998)

Определящ вик на талант от аниматора Сатоши Кон, Перфектно синьо намира физичност във вътрешната борба на пенсиониран поп идол, опитващ се да схване новата й идентичност - цялата обгърната от непрекъснато развиващия се тласък на съвременния свят. Визуалната чувствителност на Kon води както до превъзходни, така и до съжаление прекалени кинематографични моменти - но мисля, че опияняващият разказ дизайн Перфектно синьо намира в безмилостността, с която нейният герой се измъчва и по този начин е измъчван, избутва го покрай всякакви режисьорски хълцания. Това е метафизично парче, което си позволява да превърне ужаса в реалност - което разширява границите на традиционните анимирани функции за нещо съвсем по-тъмно и обезпокоително за храбростта си. Въпреки себе си, Кон не се свени от реалността в своето изобразяване на умствена деградация - и това е, което закрепва иначе датираните дилеми на Перфектно синьо до този ден. Увлекателен, често объркващ експеримент с анимация.

72. Тъмната вода (2002)

Директна еволюция на ужасяващото Пръстенът , Hideo Nakata ’s Тъмна вода представлява вторият и може би единственият друг хит на режисьора и този, който успява да донесе стила му още повече. Той е украсен със зрялост, която избягва много J-Horrors, подкрепяйки силата на тази драма с хитро внимание към уравновесеност и прецизност, което по-малките художници биха били напълно неспособни да разберат. Пулсиращото преследване на някаква невидима цел отеква във всяка сцена и превръща неизбежността в оръжие не само на страха, но и на принудата.

71. Юкоко: Обредът на любовта и смъртта (1966)

Юкоко: Обредът на любовта и смъртта е скандален по няколко причини, а именно защото неговият директор Юйко Мишима също се самоуби чрез сепуку след неуспешен военен преврат. Човекът беше в основата на най-добрия филм на Пол Шредер, Живот в четири глави и се центрира като очевидно завладяваща тема тук, използвайки постановката на Но и силна композиция, за да изповяда своето безмълвно послание. Специалните ефекти, предизвикващи скърцане, са изключително впечатляващи за времето си, симулирайки действието на Харакири до стряскащ ефект и създавайки перфектната пунктуация към патриотизма на Мишима. Без предаване.

70. Акира (1988)

Блестяща, завързана с неонова забележителност на японската анимация и нейното проникване на международната централна сцена, Акира бележи революционен момент от анимето и впечатлява и днес с блестящите си цветове, сладък футуризъм и аморфна, отвратителна заглавна героиня, мрачна трансформация. Докато структурата на историята е затрупана със странични бележки и не може да намери ясна посока, в която да процъфтява, изскачащата реализация на Akira’s действието и по-впечатляващите подвизи на анимацията са това, което го прави толкова въздействащ и агресивно ангажиращ - изгарящи екрани с експресивно изработени винетки и превъзхождащи отпуснатата глупост на неговата прогресия за нещо наистина грандиозно. Това е порочно, динамично и мило - достойна класика и стартира в прекрасна епоха на производство на висококачествена анимация.

69. Съдебният изпълнител Саншо (1954)

В този момент трябва да призная: Никога не съм харесвал работата на Кенджи Мизогучи. Въпреки че няколко пъти се опитвах да ми пробия път през снимките му, никога нищо не е останало. Малкото за работата му ме ангажира и това, което има на писмено ниво, изпада в тъпота, след като той така откровено го трансплантира на екрана. Без съмнение в работата на мъжа може да се намери чудо, но то продължава да ме илюстрира. Имайки предвид всичко това, най-малкото намерих някакво утешение в повторното си наблюдение Съдебният изпълнител Саншо за този списък - филм, който преди това ме беше разочаровал от разхищението на толкова мощен материал. Този опит процъфтява в новооткрита оценка на иконоборския подход на Мицогучи, който се чувства вакантно в по-ранната си работа. Той е осеян със силно въздействащи сцени и макар да чувствам, че филмът е около 20 минути прекалено дълъг - и може да се издигне до сферите на майсторството в едно по-лаконично пространство - той поне е направил почвата за легендарния художник в този списък. Може би след години бих поставил работата на Мизогучи по-високо тук - може само да се надяваме.

68. Онибаба (1964)

Първият ни филм от Кането Шиндо, Онибаба върти история за недоверие и измама - две крадливи жени, повлияни от обсебена маска, която скоро търси своя дневен ред. Атмосферата на параноя, която Шиндо развива чрез внимателната си постановка и разтърсваща история, е равносилна на успеха на филма - сплайсинг в нови герои и събития, за да засили чувството на трепет на публиката заедно с това на основните му играчи, за да подхрани уникално паралелна емоционална връзка. Но мисля, че преди всичко това, Onibaba’s трайният статус на класика на японското кино на ужасите произтича от един кадър: Едно изображение, което съдържа толкова много висцерална енергия в своята парализираща неподвижност, че бях физически ошашавен от него - обезсърчен да се впускам отново в Онибаба в страх да не срещнем същото това ужасяващо присъствие. Пред лицето на този, перфектен набор от кадри, останалата част от филма почти бледнее в сравнение: Но да го намалим изцяло би означавало да пропуснем смисъла на такова контролирано натрупване, както и сензационно обработената му кулминация.

67. Sonatine (1993)

Това, което винаги е впечатляващо в работата на Такеши Китано, е начинът, по който той придава лекота дори на най-изтощителните сценарии. Почти липсващите Фойерверки и Насилствено ченге и двамата по някакъв начин споделят своето място в списъка с неговия опус, Сонатин , и всички говорят за популярността му в родна Япония като екранен комик и как тези корени фино се просмукват в кинематографичните му предложения. Всеки кадър, който обитава, блести - въпреки композицията му от тъмни и често брутални сюжетни линии. Играта с нашето възприемане на човешкия морал и симпатичност толкова ловко е това, което прави Китано толкова завладяваща фигура, колкото се появява от японското кино през последните няколко десетилетия - и доказва, както беше толкова добре казано от Роджър Еберт, след като видях Сонатин , че проучванията за груби престъпления не трябва да жертват дълбочина за ангажираност а-ла Тарантино с неговите повърхностни монолози и „характеристика“ на мундщука. Китано може и двете.

66. Демони (1971)

Водният знак New Wave Тошио Мацумото зашемети 2 години преди това с изискания си Погребален парад на розите и 71’s demons поддържа сензорния си инерция с ярко заснет нощен пейзаж, който потапя всяко изображение в пълна тъмнина - само места и играчи, осветени в кошмарния мрак. Други режисьори са експериментирали с тази техника, може би най-ранният забележителен пример с разпита на Луис Мале в Асансьор на бесилката - но малцина са го подтикнали към такива инвазивни ефекти - всеки кадър е предизвикан с обширно чувство на страх и, най-важното, отчаяние. Колкото и близо да се приближават нейните герои да избягат от свръхестествените си нападатели - нищо никога не е в безопасност. Това, очевидно, е примерен екзистенциален ужас.

65. Все още ходене (2008)

Мисля, че извисяващата се сянка на Ясуджиро Озу може да хвърли значителна сянка върху всеки драматичен режисьор, а високо цененият Хирокадзу Кореда е може би главен сред страдащите. Човекът се опитва да избегне сравнението, като оприличава работата си на тази на Кен Лоуч, по-скоро от японската легенда, но подобно подобие е неизбежно и подчертава няколко недостатъка в метода на Кореда. Озу ви кани да седнете с неговите герои и постепенно разгадава смисъла на историята, докато Корееда поставя камерата си в същата стая като драмата и просто мълчаливо наблюдава. Неговият стил е много по-малко пряк, напомнящ донякъде на техниката на тайванския майстор Hsiao-Hsien Hou, но все още още по-откъснат.

Имайки предвид всичко това, отказът на Кореда да се натрапва обаче води до някои силно интимни моменти по-късно по линията - където той започва да цъфти, докато героите ни позволяват да преодолеем шестте степени на разделяне между техния свят и нашия. Нещо толкова просто, колкото човек, приближаващ се до пиано, изключителна неравномерност във фокуса, подчертаваща важността на сцената, върши чудеса, като дава на публиката малки, вълнуващи погледи в съзнанието на героите му. Наистина Все още върви е бастион на надеждата, насърчаващ създателите на филми от съвременна Япония да попаднат в кръга на семейната драма и да се стремят да я пропият със същата принуда и въздействие, както художниците като Озу и Нарусе преди всички тези години. С режисьори като Сион Соно на сцената, това е подарък, че хора като Хирокадзу Кореда все още са на брега над осеяния подбедра и ни дават нещо толкова тихо и завладяващо в своя портрет на крайградския живот.

