10 най-добри европейски филмови режисьори за всички времена

Винаги е било известно, че Европа произвежда автори. Ако Америка е търговският център на киното, Европа със сигурност е творческият център. Дори американските режисьори гарантират европейските режисьори като тяхно вдъхновение. И така, помислих си защо да не направя списък, състоящ се само от европейски режисьори - от Франция, Великобритания, Италия, Русия и т.н. Докато съставям този списък, взех предвид всички европейски режисьори и влиятелните европейски режисьори през цялата история на киното . Ето списъка на най-добрите европейски филмови режисьори някога.

10. Алфред Хичкок

Алфред Хичкок е лесно едно от най-разпознаваемите имена в кинематографичната история. Заглавието му „Учителят на съспенса“ живее и днес, близо две десетилетия от смъртта му. Неговите филми имат толкова различен стил, че публиката, която вижда подобен стил в други филми, е склонна да го кръсти като „Хичкоки“, поради съпоставимото използване на напрежение и зловещост. ‘Психо’ (1960) , един от по-ранните му филми, е добре известен със създаването си на жанра Slasher. ‘Световъртеж’ (1958) наскоро изпревари Орсън Уелс ’ ‘Citizen Kane’ (1941) в изключително уважавания списък на Sight and Sound с най-великите филми за всички времена. Можех да считам много от тези филми за най-великите му, но според мен ‘Заден прозорец’ (1954) е най-добрата работа на Алфред Хичкок, тъй като той създава илюзията, че е твърде затворен в гледната точка на своите герои. Макар да даваше ограничена свобода и ограничени възможности, карайки публиката да се отдръпне на местата си, задържайки дъх в очакване.

9. Майкъл Ханеке

Кинокритик, преди да се насочи към филмопроизводството, филмите на австрийския режисьор показват вероятно най-доброто изображение на насилие и обезпокоителни образи на екрана. Ханеке е режисьор, на когото се възхищавате и може да гледа филмите му заради възхищението, а не защото се наслаждавате на филмите му. „Седми континент“ (1989) , дебютният му филм - и широко разглеждан като най-добрата му работа - проследява историята на семейство, което планира да емигрира в Австралия, които са обезпокоени от лек инцидент. Ханеке изобразява историята по такъв начин, че тържествено се концентрира върху ежедневните задачи като ядене на зърнени храни и лягане да спи, фокусирайки се върху предметите и действията, които приемаме за даденост, а не върху отчетливото чувство на отчаяние, засвидетелствано чрез поведението на семейство. „Кеш“ (2005) ви кара да се извивате и потръпвате под кожата чрез идеализирането на това да ви дебнат. „Кеш“ предлага и една от най-големите мистерии и психологически драми в историята на киното, тъй като следва семейство, което получава анонимни касети. Ханеке обелва слоеве от филма си един по един, внимателно дисектирайки историята, за да разкрие обезпокоителните й тайни.

8. Жан Реноар

Жан Реноар е за кино това, което Толстой е за романа; режисьор с византийска сложност, който опакова всеки от своите герои и сценарии с проницателни и увлекателни коментари за социалността, идентичността и взаимоотношенията. Това, което спасява тежко натоварените му истории от потъване, е режисьорската икономика, облечена в съблазнителен визуален език и остър ум, който дава на всички тези теми и идеи здравословна стая за дишане и разширяване. Режисьор, който никога не се отказва от темпото на събитията и винаги включва възможно най-много герои, за да предаде ефективно картата на ума си на публиката, подправяйки филмите си с играчи, които функционират с хирургична прецизност, като се плъзгат през неговото превъзходно кадриране, блокиране и работа в камерата . От „Един ден в страната“ завладяващо лирично бягство към „Голямата илюзия“ унизително честен поглед към Първата световна война и накрая вкусният празник за очите, ушите, ума и сърцето ‘Правилата на играта’ , Жан Реноар представлява блестящия връх на френското кино от преди Nouvelle Vague, както и че е един от големите световни майстори на кинопроизводството преди 1960 г.