64. Изповеди сред актрисите (1971)

Брутално честен, характерно отворен филм, който не се различава от непримиримата инквизиция на Зимна светлина - Йошишиге Йошида Изповеди сред актрисите следва травмите, които накараха три жени да се отдадат на своя занаят - първият цветен филм на режисьора и, завладяващо: Един, който в този нов, зачервен богат цвят отнема голяма част от екстремната му оперативна работа за сиво, голо преследване на истината и въздействието му върху тези хора. Откровението е по свой начин форма на изцеление - и на Киджу Йошида Изповеди сред актрисите работи чудесно като дебат по тази идея.

63. Баладата за Нараяма (1984)

Баладата за Нараяма представлява може би най-известният филм на Шохей Имамура, сам по себе си римейк на еднакво почитана класика. Това, което отличава парчето на Имамура, е неговият тактилен подход към човешките действия, очарован от мрачните реакции и мутиралите психики, голяма емоционална сила на мъжа или жената. По-ранните му филми са се справяли с такива теми много по-добре, но смятам, че това не изключва Баладата за Нараяма от висок стоеж сред тях. Нейната позната фолклорна приказка е също толкова внимателно изследване на човешкото поведение и макар да му липсва заболеваемостта, която е накарала работата му от 60-те години - Шохей Имамура все още дарява задоволително състрадателно, истинско произведение на изкуството.

62. Мандара (1971)

Мандара е по свой начин един от най-завладяващите кино филми в началото на седемдесетте. Предизвикателна, но универсално възнаграждаваща в темата, фотографията и поразителното настроение, което създава - това е неимоверно странно произведение, което може би щеше да проникне в горните етажи на този списък, ако имах време да се потопя по-дълбоко в неговия богато странен свят. Достатъчно е да се каже: Този малко виждан скъпоценен камък на Нова вълна е абсолютно задължителен.

61. Приказката за принцеса Кагуя (2012)

Завръщането на формата на почтения Исао Такахата през 2012 г. след зашеметяването от 1988 г. Гробът на светулките , Приказката за принцеса Кагуя е просто прекрасна. Семейна басня, подходяща за всяка възраст, нейният абсолютно красив стил на анимация се връща към класическите дизайни, изрисувани в одеяло от бяло - идеал за връщане към основите, който вдъхновява свойства в повече от една среда оттогава. Дългоосезаемата естетическа сила на Кагуя не е засенчен от историята - но светещата му кинематографична принуда все още е неизбежно опияняваща от началото до края и изисква внимание от всеки почитател на анимацията.

60. Вашето име (2016)

Най-новият филм в този списък, миналогодишен Твоето име е откровение. Популярното кино в Америка често може да бъде толкова безжизнено и цинично, дори неговата независима сцена започва да се привлича от слава повече от художествени заслуги (да не дискредитира очевидните изключения от това нарастващо наблюдение). Казвам всичко това, защото след изучаването на съвременни японски издания за този списък е вълнуващо да има филм толкова прекрасен, колкото Твоето име бъдете толкова успешни в масовия поток, колкото беше. Оттогава Япония е затрупана и надарена с множество анимирани функции Акира през 1988 г. и докато грубите често затрупват диамантите под него - филм, който този силен проби с лекота. Без въведение или коментар просто вижте Твоето име . Това е нещо със сърце и честни намерения, от което всички бихме могли да вземем урок от днес.

59. Наусикай от долината на вятъра (1984)

Наусикая от долината на вятъра е ранен бастион на анимационния титан Хайо Миядзаки, възвишеното умение на художник. Разказът на истории е изискан - изграждане на някакво мрачно апокалиптично бъдеще, сякаш в нашия собствен свят със свобода на насочване и великолепна реализация на уникалната флора и фауна на земята - всички населени с разнообразен състав от самотни души, които изразяват пълзящото признание на нежеланото си света чудесно. Първото от много истински сърдечни, оригинални и сладко вдъхновени произведения на Миядзаки.

58. Да танцуваме ли? (1996)

Мисля, че това, което разделя Ще танцуваме ли? от всеки друг „утвърждаващ живот“ поглед е колко сериозен е той. Собственият трактат на Акира Куросава за изпълнението (или ужасяваща липса на такова) през Икиру е рязък контраст с безвредния чар тук - този, който покълва естествено и се вмъква в сърцата ни, вместо да си пробива път чрез цинично задвижвани сюжетни точки. Това е прекрасен филм - този, който е получил толкова висока позиция за това колко радостно правдоподобна е историята му и колко удобен е режисьорът Йошикадзу Суо с продукта си. Удоволствие.

57. Акицу Спрингс (1962)

Големият пробив на Киджу Йошида, Акицу Спрингс представлява зората на нещо специално в сферите на японската Нова вълна. Още през 1962 г. Йошида успя да насочи психосексуалния фокус на много японски филми по онова време и да забие вътрешната му дълбочина с безупречна точност - очарование, което той ще продължи да изостря с течение на времето. Поредица от подобни фантастични последващи действия го затвърдиха като ключов член на движението, но за мен е така Акицу Спрингс който е най-силен като притежател на неговия кинематографичен гений.

56. Съпруга изповядва (1961)

Първият ни филм с любезното съдействие на плодотворния Ясузо Масумура, 1961 г. Съпруга признава е коронно постижение на ранната японска Нова вълна. Следвайки жена, обвинена в предполагаемо случайната смърт на съпруга си, тя улавя вълните на агресия, цинизъм и отклонение, характерни за по-тъмната страна на японското кино по онова време - освен без нито едно от често кървавите, брутални насилия. Това, което имаме тук, е насилие върху мисленето, изстреляно чрез гласове, бодливи от горчивина и наблюдавани от погледите, които прикриват някакъв беден случай, затворен доживот, за да сравнят собствената си мизерия. Това е забулената заболеваемост от Съпруга признава което дава сериозен щрак на социалната му захапка.

55. Дълбоки желания на боговете (1968)

Най-дългият филм на Шохей Имамура, Дълбоки желания на боговете също е може би филмът, който най-пълно илюстрира неговия стил. Следвайки напрегнатата динамика на изолирана колония и процъфтяващата романтика, която разцъфтява след нея, леко отклоняващата се посока и проникващ блясък на почти журналистическа почтеност дава увлекателен документ за родния живот, любовта и как сме неразривно привлечени от нашите собствени желания - било то чрез съзнателно споделен първичен нагон или някакъв нематериален имплант, изпратен направо отгоре. В крайна сметка основният въпрос към Имамура към мен беше труден за управление: По-лесно ли е да приемем, че нашите богове са жестоки или че ние сме?

54. Човешкото състояние, част 1: Няма по-голяма любов (1959)

Първият в епична трилогия на филми, Човешкото състояние, част 1: Няма по-голяма любов е филм, който ще създаде прецеденти за последващите му действия - списък както на силните, така и на слабите страни, режисьорът Масакай Кобаяши ще има време да се учи само отзад, като никога не изяснява идеалния баланс за изключително амбициозната си творба. Няма по-голяма любов включва няколко безсмъртни моменти, най-вече сцена на екзекуция, която продължава 10 минути и вижда кипящия гняв на потиснатия манчжурски балон отвъд страха, който всички оръжия и бодлива тел вдъхновяват за нещо особено резонансно и до днес - както и края на дъга за няколко знака. Това е прекалено дълъг, пренаситен и в крайна сметка неефективен филм & hellip; но това е и майсторски обработено изследване на жертвите от войната. Неуравновесен до крайност, Човешкото състояние Първата глава открива достатъчно солидна основа, за да създаде филм, който не може да бъде изпълним или изключителен: Но все пак повече от достатъчно достоен да се включи в топ 60 тук.

53. Изхвърлете книгите си, Рали по улиците (1971)

Изхвърлете книгите си, „Рали по улиците“ е прилив на кръв към главата. Жива, безразлична подредба на несвързани винетки, рисуващи жива картина на откъсването на японската младеж от старите ценности. Отхвърляне на формализма за нещо съвсем модерно, футуристично - нарязано на парчета и все пак напълно удобно в собствената си неразбираемост. Творческият характер на индустрията се проявява в съзнанието на младите, което води до стряскащи, примамливи и често зашеметяващи партидни сцени. Малко филми дори от японската Нова вълна могат да запалят същия този строго бунтовен огън.

52. Червеният ангел (1966)

Масово плодовитият майстор Ясузо Масумура е работил по колосални 33 филма точно през 60-те години на миналия век - и един от най-важните моменти в набъбващото му творчество е възвишеният Червен ангел от 1966 г. Съсредоточен върху романтично ангажирана млада медицинска сестра, която е вкарана във война, Червеният ангел развива своя изтощителен свят изключително добре: започвайки от легиони ветерани, сплетени с белези и изпръскани със собствена кръв и пот на операционната маса в мърляв, изоставен комплекс - всички преди най-накрая да бъде хвърлен в тигела на този смъртоносен конфликт. Осезаемият страх е белег на пищно импресионистичния край на Масумура - и го бележи като определящ, тъжно засенчен глас на националното кино през 60-те години.

51. Човекът без карта (1968)

Скръбно наблюдавано влизане от безупречното творчество на Хироши Тешигахара, прилежно засенчено от извисяващото се произведение от '62 до '66, 1968 г. Човекът без карта вижда строго иконоборческия режисьорски преход от ярък монохромен към примамлива цветна фотография: Взирайки се в разтегнатия лабиринт на индустриална Япония с мрачна, някак скучна палитра, която толкова богато отразява неудовлетвореното желание на главния герой за отговори. Човекът без карта тече в реки на съмнения и объркване, кацайки своя детектив в дълбока вода за най-малките набези и рядко му позволявайки да вдиша за секунда и да вземе необятното от всичко.

Тешигахара игриво урбанизира мъчителното преследване на главните си герои със свят, който отрича катарзиса на всяка крачка, коментирайки непрекъснатата несигурност на съвременния живот с дяволска прецизност. Той изоставя нюансираната свръхестественост и сюрреализма на по-ранната си работа за далеч по-обосновано парче, което в резултат може би е дори по-страшно от сизифовата агония на Жена в дюните или Pitfall’s немислим, безчувствен напредък на смъртта. Човекът без карта ни удря по домашната ни трева и затова е толкова объркващо - толкова обезпокояващо - и защо остава толкова жизненоважна част от киното и до днес.

50. Жената от насекоми (1963)

Четвъртият ни филм досега от почитания майстор Шохей Имамура, малко по-уважаваната страна на по-опасно прекалената монета на Нагиса Ошима, Жената насекомо е примерно представяне на това защо визията на Имамура за сексуалната политика винаги е била много по-завладяваща от тази на спорния му съвременник. Това е филм с разкошен визуален контрол: Вдъхване на образите му със смисъл и тежест, както и вкусна естетическа сила, която кърви толкова много смисъл в едноцветен - Ежедневието на жената, обгърнато от гъмжащо море от черно и бяло, което се превръща толкова в мистерия, колкото в Tetsuo: Железният човек . Неговата зловещо прозорлива начална сцена, макар и проста, пришива семената на клетката на Кафкан Томе (изиграна прекрасно от заслужено почитания Сачико Хидари) е поставена в и намеква за чудовищните последици от порочните заглавия на Имамура. Гледането е трудно, най-малкото подпомогнато от проблемите на Имамура с темпото, но остава наистина жизненоважно кино през цялото време.

49. Пулс (2001)

Кийоши Куросава непрекъснато удря над класа си под тежестта на познатия си съименник с фантастична поредица от зловещи усилия - но никой не е засенчил непреодолимата вакантна позиция от 2001 г. Натиснете . Капейки от страх и използвайки силно навременните технологични препоръки, без да разчитате на тях до такава степен, че да остарява картината, Натиснете е изключително страховито възприемане на съвременното преследване, което използва далеч по-ефективно познатото лице на духовете на Юрей, отколкото много по-известни изображения на бледоликите сталкери.

48. Битки без чест или хуманност (1973 & hellip; 1975)

Многосерийната престъпна антология на Кинджи Фукасаку е Кръстник вдигнат на всяко лекарство под изгряващото слънце. Освободен от често властващия структурализъм на перфекционистичната пиеса на Копола, Фукасаку заснема насилието като джаз, докато следва управляващо престъпно семейство през годините - Често се гмурва в безвъзмездни хиперстилизирани ъгли и редактира, за да осигури неизбежния ефект на кинетичния си монтаж. Макар да му липсва сложно развитие на характера, тематична резолюция или дори основен вкус - в него има нещо толкова вълнуващо живо Битки без чест или хуманност че не мога да не го обичам. Всеки филм добавя към последния и колективно представлява зенит за популисткото криминално кино през 70-те години в Япония. Малко би могло някога да се доближи.

47. Куайдан (1964)

Характерно добре изработената антология на Horror на Masakai Kobayashi, Kwaidan е вълнуващо гмуркане в мистерията и злобата на остарелите японски басни, средновековните корени на разнообразния състав на J-Horror от гадни привидения и неизбежни проклятия. Безмилостната липса на милост или отдих, вездесъща в процъфтяващата сцена на ужасите в Япония, е докосната от ръката на майстор тук, което води до визуално разкошен скъпоценен камък, който успява да вдъхне тревожен нов живот на иначе датирани истории. Без сянка на съмнение е най-добрата антология на ужасите, създавана някога: с неразредения глас на изискан режисьор, звучащ силно и ясно, че J-Horror е нещо, от което трябва да се страхуваме. Десетилетия по-късно все още сме в капан в неговото отвратително схващане.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

Огромният парче гений на поп арт на пламенния Maverick Seujin Suzuki, Токио Drifter излиза като фойерверк и придава повече на стиловия си ръб, отколкото дори Куентин Тарантино и Мартин Скорсезе могат да твърдят днес. Огненото влияние на филма отбелязва по-специално редактирането и подхода им към действие - не е различно от начина, по който Goddard е безкрайно прекомерен Без дъх продължава да оформя начина, по който изрязваме. В много по-малка степен произведението на Сузуки се заплъзва в толкова много кадри на съвременното криминално кино - но това е по-силният пример за стил, избавящ всички нужди от същество: Неговата пушка се разнася като фойерверк с макаронени неонови ефекти, пламтящи пурпурна слава с всяка градушка на стрелба. Направен от майстор-хореограф в горната част на играта си- Токио Drifter е пулп киното в най-вълнуващото си най-добро състояние. Електрически и все още голям варел забавление.

45. Гробът на светулките (1988)

На повърхността, обратна на универсалните публични басни на Хайо Миядзаки, почитаемата икона на Гиблиан Исао Такахата Гробът на светулките стои като една от най-аплодираните анимации, правени някога - издигаща се с емоционална тежест, породена от майсторското му използване на средата. Пример: Гробът на светулките не би било толкова универсално оценено или дори забележително, ако трябваше да се справи с споменатата история в сферата на реалността. Обективът на Такахата обаче е изтеглен. Неговите образи са инжектирани с елегантност и невинност, показателни за детството - такъв, който перфектно комплиментира тежкото положение на неговите герои. Докато за някои съм сигурен, че се появява като превключвател, малко филми са използвали толкова умело анимационното изкуство, за да подчертаят изящно силата на своето послание. Осакатяващо антивоенно, изразително елегичните визуални ефекти на Такахата започват да се сблъскват с преобладаващо тъжната настройка на историята: оставяйки полъх на цинизъм да избяга от херметичната си естетическа крепост, макар че това няма голямо значение. Гробът на светулките е преследващо и често красиво преживяване във военно време.

44. Самурайската трилогия (1954-55-56)

Изящна ивица от развълнувани забавления, вкусно привлекателната популистка поредица на режисьора Хироши Инагаки е забележителност в създаването на екшън-приключенски филми - и вероятно е най-добрата трилогия, за да украси поджанра. Водени от неизменно стерлинг спектакъл на Toshiro Mifune и осеян с малки зрители на зрялост, най-вече в края на първия филм, сравнително необичайните и некомплексни разкази на Inagaki са насочени към толкова остро и вълнуващо схващане за кинематографичните действия, колкото през 1950-те трябва да предложи. Движението му на камерата е вълнуващо, насочващо актьорите със свирепост и енергичност, което помага на трилогията за преодоляване на нейните разказващи сухи заклинания с добавяне на вълнуваща последователност на мечове. Това не е нищо особено на драматичен фронт, но може да се похвали с достатъчно страст към занаята и изненадваща душевност в успехите му, за да гарантира толкова високо място. Жизненоважно гледане за феновете на приключенското кино.