7. Бела Тар

Макар да можех да помисля за някой от многото майсторски източноевропейски режисьори за това място - включително за колегата унгарец Миклош Янчо, който едва беше изрязан - малко режисьори днес могат да твърдят, че разбират за същата арестуваща магия като Бела Тар. Ранните му творби ‘Есенен алманах’ (1984) и ‘Проклятие’ (1988) представляват увлекателни изследвания в кинематографичния стил, които виждат по-млад режисьор да упражнява занаята си със сонди в техниките, които ще станат скоби на величието му през следващите години. Експериментирайки с музика, дълги снимки, цвят и композиция, за да създаде апокалиптичен затънтен свят, който пламва с горчива искра на оцеляване, Тар толкова ефективно извлича от своите актьори и пейзажите, в които са принудени да създадат живота си. Човекът е направил такъв от топ 3 филма от 90-те, 2000-те и 2010-те с „Сатанинско танго“ (1994), ‘Werckmeister Harmonies’ (2000) и „Торинският кон“ (2011) съответно; достигайки дълбоко ниво на космически ужас, който е едновременно изтощителен и същевременно напълно убедителен за всеки отделен кадър.

6. Тео Ангелопулос

Гръцкото кино никога не е било благословено с майстор, толкова предвиден, мощен и нюансиран в стил като Тео Ангелопулос - просто като това. Неговият експертно контролиран кинематографичен метод успява да надхвърли собствената си обширна хореография и силно изкуствен характер, за да стане толкова непосредствен и чист, колкото документален филм; освободен от присъщите окови на средата и му е позволено да наблюдава човешкото състояние с хумор, сюрреализъм и опустошителна сила. Неговите епични образи са изтласкани с тежестта на хиляда таблици, като същевременно никога не се страхува да пролее външно кинематографичното и да се съсредоточи върху миниатюрни микрокосмоси на човешката емоция. От интимната трагедия на „Пейзаж в мъглата“ (1988) до митичния обхват на „Александър Велики“ (1980) [не, интересно, за мъжа, за когото може би си мислите]. Тео Ангелопулос ни дава нещо толкова красиво отделено от останалата част от установения кинематографичен метод, че работата му просто трябва да бъде видяна.

5. Ален Рене

Още по-разваля връзките на формалистичното филмопроизводство Ален Ресне, когото, вместо да се стреми да унищожи киното от миналото, а-ла неговите съвременници от Nouvelle Vague решават да създадат нещо изцяло ново. Неговото смело сливане на повествование и памет култивира горчиво-сладка близост с героите, изтласкани пред нас: Привлечени както към тяхната радост, така и към преобладаващата болка, пренесена през десетилетия от живота, ние сме толкова щастливи, че ни се дава прозорец. Експериментирането на Ресна с филмова форма подари медията както с изумително оригинала 'Хирошима, любов моя' (1959) и безбожно „Последната година в Мариенбад“ (1961), и дори стига до това да развие дълбока стилистична чувствителност в документалния жанр през „Нощ и мъгла“ (1956) ; вдъхновяващ неизказани предстоящи пионери на занаята с премерения си революционен стил. Независимо върху какво работи, Реснаис поема творчески риск. Независимо дали резултатите са напълно чудотворни или за съжаление полупечени, визията на мъжа винаги си заслужава да бъде разгледана.

4. Жан-Пиер Мелвил

Мелвил е известен предимно със своите интензивни криминални филми и е смятан от мнозина за краля на жанра. Ефективното използване на тишината е може би най-разпознаваемият елемент от уникалния стил на Мелвил, позволяващ на публиката да възприеме атмосферата във филмите му. Използването на студените цветове на Мелвил е много отчетлива и присъща част от творбите му. Пиер Лом - оператор за ‘Армия на сенките’ (1969) - каза по време на интервю, че „Мелвил мразеше дневната светлина, мразеше места, мразеше топлия цвят“. Увереността на Мелвил в способностите му изигра огромна роля във филмите му и показа колко доминиращ и контролиран може да бъде, за мен сцената на обира от „Червеният кръг“ (1970) , сцената продължава 25 минути и има нулев диалог. Това показва върховата важност на неговата увереност в способността му да разделя диалога и филма.