43. Бирманската арфа (1956)

Пробивът на Кон Ичикава за японски войник, който се промъква в страната, която някога е окупирал, и се опитва да намери мир в болката от следвоенния свят, Бирманската арфа е направил разбираема критика за честото си откровено изобразяване на войната: Повече танцуващи взводове и лесни движения със сюжетни точки, отколкото пълно, увлекателно отнемане на времето. Парадоксално, но мисля, че това помага Бирманската арфа преодоляването на тези проблеми е сърцето зад тях. Въпреки обилно контролираното си разказване на истории, Ичикава тъче красиви образи по време на филма, като заснема всяка сцена в поне една рамкирана таблица, която, като същевременно допринася за статичната софоморичност на неговата посока, успява ефективно да предаде настроението - най-вече в последователност, в която движената от смъртта войниците са изсечени от минохвъргачки и нашият герой се събужда сред кърваво море от трупове: С вдъхновени изстрели, по-близки до зашеметяващо стегнатия състав на Рембранд, отколкото всяка редовна военновременна афера. Неговата опростена в известен смисъл, но неговата слабост никога не засенчва колективното въздействие, което осветяващата фотография и твърдото смирение на Ичикава създава.

42. Страница на лудостта (1926)

Най-ранното парче в този списък, Страница на лудостта е основна част от мълчаливото японско кино с неговия звучащ естетически глас: Парче, което е информирало за безумието и настръхналата творческа искра, която подхранва най-чудните произведения на техния бранш дори и днес. В неговия портрет на убежище липсва нюанс или дълбочина на нещо подобно Titucut Follies или дори човечността на Един прелетя над кукувиче гнездо във фиктивна форма - обаче трансцендентният поход от този етап от 1926 г. е разширена оценка на японското предвоенно кино извън драматични титани като Озу, Мизогучи, Яманака и Шимидзу. Това, което имаме тук, е източник на все още течащата им река от кинематографично предизвикателни, стилистично провокативни и умишлено опасни произведения, което е още по-очарователно с тази гама от трагични художници в ума.

41. Скритата крепост (1959)

Прословутият малък франчайз на Джордж Лукас „Междузвездни войни“ е построен на гърба на „Скритата крепост“, като „Нова надежда“ открадва всичко, но се урежда от тази изключителна приключенска приказка. Срамота е да видим, че този „неофициален римейк“ се измъква с убийство, смазвайки движението на Куросава под тежестта на колосалните му последователи - защото „Скритата крепост“ е далеч по-достоен класически филм, отколкото сериалът на Лукас някога би могъл да твърди, че е. Снабден с вълнуващо действие, весела характеристика и силен визуален нюх, обичайни дори за най-средните усилия на Акира Куросава. Имайки предвид всичко това, аз не пренебрегвам „Междузвездни войни“ за това - просто пожелавам брилянтното произведение на Куросава да се проведе на същия дъх.

40. Човешкото състояние pt 2: Пътят към вечността (1960)

Ухапаното от битката парче от епичната трилогия на Масакай Кобаяши, Пътят към вечността служи като значителна японска военновременна епопея, която може да оспори всеки Спасяването на редник Райън , ако не чак толкова опасно, колкото нещо като Сам Фулър Големият червен или дори Стоманен шлем . Той запазва разхвърляната етична мания на Човешкото състояние, част 1: Няма по-голяма любов но успява да го надгради с висцерален боен опит и премерен, последователен подход към неговите герои, подчертан от техния живот и смърт в смъртоносна част от човешката история. Както при всеки следващ сегмент, Човешкото състояние се приближава все по-близо до постигането на своя съименник и докато част 2 не осъзнава тази амбиция - поне се опитва. Повече, отколкото можем да кажем за повечето филми на времето.

39. Героично чистилище (1970)

Веднага неразбираемо, изразително и объркващо визуално: Героично чистилище е перфектен буквар за изключителната филмография на Yoshishige Yoshida. Неговата великолепна извънземна естетика често дезориентира - всеки изстрел огъва връзката ни с пространството, всеки отрязък фрагментира времето, което не се различава от вдъхновения от френетичната памет разказ на Ален Ресне - и с пълна честност, създавайки сюжета на Героично чистилище по-специално наистина трудно да се следват и разбират. Неговата фрагментирана техника на разказване на истории още повече натоварва желанието на по-малко отворената аудитория за изцяло сплотено повествователно преживяване, но неопределимите наслади, които се крият в изкривения свят на Йошида, оправдават техния прецедент пред строго структурирани сюжетни линии. Да се ​​опише Героично чистилище би било невъзможно. Да не го препоръчваме само поради собствената си невъзможност - би било престъпление.

38. Намерения за убийство (1964)

Мрачният триптих на Шохей Имамура Прасета и бойни кораби, намерения за убийство и Порнографите удари своя безспорен връх в мъртвия център с филм, който наблюдава с опасни детайли тежкото положение на жена, която флиртува между унизителни отношения със съпруга си и засегната афера с изнасилвача си. Първата среща на последния и сцената, която го следва директно, са красиво лаконични примери за това колко възвишено грозни могат да бъдат световете на Имамура - и как човешкият контакт често може да доведе героите му до крайности, които мнозина могат да се опитат да дискредитират като неприемливи. Всъщност, Намерения на Murder’s жестоко, но честно изследване на потисничеството и някаква болна свобода чрез плътски израз успява да отрази също толкова точен портрет на всеки един от нас в същата ситуация, както и най-добрите му филми.

37. Убийство (1964)

Годината за двойно освобождаване на Масахиро Шинода през 1964 г. очаквано видя два от най-добрите филми, които страната все още е произвела, последният от които беше Атентат . Ярък пример за комфорт в мащаба, Атентат изтъква тематично не амбициозна драма, която извлича достатъчно от своята проста история, за да бъде разглеждана сред по-фините филми в този списък: Толкова великолепно осветена и снимана, колкото всеки филм от средата на 60-те с екшън, толкова точен и мощен, колкото бихте очаквали от конюшните на Шинода. Това е недооценена имитация на психическото състояние, тъй като дивите слухове за целта са унищожени и потушени навсякъде, образувайки разказ, който се наслаждава в моментите на непредсказуема неразбираемост - бързо превключване от реалността към миналото, за да остави както публиката, така и няколко опасения за потенциални групи убийци на ръба на бръснача за триумфална победа и сигурно смъртоносно поражение.

36. Голият остров (1960)

Стоичното изследване на Кането Шиндо за спокоен селски живот, Голият остров не съдържа почти никакъв разговорен диалог - премествайки фокуса изцяло върху неговите образи, за да разкаже своята история или, по-точно, да създаде своето _чувствие_. Иконоборческият подход на Шиндо към създаването на филми води до някои красиво резонансни снимки през цялата му филмография, но докато образите на Онибаба и Куронеко засилват разказа си в малки джобове на визуално вдъхновение - Голият остров е 96 минути от съществена фотография. Той се тъче по начин, който би накарал Бергман да се изчерви, култивирайки настроение и му позволявайки да цъфти в нещо универсално и въздействащо. Спокойствието и скръбта малкото семейство на островитяните на Кането се сблъскват всеки ден, почти като странно оптимистична обратна на Торинския кон на Бела Тар. Това, което му липсва в съкрушителната сила на този филм, вместо това се превръща в ритуално честване на човешката издръжливост и естествената красота, която подобни усилия могат да дадат. Привлекателно, просветляващо и невъзможно поглъщащо малко преживяване.

35. Марка за убиване (1967)

Ако гореспоменатият Sejiun Suzuki ще достигне стилистичния си връх с 1966-те Токио Drifter , филм, толкова хулен от продуцентите му, че те проклинаха последващите му снимки, за да ограничат бюджета и отнеха всеки шанс той да използва цвят, след което Марка за убиване ще се превърне в неговия творчески зенит - и перфектен пример за изкуство чрез несгоди. Наелектризиращият магнум мъж, Марка за убиване следва поръчан убиец, опитващ се да илюстрира още по-смъртоносен убиец, докато си пробива път през легиони маниаци и мълниеносен романс. Неговият вечно остър, без да губи своята пясъчност, неусетно достига до по-драматично амбициозна територия и все още успява да събере настройки, пълни с безлики лоши злини, за да може нашият анти-герой да стреля на тълпи. Марка на Kill’s стил, който все още успява да търси смисъл, без значение от резултата, е това, което го маркира над останалата част от пакета.