3. Franti & scaron; ek Vláčil

Фрактурата на филмовата форма достига своя неотменим връх с Бог на чешката нова вълна Франтик Вълчал. Неговите филми са напълно необясними триумфи на артистичната среда; като вземем всичко, което знаем за киното, и го разбиваме толкова безпроблемно, че дори и най-изкусните майстори на сюрреализма могат само да поклатят главите си удивени. Влачил атакува сетивата на всяка крачка с бомбастични музикални набъбвания, дразнещи наклонени черти през повествователния поток и поетично прогресиране през пространството и времето, които толкова перфектно допълват светещите басни, които той избира да работи. Мъжът снима кино с естетиката на мечтата: фантастичен прилив на изображение и звук, който се чувства по-малко проектиран и повече измислен от някакъв тайнствен магьосник. Необяснимо, нажежено и просто божествено.

2. Ингмар Бергман

Шведският мозък на киното. Повече от 60 филма под неговия колан за 59 години като режисьор, като качеството на всеки филм много рядко пада. По-голямата част от по-ранните му филми създават усещане за клаустрофобия с малки актьорски състав, говорещи на затворени места, но това не отнема уникалната му способност да достига до безсловесни тайни, скрити в човешките емоции, излагайки ги с чувство на топлина и хуманност като в същото време е обезпокоителна в своята сурова емоция и психологическа интензивност. Ингмар Бергман откри мрачност и отчаяние, последвано от надежда в своите изследвания на човешкото състояние. Филмите на Бергман показват предимно философии за смъртта, болестите, вярата и предателството. Неговият скандален „Трилогия на вярата“ е отличен пример за това как той тества вярата на героите в историята, като показва екзистенциализма, смъртта и човешките взаимоотношения по най-естествения начин. Ингмар Бергман е широко известен като един от най-големите режисьори на историята на филмите. Той е спечелил над 3 академични награди за най-добър чуждоезичен филм, което е доста впечатляващо, като се имат предвид темите, които режисьорът често изобразява. Филмите на Бергман се занимават с болката и мъките, желанието и религията и се фокусират върху реалистични аспекти, през които случайната публика може да премине в живота.

1. Андрей Тарковски

Андрей Тарковски беше визионер, подходът му към кинематографичното време и страстта му към натрапчивите, поразителни от естетическа гледна точка образи го вдъхновиха да промени начина, по който киното се виждаше завинаги. Въпреки че е направил само седем филма по време на кариерата си, той е широко известен като един от майсторите на киното, ако не на майстор. Три от неговите триумфи са се появили в списъка Sight and Sound, които са „Огледало“ (1974), „Андрей Рубльов“ (1966) и ‘Stalker’ (1979) . Въпреки че Тарковски не се занимаваше директно с политически въпроси, тези три филма провокираха продължаващите военни действия от съветските власти. Подобно на много други източноевропейски директори в Съветския съюз, Тарковски се сблъсква с безброй борби с властите, което му дава по-ясна визия по какъв начин иска да се присъедини. Веднъж Бергман каза ‘Тарковски е за мен най-великият, този, който е изобретил нов език, верен на същността на филма, тъй като той улавя живота като отражение, живота като мечта’. Тарковски формира свой собствен кинематографичен език, използвайки неограничения поток от човешка емоция и екранна поезия. Техниката му както по философия, така и по изкуство все още пулсира в света дълго след смъртта му. Визията на Тарковски ни позволява да видим неговия запомнящ се отпечатък върху кинематографичния разказ за поколения напред.