34. Мечът на гибелта (1966)

Стилният пилот на екшън маестро Кихачи Окамото за тъжно отменена трилогия „Мечът на обречеността“ е най-добрата кинематографична катарзис. Това е експертно хореографиран показ на дяволски мечове, докато водещата легенда Тацуя Накадай се изправя срещу Тоширо Мифуне и безкрайна орда от безименни мошеници, които са склонни да демонстрират колко смъртоносно може да бъде титулярното оръжие. Десетки падат пред острието, най-вече в великолепната неразрешена нерешена финална сцена на филма и макар че отдадеността на разказването на истории и характерът е допирателна в най-добрия случай - атмосферата и режисьорската бравада го спасяват да се превърне в поредната макара за акценти. Добре си струва да се види до горчивия, кървав край.

33. Хаусу (1977)

Колкото и да е висок комплимент, колкото някой може да плати един странен филм, той остава странен. Много от нас са нарекли нещо странно, защото сме непосветени - само за да открием, че предполагаемата странност избледнява в сравнение с по-късните кинематографични открития. Такъв е пътят на нашия път през филма - както и това е един много дългосрочен начин да се заяви това Хаусу е напълно психически. Непрекъснато обезсърчен от понякога вдъхновен, често настъргващ, но винаги безумен резултат на фона и изпълнен със сцени на ученички, които се бият с обсебени дини, изядени от пиана-убийци и избягвайки от отвратителен фантомен котешки ад, склонен да проклина всяка душа, която прекрачи прага му По принцип е така Джу-он но със самосъзнанието и шеметната креативност, за да измине целия път само в стила - предшествайки историята на фона на митовете, която толкова често изпъква истории за обитавани от духове къщи с абсолютна отдаденост на шеметна изкусност. Полученото преживяване е великолепна доменна пещ на забавлението.

32. Икиру (1951)

Известният портрет на Акира Куросава за старост, Икиру работи като убеден паралел на собствената работа на Озу върху хората през зимните им години - губи минималистичната си насока за далеч по-директната, интензивна работа на Куросава. Резултатът е пълен: Няколко сцени облизват с кинетична обратна връзка само чрез силата на техните изображения и тишината или вълните от звука, които ги придружават. Мисля, че гласът на Куросава допринася малко за изключително силния канон на киното за стареенето и като цяло не успява да достигне откровените висоти на Диви ягоди или Животът и смъртта на полк. Blimp въпреки сравнителната им липса на кинематографична непосредственост - обаче нищо от това не намалява зашеметяващия резонанс на работата на AK тук.

31. Слепият звяр (1969)

Несравнимо изследване на чувствеността и физическата същност, Слепият звяр проследява връзката между сляп мъж и жена, която той отвежда в плен, хванат в трудоемко проектиран лабиринт, покрит със скулптури от човешката форма - със стени, покрити с очи и устни, докато подът е в мрежа с невъзможна плетеница от крайници. Това е сюрреалност и интригуваща предпоставка не са прозорци към някоя наистина плътна тематична основа, въпреки че режисьорът Ясузо Масумура успява да екстериализира връзката на похотта с копнеж далеч по-добре от постоянния ръб на провала, който Нагиса Ошима толкова често се подхлъзва и нарязва. За по-съзерцателни парчета за сексуалността Йошишиге Йошида е основен художник, но да се отрече изцяло уникалната визия на Масумура тук би било престъпно - независимо от липсващата му същност. Вместо това той изпълва филма си с великолепни декори и болезнени чувства, които ноктите на героите. На стилистичен фронт, Слепият звяр абсолютно се издига.

30. Човешкото състояние, т. 3: Молитва на войника (1961)

Разрушително мощното заключение на Масакай Кобаяши към неговата десетчасова трилогия, Човешкото състояние, част 3: Молитва на войника служи като кулминация на всичко, което Кобаяши е развивал през цялото време, равни части са въздействащи и свръхестествени - както при останалите парчета. Срамно е, че поредицата никога не е преодоляла вялата дължина на книгата, нито принудителният хуманизъм, който понякога може да зашемети иначе силната форма на нейния режисьор: Въпреки това без тези неподвижни моменти никога не бихме получили огромна колекция от красиво реализирани сцени, които биха могли да направят шедьовър сами. A Soldier’s Prayer не е по-деликатен от своите предшественици, но усещането за завършек виси над творчеството на Кобаяши като уморена зора, желаеща да приеме новия ден с обновени запаси в японската филмова индустрия. Както извисяващият се триумф на епичното кино, така и по-важното, тази последна стъпка през вратата на славата, която предостави на Кобаяши богата артистична свобода за следващото десетилетие. Резултатът е, както ще видим, повече от струващ няколко часа практика & hellip;

29. Двойно самоубийство (1969)

Тревожно зловещо изследване на творческия процес, Двойно самоубийство вижда дървена куклена пиеса, поставена с намерението на двете си авантюри да се завършат - със сенчести фигури, които се разхождат по сцените, за да прогресират своя макет-разказ. Трескаво страшна приказка, когато фасадата пада надолу и нейните кошмарни кукловоди точно определят следващите си ходове - често преобразявайки декорите заедно с преместващата се камера на Masahiro Shinoda, за да образуват ужасно изкривено усещане за пространство. Извън многостранното си художествено устройство сюжетът на Двойно самоубийство е сравнително конвенционален и не успява да намери някаква дълбока почва - но това е може би това, което гарантира успеха му: внимателното проучване на Шинода в собствения си творчески блок, докато любопитни демонични ръце дърпат краищата на визията му, за да го направят по-прецизно - както и да го извадят от релсите намерения изцяло. Независимо дали са представяне на неговата вътрешна борба или работна сила, режисьорът не успява да координира - двойната надутост на Двойно самоубийство надхвърля посредствената си басня за кинематографично изживяване, заслужаващо първите 50 и повече от пример за колосалните таланти на Масахиро Шинода като режисьор.

28. Пръстен (1998)

Докато донякъде подобни Джу-он задушава се под напрежението на собственото си свободно място, Ringu ’s празнотата е най-смъртоносното му оръжие. Просмукващото се море от тишина на режисьора Хидео Наката прониква и нахлува във всяка преминаваща сцена, като подчертава всеки шум с повишената интензивност на човек, подхранван от страх, пулсиращ от адреналин - без значение колко светска е сцената. И толкова подходящи броячи на звук като звъненето на телефона през тишината с безкомпромисна свирепост. Няма спасение от Пръстенът във всеки ъгъл на ума ви. Без значение къде бягате - веднага след като натиснете играта, вие просто удължавате неизбежното. В крайна сметка, какво може да бъде по-ужасяващо от смъртта, потвърдено от собственото ни неизбежно любопитство?

27. Куронеко (1968)

Кането Шиндо Куронеко се чувства като мехурчест мираж на композиции от филми на ужасите, разпръснати заедно за идеално демонична визия за абсолютен кошмар. Сложната морална дилема, кипяща под повърхността, е нов поглед върху тези неудържими духове, които японските медии на ужасите разчитат от самото начало - създавайки вътрешен разказ, който преодолява грубостта на по-ранните Шинода Онибаба за да образуват нещо специално. Това е съблазнително заснета, естетически ангажираща работа, която преодолява разликата между реалността и зловещата фантазия с ясно състрадателно око - въпреки настръхналия гняв на своите субекти. Не само окончателен филм на J-Horror - но и класика на световната драма в края на шейсетте.

26. Одухотворен (2001)

Анимацията е малко в начина, по който може напълно да се конкурира Одухотворен , поне в творчески смисъл. Филмът е претоварен със зашеметяващо море от уникални дизайни и невероятно изработени герои, които се движат и говорят толкова изразително, колкото и водещите. Детайлната вселена, която Хайо Миядзаки успя да изработи, според мен значително надвишава характерно странното разказване и темпо на работата му - не е различно от Акира в това, че той скача напред и назад в прогресия на произволни интервали, за да извлече материал от друг акт; макар и безразличната опасност Одухотворен се оказва в ни най-малкото ни позволява да се потопим в ярките му творения за малко по-дълго.

25. Смърт от обесване (1968)

Изстрелях дребни малки забележки към аплодирания режисьор Нагиса Ошима в този списък и разбирам инфантилността на такава позиция: Но аз го правя само защото този истински талантлив режисьор толкова често е потънал в обсесивно свръхсексуализирана кинематографична продукция. Сравнително конфронтиращата поредица от ранни работи на Имамура е ефективна в основата на коментара за човешките емоции - но с Ошима остава толкова малко на въображението, че започвам да вярвам, че зад гърба на това няма нищо разочароващо неумела работа. Това е, да се каже, с изключение на блестящо причудливата смърт от обесването през 1968 г. Историята на екзекутиран, който отказва да умре, Ошима използва своята сурова, но въпреки това проницателна леща, за да подчертае множество социални проблеми, правителствени неуспехи и човешки изражения - всичко обгърнато в непрекъснато весела фарсова комедия със самоуверено самосъзнание на режисьора толкова често мръсен, както преди Ошима изглеждаше толкова отдалечен. Не преди и след това той успя да се справи с този вдъхновен изстрел на смъртното наказание, което е жалко - но поне трябва да го видим да се издига поне веднъж.

24. Беглец от миналото (1965)

Tomu Uchida ’s Беглец от миналото е, с една дума: Изключителен. Оцелелите филми на достатъчно компетентния му режисьор са просто несравними с представената тук работа, говорейки на някаква безразлична мълния в бутилка, тъй като Учида е бил надарен с точната история, за да изпълни обещанието си като художник. Беглец от миналото разглежда насилието и самонанесената скръб по начин, по който малко филми могат да измерват и двете спрямо пясъка на времето, докато той се стича, и повече герои се доближават до това да доставят божествено възмездие на нашия герой - уникален предизвикателен герой както за корен, така и против той се опитва да избяга от кървавия път на насилие, който е издълбал през Япония в ранните си години. намирам това Беглец от миналото е толкова изключително мощен и дори евентуално задълбочен в своята резолюция, че не трябва да казвам нищо повече, освен, разбира се, да го видя възможно най-скоро.

23. Pitfall (1962)

Поразителният дебют на Хироши Тешигахара, Подводни камъни съчетава жанровете с увереността и прецизността на остарял майстор - още по-малко режисьор, който досега е работил само с документални филми. Докато той донякъде се мъчи историята му да остане непреодолима през цели 97 минути - какво Подводни камъни офертите надвишават всички проблеми с нейното повествователно изпълнение. Игра с нашето възприемане на реалността чрез смесване на убийци, фантоми и сюрреалистични образи - Подводни камъни често е ужасяващо, тъй като многобройните му герои отчаяно се опитват да отблъснат своя неудържим нападател: Нормален мъж, облечен в бял костюм, размахващ превключвател. Човечността на отвратителния убиец на Тешигахара действа като първият от много социални коментари, които неговите творби правят само в образ - никога не жертва времето или достоверността, за да изтласка точка към дома. Отсъствайки от левите си пристрастия, Подводни камъни запазва силата си като мъчително кинематографично изживяване: Представя няколко шокиращи сцени, които говорят за яснотата и занаята на метода на Тешигахара, докато той инжектира дори най-необичайните моменти с широк спектър от емоции, които така свободно танцуват наоколо - сближаване от хумор до ужас в сърдечен ритъм. Малко дебюти са били толкова щателно запознати с кариерата на своя господар.

22. Токио здрач (1957)

Последният черно-бял филм на Ясуджиро Озу, Токио здрач такси като контекстуална елегия към монохромните излети на човека, както и може би най-мрачната му черта. Забележителното преместване на Озу от собственото му правило от 360 градуса, вместо да седи зад героите, нацупените им лица, заменени с преобладаващо празна, студена коса, е майсторско отклонение от характерното му блокиране и композиция за далеч по-мрачна афера - едно отразяващо неговото неотстъпчиво положение на ключови играчи. Токио здрач взима реплики от холивудския ноар с неговите дълготрайни сенки и кални, несъвършени сцени, за да създаде универсално непримирим, в крайна сметка безцелен кинематографичен свят, който влияе в мрачните си емоционални паралели на нашето общество, а не непропорционална дистопия, която със сигурност би загубила блясъка си във времето. Изключителен, силно скриниран скъпоценен камък.

21. Еврика (2000)

Най-дългият единичен филм в този списък, S’s Еврика се простира за s- и чувствам, че би било непростимо да се разкрие някоя от нейните сюжетни линии. Дори за най-богатата година от последните кино спомени, Еврика все още се нарежда сред най-фините движения на 2000- и наистина на десетилетието като цяло: тържествен, визуално поразителен и уникален & hellip; Японски портрет на скръбта. Само в такава страна такава трезвост и засягаща меланхолия може да се съчетае с тактилен поток хумор, лекомислие и неволно приветстван абсурдизъм - всичко това е вплетено в издигащ се гоблен от човешка емоция, който просто трябва да се види. Не четете никакви конспекти- Не разглеждайте това- Просто вижте Еврика .

20. Отмъщението е мое (1979)

Режисьорът Шохей Имамура е превъзходна фигура на неприлично кино. Неговите тъмни, повредени герои и конфликтно заредени ситуации изразяват безсрамно очарование от поквареността на човешката душа. „Отмъщението е мое“ транспонира разказа на Рюзуо Саки за реалния сериен убиец Акира Нишигучи с мъчителна изтънченост: Представяне на дълбоко насилствено, социопатско и същевременно несъмнено истинско човешко същество с всичките ни идиосинкразии, сплитащи гнездото му на аморално унищожение. Темпото на Имамура наистина се сблъсква с потока, но според мен в този случай историята изисква продължително време на изпълнение и в крайна сметка предоставя уникално метафизично решение на такава брутална работа, призовавайки вятъра и самата земя да дават последната си присъда.

19. Йоджимбо (1961)

В сферата на екшън киното, малко щракания по петите ни харесват Йоджимбо . Привлекателното използване на лайтмотив на Kurosawa ужилва пролетта в стъпките на неговите герои и работи, както при напрежение в шатрата, така и при всеки резултат от Morricone. Поредиците от остри екшъни са донякъде притъпени от небрежния звуков дизайн и оценката на публичния писък - нещо мига като Мечът на обречеността и Атентат нямате проблеми - но това, което дава в замяна, е непрекъснато комедийно представяне на базата на Red Harvest - Mifune се превръща в класически спектакъл, който тече с физическа личност и остроумие, работещ като ключов камък за това, което може би е най-добрият изправен екшън филм, правен някога.

18. Прослушване (1999)

Прослушване е филм с трескаво прецизен контрол на собствения си тон. Иначе удареният и пропуснат Такаши Мийке направи името си на гърба на плодородна, от време на време ползотворна кариера, която даде живот на основни класики като Посетител Q и Око - но малко за неговия режисьорски стил външно предава увереността и острото умение, необходими за изваждането на нещо толкова дързо изкривено като Прослушване . Далеч по-зрял от което и да е от заобикалящите го творби, опусът на Miike изследва една проста предпоставка с брутално ефективно: Замърсяване на всеки нежен момент с пищно мрачна палитра и зловещо крачене, което поставя всяка сцена на ръба на бръснач за нещо, което върви ужасно погрешно. Прослушване представлява хипнотизиращ връх на този безкрайно възхитителен японски комфорт със създаването на жанрови филми: Разгадаването на кристално чистата му загадка до трансцендентално шокиращ ефект. Да видиш, значи да вярваш.

17. Ран (1985)

Най-известната адаптация на Шекспир на Куросава - ако тази, която в съзнанието ми предава твърде много земя на своето вдъхновение. King Lear е безупречно писмено произведение, но на екрана той изостава до бавен шлифовък, който не успява да възвърне зашеметяващото усещане, което е първите 85 минути. От началото до необяснимо дълбоката последователност на обсадата - Ран е шедьовър: Парче кинематографично изкуство, несравнимо в повече от впечатляващото творчество на Куросава - и несъмнено обувка за Топ 10. Но след това майсторски обработено натрупване и изплащане Куросава продължава разказа за крал Лир по начин, който се просмуква заедно досадно - безразличен и плосък, въпреки усилията на перфектно изиграната злодейка Лейди Каеде. Това е истински срам Ран така или иначе пропилява толкова голям потенциал за вярност - но поне пламъкът от първото полувреме изгаря достатъчно ярко, за да осигури мястото си в топ 20.

16. Принцеса Мононоке (1997)

Тъмната фантазия на Хайо Миядзаки никога не е била особено сложна. Всеки филм със съобщение обикновено не успява да го предаде по изтънчен начин и както Орсън Уелс така уместно го каза: „Може да бъде написано на главата на щифт“. Тъпото и нагло послание на Принцеса Мононоке обаче звучи малко по-истински в сърцето, отколкото в ума. Внимателно изграденото разделение на Миядзаки между хора и чудовища води до очарователно сравнение с това как древните са виждали нашия свят - и как неизбежният колапс на техните цивилизации може един ден да отразява нашия собствен. Мистичността и мистичността на нейните герои е ядрото, което позволява Мононоке да надхвърли традиционно безсмислените клопки на филмовите послания - да подхлъзне вездесъщата си линия без дума, като всяко действие му придава гравитация и по този начин засилва кинематографичното въздействие на това, което е на екрана. Показаните тук мутуалистични взаимоотношения говорят за дълбокия талант на Хайо Миядзаки като режисьор и че работата му е повече от ослепителни бунтове.

15. Есенен следобед (1962)

Мисля, че за мен да коментирам Есенен следобед , би било да губя дъх, който вече прекарах, разглеждайки филма, направен от Озу повече от десетилетие преди, който той на практика преправи тук, за да бъде последният му филм. Есенен следобед е също толкова елегичен, фин и меланхоличен - успява да развие няколко концепции, изложени в първия филм, и да ги разшири. Той се отдалечава от някои елементи на оригинала, за да се съсредоточи върху други идеи - позволявайки рядка възможност за велик художник да включи подобни дълбочини в една и съща форма. Озу щеше да прекара цялата си кариера, правейки много подобни филми, но въпреки това успяваше да извлича нови области на човешко взаимодействие всеки път, продуцирайки едни от най-великите филми, правени някога. Оставяйки такова почтено наследство след себе си, човекът можеше да завърши бягането си по какъвто начин иска. Есенен следобед е перфектната близост до блестящото му творчество.

14. Трон на кръвта (1957)

Майсторска адаптация, ако някога е имало такава , Трон на кръвта взема неповторимия Макбет на Шекспир и изковава художествен текст, който стои самостоятелно. Контролираното, опустошително човешко спускане в убийствено безумие на Тоширо Мифуне остава една от най-хубавите роли на човека - а самият Куросава отбелязва филма си с изключителни образи, които почти не са на мястото си с режисьор, който не е свързан с централизирана иконоборческа практика. И все пак това е образността на Трон на кръвта това го прави толкова масивен. Толкова увлекателно и свръхестествено. Климактическата атака вижда един от най-добрите заключения за герои, правени някога до филма, и го циментира като произведение на изкуството, което по някакъв начин заобикаля внушителната сянка на родителската си игра.

13. Токийска история (1953)

Говорейки за забележителности от 50-те години, малко са филмите, които толкова неумолимо изпълняват вашите стремежи като режисьор като Токийска история . Блестящ връх на безупречната филмография на Ясуджиро Озу, винаги в най-добрия си вид, това е филм, който упражнява обезоръжаващо прост кинематографичен език, за да постигне пронизващи, интимни ефекти. Публиката е седнала с героите - тихи воайори на семейство, което бавно изключва постепенно деградиращото по-старо поколение от живота си. Озу позволява глас на всичките си герои, съставя елегантни и въздействащи моменти на откровение и движи камерата си само веднъж за цели 136 минути. Няма обективен „най-велик“ или дори „страхотен“ филм, но на тези от вас, които избират какво да гледат въз основа на такива сайтове, трябва да добавя, че Токийска история е най-високо оценената работа за Rotten Tomatoes, с невероятните 9,7 средни оценки. Достатъчно е да се каже, че е търпелив, рефлексивният поглед върху живота и възрастта е докоснал много неизмеримо много хора и изисква всеки, който чете този списък, да го опита.

12. Пожари в равнината (1959)

От Kon Ichikawa, може би най-завладяващата хуманистична фигура на следвоенното японско кино, Пожари в равнината разказва приказка за един човек, загубен сред загубена битка в разгара на Втората световна война. Това е филм, смел в своята самота - изобразяващ военновременни ситуации във вакантен пейзаж, отсъстващ от живота и гъмжещ от пустота на страха, като всеки ъгъл носи друга одисеева фигура, настроена или да придружава, или да унищожава изветрения ни герой. И както при епичната поема на Омир, схващането на Ичикава върху по-голямата картина създава плътен емоционален свят, в който нашият герой е парче пъзел, което се движи и мотивира от генерали далеч от първите редове. Това е филм, който смърди в собствена изолация, липсва дом и е подтикван към аморални действия от ужаса на оцеляването. Майсторска работа на старомодна, но въпреки това жизненоважна фигура на индустрията през 50-те години.

11. Самурайски бунт (1967)

Ключова сила на драмата на Масакай Кобаяши е, че той позволява да къкри, почти до грешка. Неговите педантични композиции и безупречно синхронизирани действия кръжат все по-силно и по-стегнато около централния конфликт - изстискват на всеки сантиметър дихателна стая, докато не е останало само необходимостта да се действа - основна придобивка за вечно присъстващите идеали за морал на неговите герои. В Въстание на самураите , самият акт е на разположение дори след четене на заглавието, но мъжът играе на него за всяка секунда, която боди публиката с малки ухапвания към първия изваден меч, преди най-накрая да се разреши в горчива, брутална и в крайна сметка кървава афера, която продължава с безпокойството строгостта на Кобаяши пренася толкова добре: Несравнима способност както да конструира крайната неизбежност на ситуацията на неговите герои, така и да съпреживее с тях на всяка крачка. Именно в Самурайския бунт този селективен хуманизъм достига своите най-вълнуващи висоти - и се жени за кулминацията на един от най-великите японски художници.

10. Ерос + клане (1969)

От всички режисьори на Нова вълна, синоним на психосексуалност, никой никога не е отговарял на вълнуващо сигурния лабиринт на дяволското творчество на Йошишиге Йошида. За разлика от тях Ошима и Имамура просто размахват едни и същи теми, едната по-убедителна от другата, като само Киджу успява да пробие същността на тяхното екзистенциално съзерцание с такава изумителна кинематографична бравада. Не-къде е това хипнотизиращо овладяване на психосексуалния разказ и естетиката, които той призовава по-голямо, отколкото в Ерос + клане , Епичната 215-минутна авангардна притча на Йошида, неразбираема еуфория от зрението, звука и осезаемото докосване ...

9. Моят съсед Тоторо (1988)

Проблясвайки с магията на детството, My Neighbor Totoro е безкрайно радостен филм. Едва накрая го открих на 18-годишна възраст, но невероятната красота и способността да се чудя ме поканиха за по-млад ум за пореден път - или може би просто по-малко циничен. Честото тежко бреме на човешкия опит ни оставя или да изискваме ескапизъм, или да жадуваме за продължителен реализъм, но това, което Тоторо прави, което го издига над може би всяка друга анимирана функция, правена някога, напълно игнорира желанията на своята аудитория и представя история, която вместо това ви позволява да стигнете до примамлив със своя пищен визуален дизайн, подскачащи герои и откриване на скритите съкровища на природата заедно с нейните води. Вместо да се хареса на детето, което някога бяхме, Тоторо си позволява да се възползва от по-широко усещане за приключения и надежда, вложени в по-дълбоката мистерия на нашата планета. Наградата за такава вяра е блестящ диамант на японската анимация: Светещ, универсално движещ се и абсолютно типичен.

8. Лицето на друг (1966)

Зловещо епохална диагноза на съвременния живот чрез тихо обучения кръст на тъмната фантазия, Лицето на Друг изследва преживяването на обезобразен човек, след като чудодейното му ново лице започва да завладява старата му личност. Работата на Тешигахара винаги е достатъчно нюансирана, за да се появи на една ръка разстояние, докато мълчаливо се ноктира отдолу със скелетните си пръсти, а неговата шедьовър от 1966 г. е най-близо до разкриването на истинската й същност: Пренасяйки зловещите композиции на режисьора и ярки образи на ужасите направо в мегаполиса и поглеждайки към градския му град бездна със същата откъсната визия, която така живо оживи Травис Бикъл в Шофьор на такси десетилетие по-късно. Работа за съперничество на Персона и затъмнение секунди през същата година за предизвикателното провокиране на желание, личност и идентичност - Лицето на друг е жизненоважно кино: извисяващ се триумф на метода на Тешигахара и част от работата, толкова плътно навита в собствения си безупречен идеи и атмосфера би било престъпно да се разкриват повече нейните тайни. Вижте сами ...

7. Рашомон (1950)

Един от личните ми врати към световното кино, Акира Куросава Рашомон се превърна в толкова неразделна част от кинематографичната култура, че беше въведена в езика, за да опише психологическия ефект, който героите носят: Всеки от тях дава противоречиви показания по ужасно изнасилване / убийство Виталността на Куросава е изложена на показ, пионерски техники на камерата като стрелба директно към слънцето и забулването му през бъркотия от листа, така че всяка сцена в гората да е толкова абстрахирана, колкото и колегата й в съда. Обезоръжаващата простота на Rashomon’s неустоимата сюжетна кука създава място за коментар на човешката истина, морал и богато кинематографично изживяване с участието на прочутите прояви на Куросава на яростната фехтованост. Диалогът около Рашомон няма какво да се добави, освен че продължава да се чувства с десетилетия напред. Човек може само да си представи усещането да видиш този път през 1950 г.

6. Харакири (1962)

Харакири е горе-долу толкова силен, колкото и филмите. Отваряйки с толкова въздействащ кадър, колкото може да си представим, режисьорът Масакай Кобаяши създава феномен, който остава един от най-популярните филми за всички времена: Класиране сред най-добре оценените филми в огромно мнозинство от потребителски сайтове, въпреки това, което имах първо се предполага, че намалява обжалването. Това е старателно търпеливо, нечестиво вдъхновено изследване на японския кодекс на честта - все още трептяща рана в следвоенната 1962 г., към която Кобаяши подхожда не просто като сънародник, но и като човек. Всяка капка кръв се разлива Харакири говори за мъчителната омраза на художника към смъртта и насилието: Почти сякаш го боли да изложи подобна бруталност на екрана. В днешния свят такава непоколебима човешка посока е божествена за гледане и работи като ключов камък за заключението на филма. Без отдадеността на всички замесени, Харакири би било забравено като поредната измамна драма, строго изработена, но иначе смирена. Харакири седи тук днес, защото Масакай Кобаяши се грижи повече, отколкото бихте могли да си представите, и мисля, че със своята остра, блажена елегантност го поставя сред най-великите филми от 60-те години.

5. Седем самурая (1954)

Най-аплодираният филм изобщо излязъл някога от Япония, „Седем самурая“ изгори незаличима следа върху медиума и все още има корени в екшън киното днес. Куросава, напоеният с дъжд кулминация, не засенчва напълно пророческата дълбочина на обсадата на замъка на Ран, но продължава да информира за начина, по който събираме последователността от действия, дори съвременните редактори да не забележат това влияние. Далеч над трайната му културна мощ се крие завладяващата характеристика на Седем самурая: Създаване на цял свят от богати фигури, подпомогнати изключително от внимателното разширяване на метода на Куросава дори до най-малката част, за да направи възможно по-завладяваща визията му за феодална Япония. Този вътрешно изработен тигел от майсторски екшън и светъл разказ на истории води до основен филм, който влияе, наелектризира и в крайна сметка ни оставя с толкова смел и мощен филм, който съм виждал досега. Заслужена основна част от пантеона на международното кино.

4. Бледо цвете (1964)

Ако не бяха само две думи, разпръснати в списъка на великите японски филми, името Масахиро Шинода нямаше да се промъкне в рамките на десет фута от този списък. Като се има предвид приноса му към великото японско кино, това е плачещ срам - и да се мисли, че подобна майсторска работа почти е избегната от научните изследвания, е да се каже нещо от това колко филми там се молят да бъдат преоткрити. Похвален при издаване и тихо издаден от колекцията Criterion, Бледо цвете е един от най-големите престъпни филми на всички времена. Просто гледането на комарджия и неговата новооткрита любов попада в подхранвана от отчаяние спирала на деградация и безпристрастност - тя остава една от най-смелите тъмни, визионерски творби, за да избяга от устните на японската Нова вълна: тази, която е убийствена от кадрират докрай и това дава също толкова трансцендентален кинематографичен ефект, колкото всяка по-малко екстремна творба на Озу или Куросава. Шинода никога няма да бъде държан за един от великите, поне от широката публика - но се надявам поне да се накара хората да открият киното му от този тигел на престъпното съвършенство: Работа, толкова сурова и разкована, колкото свръхстимулираните шумотевици на прекомерна контракултура и същевременно толкова дълбоко деликатни и контролирани, колкото всеки филм, който някога съм гледал. Неговата педантична, чудотворна и недобросъвестно наблюдавана. Поправи това.

3. Жена в дюните (1964)

Ако Киджу Йошида и неговите Ерос + клане е шампионът на високоизкуствената психосексуалност - тогава Хироши Тешигахара Жена в дюните е митично в сравнение. Транспониран от известния роман на дългогодишния сътрудник Kōbō Abe, почти злонамереният метод на Тешигахара е най-злобно и мъчително състрадателен тук. Приглушени светлини на потиснатото човечество блестят през променящите се пясъци, които обграждат нашите двама неспокойни протагонисти - хора, принудени в най-първичното състояние на съществуване в името на огорченото оцеляване. Наистина в Жена в дюните , устойчивост е подаване. Нищо не е свещено. Никъде не е в безопасност от жестоките очи на почти вездесъщите селяни, които осъждат нашите герои на тяхната адска яма. Това е перфектна концепция, безупречно изпълнена кинематографично от Хироши Тешигахара, както и произвеждаща това, което бих твърдял, е най-ефективният резултат на легендарния композитор Тору Такемицу. Събирайки заедно три невероятно уверени художници в същия дух като Де Ниро, Скорсезе и Шрадер в Таксиметров шофьор - Жена в дюните е свой собствен, равни части човешки и неизбежно ужасяващ звяр. Ужасяващо, съществено произведение на изкуството.

2. Късна пролет (1949)

Късна пролет е откровение за съвременната монотонност: Изгонването на демони, което това място и време изисква не само да бъде държано под ключ, но и скрито, сякаш те не съществуват. Докато болезненото желание да се изразят тези ужаси никога не е напълно разкопчано, ние можем да открием в ъгъла на всяко око, между думите на всеки ред и често да бръмчи безшумно в центъра на всяка стая. И така за свят, толкова повърхностно наситен със зъбни усмивки и нежни мелодии - Ozu’s Късна пролет също така носи атмосфера на пълно отчаяние: Страх, че няма да бъдем приети - че всеки израз може да доведе до поражение и затова най-добре наричаме трасето неотменимо, вместо да рискуваме и да стоим в средата на пистите. Неговият завръщащ се пробен камък на сблъскващите се поколения стои в основата на Късна пролет внимателно обработена драма, но мисля, че тук, повече от която и да е друга негова творба (или може би всеки филм, произведен от околните десетилетия): Озу успя да намери перфектен край. Да се ​​постигне ясно обобщение на вашите теми и чувствата на вашите герои не е никак лесен подвиг, още повече да намерите момент, който е толкова поразителен, както се е родил тук, и по този начин предлагам на всички в разгара на драматичното писане, режисурата, производството или просто кинефилни лихвени пръчки Късна пролет точно в горната част на списъка им за наблюдение. Повярвайте ми: ще ви подслони.

1. Високо и ниско (1963)

High & Low е по същество невъзможно кинематографично начинание. Той се простира след неуловим елемент с толкова конфликтно ядро, че изглежда няма какво да се намери. На повърхността му липсва нюансираната, но въпреки това непреодолима сила на Седемте самурая, както и бавно изгарящото ад, което бушува в омразна тишина в края на Късна пролет. В действителност, High & Low съчетава и двете: стъпвайки толкова колебливо сред обикновените хора от страх да не се сблъскате с повече болести, разврат и пристрастяване - до повече алчност и ревност и безмилостна аморалност около това, което безкрайно се стича зад всеки ъгъл на улицата. Това е филм, ужасен от това, което вижда в човешкото състояние, нещо, което толкова явно боли Куросава да излезе на екран - и именно неговият колебателен ток на творческа саморепресия гарантира неговата почтена важност. High & Low има дързостта да се изправи до крайната безнадеждна, банална жестокост, която се крие във всичките ни сърца - до това колко грозен и завладяващ е целият свят в насищането си с бездушно самообслужване. Може би, за да се обърнем най-накрая и да го разпознаем, ние ставаме по-добри хора в процеса. Способен да разбере, че е добре да се страхуваш, стига да приемеш присъствието на необяснимото. Невъзвръщаемото. В крайна сметка единственото успокоение, което някога ще намерите, е прошка. Ако ще се стараете да гледате всеки филм от този списък: Направете го този.